La Fundación Mapfre acogerá desde el próximo sábado, 11 de febrero, la primera gran muestra monográfica que se le dedica en España al pintor francés Odilon Redon, precursor del simbolismo y del grupo de los Nabis. Realizada en colaboración con el Musée d’Orsay y comisariada por Rodolphe Rapetti (INHA, París), la muestra recorrerá la trayectora artística y el universo singular de Redon (1840, Burdeos – 1916, París) a través de 170 obras procedentes de algunas de las colecciones internacionales más importantes.

Gracias a un estilo absolutamente personal, un uso novedoso del color y de las tonalidades, y una temática basada en las complejidades del pensamiento, lo esotérico y los mecanismos del sueño, Redon influyó profundamente en las generaciones simbolistas, fauvistas y nabis, haciéndose un hueco entre los pintores más destacados de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

Su pionera atracción por el mundo de la imaginación y de los sueños, en un momento de primacía del naturalismo, lo convirtió en un pintor al margen. Su apuesta por un lenguaje personal y original hizo de él, durante mucho tiempo, uno de los artistas menos conocidos del cambio de siglo, a pesar de su celebridad en vida y de su fundamental papel en la génesis de los nuevos lenguajes y contenidos del arte moderno.

El recorrido cronológico de esta exposición parte de sus inicios como grabador bajo la tutela de Rodolphe Bresdin y llega a la época del color y de sus grandes decorados, desde lo que llamó sus Negros, en la atmósfera de los simbolistas, hasta las escenas mitológicas y el incandescente Carro de Apolo, himno a la luz. Este camino seguido por el artista de la sombra a la claridad no tiene parangón en la historia del arte y es presentado en esta muestra a través de la elección de 170 obras maestras de distintas instituciones, que comprenden óleos, dibujos, grabados, paneles decorativos y bocetos para textiles.

Además, en la muestra hay obras provenientes del Gemeentemuseum de La Haya, Museo Van Gogh y del Rijksmuseum de Ámsterdam, el Museo de Bellas Artes de Burdeos, el Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe, así como de importantes colecciones particulares extranjeras.

Anteriormente, ya veíamos la intensidad de los contenidos de la pintura simbolista; ahora, se nos ofrece la oportunidad de observar 170 obras de uno de sus principales artistas; sin duda, merecerá la pena.

Hoy es arte

Antoni Tàpies, uno de los maestros del arte de vanguardia del siglo XX y nombre imprescindible de la historia del arte español, falleció el pasado 6 de febrero a los 88 años. Tàpies nació en Barcelona en 1923 en una familia burguesa involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despertó muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura. Esta predisposición se vio acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inició sus tanteos artísticos. Progresivamente se dedicó con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acabó dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya exponía sus obras, que destacaban en la panorámica artística del momento.

Tàpies se dedicó especialmente a la pintura matérica, lo que se conoce como informalismo, término utilizado por vez primera por el propio Tàpies, un estilo que se desarrolló paralelamente al expresionismo abstracto. Abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Cada artista da toda la libertad a lo imprevisto de las materias y a la aleatoriedad del gesto rechazando el dibujo; se trata de una obra abierta que el espectador puede leer libremente, la obra es el lugar y el momento privilegiado en el que el artista se descubre.

Así pues, Tàpies fue uno de los artistas más vanguardistas que ha tenido España. La filosofía y la música le crearon una forma diferente de ver el arte, y así quedó reflejado cuando creo el grupo Dau al Set, que quería romper con la pintura anterior y crear algo nuevo. Un gran artista nos deja así dejando una huella profunda, marcando un estilo y un nuevo concepto de arte que perdurará en nuestra historia.

Lo más difícil es asimilar que en una pintura que podemos considerar realista en su forma, nos pueda conducir a estas ideas escondidas. En un estilo surrealista, nuestra mente ya esta predispuesta a intentar encontrarle un significado, pero con artistas como Goya, no siempre ocurre lo mismo. En la segunda mitad del siglo XX, se ha querido estudiar el arte de Goya desde una perspectiva iconológica, comprendiendo que todas sus obras conllevan significados ocultos procedentes de los emblemas.

Poniendo como ejemplo el peligro del mal entendimiento de la iconología, vemos esta imagen de la revista Magazine, que presenta el cuadro de El Quitasol como metáfora de la Constitución Española. Es, sin duda, curioso, que el que estuviera detrás de esto eligiera este hermoso cuadro realizado para tapiz, ya que está claro que pocos conocimientos de su significado pudo tener.

Goya  con esta imagen quiere expresar las malas virtudes del ser humano; los diferentes elementos del cuadro no se encuentran por casualidad. Su significado se lo atribuimos a emblemas donde estos elementos ya aparecen: la mujer, que nos mira fijamente (sinónimo de lascivia) vestida con esos ropajes de color amarillo, no es más que una simple cortesana, acompañada del hombre que siempre la acompaña (algo así como su chulo). Por otra parte, el paraguas como quitasol contribuye a significar la mentira, el ocultamiento de la verdad, ya que la luz en la Ilustración era su símbolo principal. El perro, entre sus múltiples significados, representa la consciencia ciega por las delicias humanas, así como el árbol azotado por el viento, que representa la fugacidad de los honores mundanos que muchos persiguen.  Además hay una gran desproporción entre la figura de la mujer y la del hombre, ya que ella está sentada y él de pie, y no se comprende la distancia que los separa, de modo que también refleja el engaño.

Por lo tanto, en la revista, se nos presenta a la Constitución como la mentira, España como una prostituta y al rey como su chulo. Sin duda, esta imagen pudo haber tenido una gran polémica si hoy en día, el desciframiento de la iconología estuviera más a la orden del día, de modo que  el ejecutor de esta imagen acabó realizando un trabajo que no podemos considerarlo otra cosa más que cómico.

La figura de la mujer ha sido uno de los temas iconográficos más constantes en la obra de Picasso. Habitante de un mundo femenino que gravitaba primero alrededor de sus hermanas y de su madre, y de sus distintas compañeras o esposas más tarde, el artista se enfrentó a la imagen de la mujer desde el lugar de quien al mismo tiempo admira e interroga al sujeto femenino.

El título de esta muestra alude a la expresión creada por Goethe en la que, según el autor alemán, el ‘eterno femenino’ reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva, y que por tanto unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. Esta multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las 14 secciones en las que se articula esta exposición y que recogen 66 obras originales del artista malagueño encuadradas en las distintas técnicas de su obra gráfica.

A través de diferentes secciones, la mujer se presenta como un soporte para la manifestación del alma (Espejo del alma), a la vez que puede ser el retrato de mujeres imaginadas  o de personas reales, como las dos últimas, y más intensas, mujeres de Picasso: su compañera Françoise Gilot y su esposa Jacqueline Roque (secciones Retratos de Françoise y Retratos de Jacqueline).

Sin duda, Picasso es uno de los grandes. Experimentar con de sus obras su visión del mundo a través de la deformación de las formas y la división de los planos, consiguiendo del mismo modo una gran expresión, nos hace valorar su originalidad e ingenio. Esta exposición es otra forma de entender a Picasso más alla de su célebres obras, surmiengéndote  en el arte para encontrar su propia forma de sentir y ver la realidad con la percepción que éste tenía de la figura femenina.

La exposición ha sido organizada para Ibercaja por The Andy Warhol Museum, uno de los cuatro Carnegie Museums de Pittsburgh, y sólo se había presentado en una ocasión anterior, en el propio museo Warhol, durante la primavera de 2010. Este conjunto artístico incluye pinturas, impresiones, dibujos y fotografías que permiten comprender la evolución artística de uno de los creadores más transgresores del siglo XX. 

Andy Warhol. Portraits se articula en cinco décadas, desde los años 40 hasta los 80. Si bien se introduce con una serie de diez fotografías familiares de los años 30 que ponen de manifiesto que su infancia y juventud nada tuvieron que ver con la “estrella del arte” en que se convirtió, tan rutilante como las estrellas de cine que siempre admiró. Precisamente una fotografía de la actriz que fue su ídolo en esta época, Shirley Temple, se halla también entre la colección del álbum familiar. Se trata de una postal dedicada a Warhol que él siempre conservó.

Una exposición a la que merece la pena acudir, ya que supone el conocimiento del artista del Pop Art a través de su arte e imágenes de la época que nos ayudan a contextualizarnos para lograr captar el espíritu del momento, que hizo que Andy Warhol se convirtiera en un artista por todos reconocido.

Hoy es arte

El Guernica, la famosa y espectacular obra de arte más conocida por el arista y genio del cubismo, Pablo Picasso, presenta en el Reina Sofía los pasos y el estudio de su restauración. Para ello, habrá un proceso de digitalización del cuadro que nos otorgará imágenes de altísima resolución y datos de gran precisión de cada rincón de la obra.

La última gran investigación sobre el estado de conservación del Guernica fue llevada a cabo en 1998 en el Museo Reina Sofía. En aquella ocasión, el desarrollo de la investigación y sus resultados fueron presentados en el simposio ‘Guernica. Problemas éticos y técnicos en la manipulación de obras de arte’ y en la publicación Estudio sobre el estado de conservación del Guernica de Picasso. El proyecto que comienza ahora arrojará una información infinitamente más precisa sobre la obra y permitirá penetrar en sus distintas capas con el fin de recrear la superficie y descubrir aspectos hasta ahora desconocidos, tanto en lo que se refiere a su gestación, materiales y técnicas, estado de conservación, etc.

Además del personal de Conservación-Restauración del Reina Sofía, este estudio cuenta con la participación de investigadores del Departamento de Óptica de la Universidad Complutense de Madrid, desarrolladores de software para el diseño del movimiento del automatismo, así como de empresas especializadas en robótica o en la toma de imágenes en 3D.

Viaje al interior del Guernica comenzó a gestarse 2009 con la investigación, identificación de problemas técnicos y proveedores, diseño y desarrollo del robot cartesiano. Ahora se realizará la digitalización de la obra con ayuda del automatismo robotizado, proceso que, dada su complejidad, se prolongará hasta junio de 2012.

Una vez finalizada esta primera fase, se tratarán las imágenes digitalmente y se producirán contenidos para su estudio y divulgación en diferentes soportes, que podrán ofrecerse tanto a la comunidad científica como al público interesado en un conocimiento profundo de los materiales y las técnicas de esta obra fundamental en la historia del arte del siglo XX. Será posible, por ejemplo, navegar por la superficie del cuadro en 3D o superponer diferentes capas de las digitalizaciones realizadas en un apasionante viaje al interior de la obra.

Sin duda, esta nueva tecnología supone un gran avance a la hora del experimentar el arte de nuestra sociedad. Está claro que la forma en la que percibimos, aprendemos y estudiamos va cambiando a medida que la ciencia y la tecnología progresan. Por lo tanto, esto supondrá un mayor conocimiento de la obra hacia una nueva visión, que ni el propio Picasso pudo haber tenido.

Hoy es arte

 Munch, así pues, nos transmite una sensación de lo más inquietante; es posible que en esta obra concretamente sea donde encontramos la máxima fuerza expresiva de su pintura, pues él, presenta unas características más asociadas a la temática del simbolismo: la figura de la mujer, el silencio, la reflexión, la mirada a uno mismo, la tristeza… es decir, la plasmación de elementos que no van hacia a fuera, como la ira, sino hacia el interior de uno mismo. La melancolía y los problemas de la propia mente serán los que Munch represente. En el cuadro de El Grito, aunque vemos fuerza y expresión clara en su modalidad, el tema no es más que el estado personal y psicológico de la figura que vemos representada, siendo tanta su agonía, que rompe ese silencio propio del simbolismo en un ahogado y desesperado grito, ojos desorbitados y mejillas hundidas que nos hacen pensar que algo terrible debió de haber sucedido.

            En 1960, con la realización de Psicosis, Hitchcock llegó a su etapa dorada, pero, curiosamente, al período más oscuro de su vida. A partir de ahora, sus películas serán un reflejo de los traumas de su infancia. Por ello, todo el mundo del psicoanálisis que hemos visto en entradas anteriores respecto al surrealismo, lo podemos aplicar en la carrera cinematográfica del director, que dejó plasmado su oscuro pasado y su complicada personalidad en su obra.

            La película Psicosis es la que más se centra en este tema; el asesino cree ser dos personas a la vez: él mismo, que oculta los crímenes de su madre, y su propia madre, la peligrosa asesina. Hay aquí la temática de un cierto edipismo; vemos una dependencia e unión total, hasta el punto de llevarle a la doble personalidad, del personaje con su madre, algo que destaca en más personajes hitchcockianos. Atendiendo a la relación que esto podría tener con Hitchcock, vemos que él perdió a su padre cuando era un adolescente, algo que hizo que su madre lo tuviera siempre excesivamente controlado hasta el punto de ser obsesivo. En la escuela, desde la infancia, tuvo conductas sadistas derivadas del trauma de la enseñanza religiosa y el profundo maltrato, que le condicionó un carácter rebelde y arisco. Así, en la película observamos también la fobia a la policía y a las aves, algo que ya anunciaba su siguiente película, Los pájaros.

            Finalmente, en la penúltima escena de la película vemos la propia explicación psicoanalítica del detective para explicar los hechos, las razones por las cuales se cometieron los asesinatos y el desvelamiento del misterio del personaje de Norman. El hecho de que Hitchcock plasmara su propia personalidad en su filmografía contribuyó a que se le valorara como un genio, logra hacernos ver que podemos sentir empatía hacia estos aspectos, pues todos teneos una tensión interna que generan nuestros deseos contradictorios, la batalla de nuestro consciente e inconsciente en busca de la armonía de nuestra persona. Así, a través de su técnica somos los espectadores del mismo Alfred Hitchcock. Sin duda, él fue quien de seguir el camino marcado por el surrealismo y las teorías psicoanalíticas haciéndolo avanzar hacia la modernidad, utilizando el suspense para contribuir a la creación del género de terror.

En estos días, empezaremos una temática centrada en el cine. La primera película a la que haré referencia, que está en relación con la entrada anterior, es la obra maestra de Luis Buñuel y Salvador Dalí, Un perro andaluz, realizada en 1929. Se trata de un cortometraje considerado el más significativo del cine surrealista. Tanto Buñuel como Dalí expresan a través de imágenes sus sueños y delirios, como la escena de las hormigas en la mano – a las que Dalí tenía fobia real- o la más representativa del filme, la del ojo cortado por una navaja –imagen soñada e interpretada por el propio Buñuel.

            La película, al igual que una pintura surrealista donde vemos que sus elementos representados pueden no presentar relación, no se compone de esquema lineal, no es que esté oculto su sentido, simplemente no lo tiene, no hay un trasfondo, es pura imagen onírica. Así, se plasma perfectamente ese universo, donde salen a la luz nuestros miedos, nuestros impulsos más primitivos, nuestros deseos… Vemos incluso escenas no del todo claras, elementos que aparecen y desaparecen, el vacío, ¡incluso el sentimiento de incapacidad de andar bien o alcanzar una cosa concreta!

            La escena del ojo cortado, sin embargo, no es casualidad que se presente al principio de la película. Se trata de un cegar la mirada convencional para que surja la mirada asomada al interior, algo que promovía el surrealismo, como se puede apreciar en los versos del poeta favorito de Buñuel, Benjamin Péret:

Si existe un placer
es el de hacer el amor
el cuerpo rodeado de cuerdas
y los ojos cerrados por navajas de afeitar

            El propio Buñuel explicó que “para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz.”

             Así, no queda más que disfrutar de la película e investigar nuestras propias sensaciones de los sueños de dos de las personalidades del mundo surrealista más representativas. Después de todo, seamos artistas o no, el surrealismo no es más que la parte escondida de nuestra razón, todos tenemos sueños, todos encontraremos en El perro andaluz alguna escena que nos lleve hacia nuestro interior.

Pinchen en el siguente enlace para verla:  Un perro andaluz