La unidad especializada en patrimonio de la policía autonómica ha entregado las diligencias al juez de Sant Boi de Llobregat, que ahora es el único que se puede pronunciar sobre la propiedad de las obras. El párroco de la colonia interpuso la denuncia el 4 de mayo, cuando tuvo conocimiento de la subasta, y se personó ante los mossos para impedir la venta y reclamar la propiedad para la iglesia.

El actual propietario, que también ha declarado como testigo, adquirió el lote en 1980 y ha señalado que las obras se han expuesto con anterioridad en numerosos museos como el Museo de Arte de Nagoya, en 1989, en el Picasso en 2002, en el Reina Sofía de Madrid, en 2003, y en el Metropolitan de Nueva York en 2007.

Desde 1898 hasta 1908, Gaudí estudió el proyecto de la iglesia, utilizando para ello una maqueta realizada con cordeles que materializaban los ejes de las columnas y de los arcos, y de los cuales colgaban unos saquitos de perdigones cuyo peso era proporcional al empuje que tenían que soportar. De este modo, obtenía la estructura invertida que, una vez fotografiada y girada, era pintada para ver el efecto resultante.

Pero si este par de dibujos muestran la genialidad arquitectónica de Gaudí, asimismo reflejan su elevada espiritualidad, a través de una iconografía en torno al simbolismo de las cuatro virtudes cardinales.

Una vez elaborado el proyecto y acabada la maqueta correspondiente, en el mes de octubre de 1908 comenzaron las obras de la iglesia de Santa Coloma. En aquel entonces, Gaudí había acabado Bellesguard y la Casa Batlló y estaba construyendo la Casa Milá y el Parque Güell. Interrumpida su construcción en 1917, un año después se abandonaron definitivamente las obras a causa de la muerte del conde Güell, resultando finalmente una obra inconclusa. A partir de entonces, simplemente se intentó acondicionar dicha edificación gracias a los fieles colaboradores que trabajaron a las órdenes de Gaudí.

Ya en el libro de Isidre Puig Boada L´Església de la Colonia Güell (Barcelona, Lumen, 1976) se comenta que, a pesar de que se sabía que Gaudí realizaba múltiples dibujos de sus proyectos antes de dar por finalizada la maqueta, en el caso de la Colonia Güell parece que debieron ser destruidos prácticamente en su totalidad en el año 1936, con el inicio de la Guerra Civil; solo unos pocos croquis se conservaron en la misma rectoría de la iglesia.

A este hecho hay que añadir una excepción: en 1967 se realiza el descubrimiento de dos de estos dibujos –que se daban por desaparecidos– en la carbonera de la masía de la Colonia Güell, que representaban la iglesia superior. Al año siguiente fueron fotografiados por los hermanos Blassi para ser reproducidos en 1969 en el catálogo de la exposición El Modernismo en España (Madrid) y en el libro de Descharnes y Prévost La visión artistique et religieuse de Gaudí. Dañados por la humedad, permanecieron en la misma masía hasta 1975 en que pasaron a manos de una colección barcelonesa. A continuación se expusieron por primera vez en la sala Parés entre el 5 y 20 de junio de 1976, en una muestra conmemorativa del 50 aniversario de la muerte de Gaudí, centrada en sus dibujos originales.

Los dos dibujos, con un tamaño de 59 x 46 cm y 61 x 47 cm, están realizados a carboncillo, acuarela y gouache sobre fotografía heliográfica y ofrecen la perspectiva exterior e interior de la iglesia prevista originariamente. Se hallan ampliamente reproducidos en libros y artículos de prensa, y son conocidos por el gran público, gracias a su participación en diversas exposiciones, como Univers Gaudí (que tuvo lugar en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, durante la celebración del Año Gaudí en el 2002).

La exposición, comisariada por Karin Schick, directora del Museo Kirchner de Davos, contará con 130 obras de diferentes técnicas procedentes de 23 instituciones de todo el mundo. El recorrido ofrecerá al público una visión completa de su vida y obra, desde sus inicios como estudiante de arquitectura en Dresde hasta su “nuevo estilo” llevado a cabo en Davos, donde se trasladó tras sufrir una grave crisis nerviosa con el estallido de la Primera Guerra Mundial. 

Fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente), Ernst Ludwig Kirchner comenzó a pintar de forma autodidacta al tiempo que estudiaba arquitectura en la Technische Hochschule de Dresde, en la que se diplomó en 1905. En 1904 se trasladó temporalmente a Múnich, donde trabajó en el estudio de Wilhelm Debschitz y Hermann Obrist y conoció el grabado en madera a través de la obra de Durero. En junio de 1905, de nuevo en Dresde, participó –junto a Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff– en la creación del grupo Die Brücke, de ideas revolucionarias y una intensa actividad en común.

Su interés por el arte primitivo, que contemplaba en el Museo Etnográfico de Dresde, se vio reflejado tanto en su obra como en los muebles y murales que fabricó para el estudio que compartía con Heckel en una antigua carnicería del barrio obrero de Friedrichstadt. En octubre de 1911 se trasladó a Berlín, donde pintó sus obras más significativas y comenzó a tener un cierto éxito que le llevó a ser seleccionado para el Armory Show, exposición de arte europeo contemporáneo celebrada en Nueva York en 1913. Fruto de sus contactos con los componentes del grupo expresionista de Múnich, los miembros de Die Brücke fueron incluidos en la exposición de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) de 1912.

Su movilización en la Primera Guerra Mundial le causó un fuerte deterioro en su salud física y mental, que terminó con su inhabilitación en 1915 y su consiguiente traslado a Davos, donde vivió aislado el resto de su vida. En las montañas de Suiza comenzó de nuevo a pintar y a escribir crítica de arte bajo el seudónimo de Louis de Marsalle. Tras la llegada al poder de los nazis en Alemania y la confiscación y destrucción de sus obras, Kirchner sufrió una recaída de su estado depresivo y se suicidó en junio de 1938.

Su obra mantuvo siempre la simplificación formal expresionista y el uso arbitrario del color. Como los demás pintores de Die Brücke, evolucionó desde un primer momento de influencia de Van Gogh a un estilo más sintético y bidimensional, de pinceladas gruesas, y una mayor autonomía del color. Su temática estuvo en un principio dedicada al paisaje, con o sin figuras, y al desnudo, y más tarde se centró en el ajetreo de las calles berlinesas de las que, entre 1912 y 1914, pintó unas memorables escenas. En Suiza volvió la pintura de paisaje de un creciente misticismo.

Hoyesarte

La obra es la primera que adquiere el Museo Van Gogh en los últimos cinco años y podría representar uno de los paisajes habituales por los que el pintor paseaba en los alrededores de su residencia en La Haya. Knotwilg mide 38 por 56 centímetros y forma parte de una serie de seis acuarelas que Van Gogh pintó durante el verano de aquel año.

El museo adquirió el trabajo hace un par de meses en una subasta en Londres, por una cantidad cercana a los 1,5 millones de euros.

A partir del próximo 14 de junio, la sede de Loewe en Gran Vía 8 acogerá su primera exposición en España, dentro de PHoto España, una muestra compuesta de 40 imágenes de personas de todo el mundo realizadas por el fotógrafo para The Sartorialist, el blog de moda más influyente del mundo.

Scott Schuman se especializó en Fashion Merchandising en la Universidad de Indiana antes de trabajar para marcas como Valentino y Onward Kashiyama, periodo en el que también creó su propio showroom para diseñadores emergentes.

Tras 15 años de experiencia en el mundo de la moda, en 2006 creó el blog The Sartorialist. Su meteórico ascenso le llevó a cubrir los desfiles de las grandes capitales de la moda para style.com, colaborar en la revista GQ y marcas como The Gap, Nespresso o DKNY Jeans. La editorial Penguin publicó en 2009 una antología de sus fotografías y su obra forma parte de las colecciones permanentes del Victoria & Albert Museum y el Tokyo Metropolitan Museum of Photography.

Cualquiera que sea el soporte para sus imágenes, su trabajo siempre conserva rasgos distintivos y una gran capacidad para aprovechar al máximo el poco tiempo disponible para crear obras originales y únicas.

 Hoyesarte

El arte, en la actualidad, da lugar a una industria con un delicado engranaje; es la suma de sus muchas ruedas en ajustada armonía la que permite que la obra de arte tenga lugar y llegue a la sociedad. Si no contara con la complicidad de galeristas, coleccionistas, gestores, críticos, comunicadores, académicos… el artista estaría aislado y su obra, en la mayoría de los casos, no se daría a conocer.

Ahora, la Fundación Canal (Madrid) presenta del 10 de mayo al 22 de julio la exposición Cómplices del arte español contemporáneo,  una muestra que disecciona el arte contemporáneo español de los últimos  25 años a través de la óptica de personalidades implicadas en el mundo  del arte. Para esta muestra, el comisario Rafael Doctor ha seleccionado a  23 personas vinculadas al mundo artístico contemporáneo y cada una de  ellas ha seleccionado una obra para la muestra. “Se trata de una selección humana, un juego que trata de humanizar el arte teniendo en cuenta las personas que hay detrás, personas totalmente entregadas profesional o personalmente”, afirma el comisario.

“Este proyecto -recuerda Doctor- está dedicado a la labor de esas personas que invierten su tiempo, su trabajo, su patrimonio y, en ocasiones, toda una vida en el arte contemporáneo español. A esas personas que, sin ignorar ni desatender el panorama artístico internacional, luchan por lo nuestro, que miran afuera sin dejar de mirar adentro, y que apuestan fuerte para que el arte español disfrute de una buena salud en un entorno no siempre fácil: a los cómplices del arte español contemporáneo”.

hoyesarte

Según ha informado la UdL se trata de un lienzo de especial singularidad, de una temática apenas desarrollada más que en su época de juventud y al mismo tiempo una pieza de gran valor artístico.

Los expertos del CAEM, dirigidos por el catedrático de Historia del Arte Ximo Company, han estudiado la obra durante meses realizando varios estudios técnicos. Todas las pruebas han constatado que la obra es original, no tiene fragmentaciones ni está superpuesta.

El óleo tiene unas dimensiones de 97 x 62 cm y pertenece a un coleccionista privado de Madrid que lo adquirió en 2006 en una subasta con el lema “Escuela española del XIX”, firmado ilegible y datado en 1883 en el lateral izquierdo.

La obra estaba documentada en el catálogo La vida y la obra de Joaquín Sorolla, de Bernardino de Pantorba, elaborado en 1953, en el apartado destinado a particulares o paradero desconocido, en el que se explicita que en la firma se podía leer “A Doña Clotilde García”, la que después se convertiría en su esposa.

Louise Joséphine Bourgeois estudió, entre otros, en el Ecole des Beaux-Arts de París y en el estudio de Fernand Léger, entablando amistad con artistas como Joan Miró, Yves Tanguy y Le Corbusier. En 1938, tras contraer matrimonio con el historiador de arte Robert Goldwater, se trasladó a vivir a Nueva York, donde inició su actividad escultórica, siendo una artista prácticamente desconocida para el gran público hasta que el MoMA le dedicó una retrospectiva, siendo la primera que consagraba a una mujer.

La muestra coincide en Marlborough con una exposición de pinturas de Abraham Lacalle (vista en una entrada anterior). Una quincena de trabajos, en su mayoría óleos sobre lienzo, presididos por una colosal acuarela, Fantasmas y crack (250 x 740 cm), en los que Lacalle se enfrenta a la pérdida de la inocencia, el exhibicionismo, la crueldad, la desconfianza y el tópico de la soledad.

La muestra coincide en Marlborough con una nueva exposición de pinturas de Abraham Lacalle (Almería. 1962). Una quincena de trabajos, en su mayoría óleos sobre lienzo, presididos por una colosal acuarela, Fantasmas y crack (250 x 740 cm), en los que Lacalle se enfrenta a la pérdida de la inocencia, el exhibicionismo, la crueldad, la desconfianza y el tópico de la soledad.

En La escalera de la evasión –la escalera que da título a la  muestra es recurrente en las imágenes creadas por Joan Miró– se incluyen  primeros trabajos inspirados en su tierra y  también se explora su  respuesta ante la Guerra Civil y la  caída de Francia bajo la bota nazi,  entre 1935 y 1941, al tiempo que sobre la euforia que  le provocó el  declive y defunción de la dictadura de Franco entre 1968 y  1975.

Además de documentar la sorprendente amplitud de su producción  artística, la muestra explora el contexto de su trabajo con  respecto a su compromiso político y a la influencia de su cultura   catalana, de la Guerra Civil y de la dictadura franquista. Más  en concreto, y centrándose en su compromiso político, examina la  naturaleza inquieta y radical de su obra. Obras que reflejan una  ferocidad apasionada propia de la incertidumbre política que le rodeó  durante gran parte de la época que le tocó vivir.

Su catalanidad y los vínculos con su tierra se plasman en un conjunto de obras que van desde imágenes de la vida rural, como La masía (1921-1922), que perteneció a Ernest Hemingway, amigo de Miró, hasta la magistral secuencia Cabeza de payés catalán (1924-1925).

Las tensiones que estallaron a raíz de la Guerra Civil española provocaron las protestas más explícitas del artista, con obras como Aidez l’Espagne y El segador (Payés catalán en rebelión) (1937), o respuestas más íntimas y perturbadoras, como las que se esconden tras las célebres Constelaciones, serie desarrollada entre 1940 y 1941, en plena Segunda Guerra Mundial.

Durante el periodo franquista, Miró trabajó en España en una especie de exilio interior, mientras en el extranjero adquiría reputación como representante de la abstracción de la posguerra. La escalera de la evasión muestra también las obras clave de esta época, entre las cuales destaca el tríptico La esperanza del condenado a muerte (1974).

Miró supo captar la atmósfera de rebelión de finales de los años sesenta, ya fuese oscureciendo o incluso quemando sus trabajos, como es el caso de las piezas Mayo 1968 (1968-1973) y la serie de Telas quemadas (1973), o bien mediante la creación de eufóricas explosiones de pintura, como el tríptico de los Fuegos artificiales (1974), para seguir dando testimonio del ambiente político con su expresión radical y pionera.

Este proyecto expositivo, que forma parte del programa cultural impulsado por la Embajada de España en Estados Unidos, ha sido organizado conjuntamente con la Tate Modern  y concebido por los comisarios de la Tate Matthew Gale y Marko Daniel  en colaboración con Teresa Montaner, conservadora de la Fundación Joan  Miró.

Hoyesarte

Así, nos encontramos numerosas críticas que aportan a esto diversas explicaciones. Sin embargo, me ha llamado especialmente la atención la explicación del video que pongo a continuación, ya que ofrece una crítica bastante polémica y política que me despierta numerosas preguntas y reflexiones. El arte que no tiene fundamento, es decir, que no tiene un mensaje, un contenido detrás ¿sólo es el arte que domina el mercado? ¿El arte sólo tiene valor si nos aporta algo? ¿Y si lo que nos aporta es la nada absoluta? ¿Y si sólo se trata de aportar las sensaciones de los pigmentos?

No creo, en absoluto, que, a pesar de que ahora el mercado domina en gran parte lo que es el arte y lo que no o lo que se debe colocar en un museo, la actividad artística esté regida por él. Existen numerosos artistas no reconocidos que siguen la línea de las corrientes del expresionismo abstracto americano que lo utilizan para plasmar sus emociones, sus impulsos, o simplemente en un intento de desahogo desesperado.

No hay que quitar los museos, no hay que desvalorarlos, pero sí hay que observar y presentar la obra desde un punto de vista diferente, ya que,  no todas las obras artísticas –y sobre todo las de arte contemporáneo- se experimentan igual. Si el ciudadano abre su mente y espera no encontrar las leyes del Academicismo, de las que aun hoy parecemos herederos, estaremos más dispuestos a disfrutar de experiencias nuevas.

No podemos definir el arte, pero una cosa está clara: para los que disfrutamos del arte en todas sus formas, incluso para los que también sentimos frustración cuando no nos gusta, no lo comprendemos o no lo consideramos una obra propiamente artística, sabemos que, el arte no es política ni es economía, puede contener ideas, puede contener denuncias, puede estar tremendamente manipulado, pero siempre habrá algo más que lo complete, puesto que, la obra estará, siempre, ligada al artista que la realiza. Se trata de algo que está al alcance de todo aquel que sienta la necesidad y el deseo de utilizarlo para lo que más ansíe.

La realidad hace tiempo que dejó de ser estática. La eterna y cambiante valoración de la misma a través de opiniones, aportaciones y nuevos usos hacen de ella algo elástico, moldeable y en constante transformación. Los diseñadores, en todos sus campos, desde gráfico y web hasta industrial o de interior, son los responsables de abrir las nuevas vías de comunicación entre los objetos, la realidad, y el usuario que quiere intervenir en ella y ya no la acepta tal cual es. La interacción es la palabra mágica que permite revisar objetos del pasado, ya existentes y proyectarlos hacia el futuro de la mano del usuario. Ésa es la tarea más importante que el diseño y los diseñadores tienen ahora entre manos. Conscientes de ella, en la Universidad de Eindhoven, a través del grupo de investigación Designing Quality in Interaction, del Departamento de Diseño Industrial, llevan tiempo explorando nuevas formas de interacción y relación con los objetos. Fruto de sus investigaciones son casi una veintena de proyectos que, en forma de exposición, se pueden ver hasta finales de mayo en el Disseny HUB Barcelona. La exposición se titula Diseño de Sistemas. Escuela de Eindhoven y se inscribe en el marco de las actividades del laboratorio de Interacción, y en el contexto de la muestra Los sentidos de las máquinas. El contenido se organiza en cuatro grupos –Feel, Listen, Move y Look- según la manera de interactuar de los objetos con los humanos, y cada uno de ellos se integra por un proyecto principal, que corresponde a una tesis doctoral, y diferentes proyectos finales. Entre los basados en el sentido del tacto destaca una alfombra perceptiva capaz de reaccionar al contacto con las personas mediante la luz, que incluso avisa al usuario si tiene correo pendiente, o la tela Soft Interiors, una pieza semitransparente con luz integrada que se puede extender en una habitación para crear matices luminosos. Jukebugs, una de los proyectos de Listen, es un aparato que funciona como reproductor de música, seleccionando temas en función de la cantidad de luz y de movimiento que percibe adaptándose no sólo al usuario sino al entorno. En la misma línea se inscribe un proyecto que explora la experiencia de la velocidad en el patinaje. A través de un dispositivo fijado en la hoja del patín, que mide la cantidad de energía transmitida a través del hilo, el balance y la cantidad de energía adquieren una dimensión acústica que el patinador interpreta en tiempo real.

Friandly Vending, integrado en Move, es una máquina expendedora sin botones que se comunica con los compradores de manera personalizada, mientras que Rich Actions Camera, el proyecto principal de Look, es una cámara que presenta un planteamiento alternativo a la interacción con los objetos cotidianos: sin botones ni estructuras de menú, sus mandos físicos y expresivos nos acercan a nuevas formas de interacción.