La exposición, comisariada por Karin Schick, directora del Museo Kirchner de Davos, contará con 130 obras de diferentes técnicas procedentes de 23 instituciones de todo el mundo. El recorrido ofrecerá al público una visión completa de su vida y obra, desde sus inicios como estudiante de arquitectura en Dresde hasta su “nuevo estilo” llevado a cabo en Davos, donde se trasladó tras sufrir una grave crisis nerviosa con el estallido de la Primera Guerra Mundial. 

Fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente), Ernst Ludwig Kirchner comenzó a pintar de forma autodidacta al tiempo que estudiaba arquitectura en la Technische Hochschule de Dresde, en la que se diplomó en 1905. En 1904 se trasladó temporalmente a Múnich, donde trabajó en el estudio de Wilhelm Debschitz y Hermann Obrist y conoció el grabado en madera a través de la obra de Durero. En junio de 1905, de nuevo en Dresde, participó –junto a Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff– en la creación del grupo Die Brücke, de ideas revolucionarias y una intensa actividad en común.

Su interés por el arte primitivo, que contemplaba en el Museo Etnográfico de Dresde, se vio reflejado tanto en su obra como en los muebles y murales que fabricó para el estudio que compartía con Heckel en una antigua carnicería del barrio obrero de Friedrichstadt. En octubre de 1911 se trasladó a Berlín, donde pintó sus obras más significativas y comenzó a tener un cierto éxito que le llevó a ser seleccionado para el Armory Show, exposición de arte europeo contemporáneo celebrada en Nueva York en 1913. Fruto de sus contactos con los componentes del grupo expresionista de Múnich, los miembros de Die Brücke fueron incluidos en la exposición de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) de 1912.

Su movilización en la Primera Guerra Mundial le causó un fuerte deterioro en su salud física y mental, que terminó con su inhabilitación en 1915 y su consiguiente traslado a Davos, donde vivió aislado el resto de su vida. En las montañas de Suiza comenzó de nuevo a pintar y a escribir crítica de arte bajo el seudónimo de Louis de Marsalle. Tras la llegada al poder de los nazis en Alemania y la confiscación y destrucción de sus obras, Kirchner sufrió una recaída de su estado depresivo y se suicidó en junio de 1938.

Su obra mantuvo siempre la simplificación formal expresionista y el uso arbitrario del color. Como los demás pintores de Die Brücke, evolucionó desde un primer momento de influencia de Van Gogh a un estilo más sintético y bidimensional, de pinceladas gruesas, y una mayor autonomía del color. Su temática estuvo en un principio dedicada al paisaje, con o sin figuras, y al desnudo, y más tarde se centró en el ajetreo de las calles berlinesas de las que, entre 1912 y 1914, pintó unas memorables escenas. En Suiza volvió la pintura de paisaje de un creciente misticismo.

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El arte, en la actualidad, da lugar a una industria con un delicado engranaje; es la suma de sus muchas ruedas en ajustada armonía la que permite que la obra de arte tenga lugar y llegue a la sociedad. Si no contara con la complicidad de galeristas, coleccionistas, gestores, críticos, comunicadores, académicos… el artista estaría aislado y su obra, en la mayoría de los casos, no se daría a conocer.

Ahora, la Fundación Canal (Madrid) presenta del 10 de mayo al 22 de julio la exposición Cómplices del arte español contemporáneo,  una muestra que disecciona el arte contemporáneo español de los últimos  25 años a través de la óptica de personalidades implicadas en el mundo  del arte. Para esta muestra, el comisario Rafael Doctor ha seleccionado a  23 personas vinculadas al mundo artístico contemporáneo y cada una de  ellas ha seleccionado una obra para la muestra. “Se trata de una selección humana, un juego que trata de humanizar el arte teniendo en cuenta las personas que hay detrás, personas totalmente entregadas profesional o personalmente”, afirma el comisario.

“Este proyecto -recuerda Doctor- está dedicado a la labor de esas personas que invierten su tiempo, su trabajo, su patrimonio y, en ocasiones, toda una vida en el arte contemporáneo español. A esas personas que, sin ignorar ni desatender el panorama artístico internacional, luchan por lo nuestro, que miran afuera sin dejar de mirar adentro, y que apuestan fuerte para que el arte español disfrute de una buena salud en un entorno no siempre fácil: a los cómplices del arte español contemporáneo”.

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Louise Joséphine Bourgeois estudió, entre otros, en el Ecole des Beaux-Arts de París y en el estudio de Fernand Léger, entablando amistad con artistas como Joan Miró, Yves Tanguy y Le Corbusier. En 1938, tras contraer matrimonio con el historiador de arte Robert Goldwater, se trasladó a vivir a Nueva York, donde inició su actividad escultórica, siendo una artista prácticamente desconocida para el gran público hasta que el MoMA le dedicó una retrospectiva, siendo la primera que consagraba a una mujer.

La muestra coincide en Marlborough con una exposición de pinturas de Abraham Lacalle (vista en una entrada anterior). Una quincena de trabajos, en su mayoría óleos sobre lienzo, presididos por una colosal acuarela, Fantasmas y crack (250 x 740 cm), en los que Lacalle se enfrenta a la pérdida de la inocencia, el exhibicionismo, la crueldad, la desconfianza y el tópico de la soledad.

La muestra coincide en Marlborough con una nueva exposición de pinturas de Abraham Lacalle (Almería. 1962). Una quincena de trabajos, en su mayoría óleos sobre lienzo, presididos por una colosal acuarela, Fantasmas y crack (250 x 740 cm), en los que Lacalle se enfrenta a la pérdida de la inocencia, el exhibicionismo, la crueldad, la desconfianza y el tópico de la soledad.

En La escalera de la evasión –la escalera que da título a la  muestra es recurrente en las imágenes creadas por Joan Miró– se incluyen  primeros trabajos inspirados en su tierra y  también se explora su  respuesta ante la Guerra Civil y la  caída de Francia bajo la bota nazi,  entre 1935 y 1941, al tiempo que sobre la euforia que  le provocó el  declive y defunción de la dictadura de Franco entre 1968 y  1975.

Además de documentar la sorprendente amplitud de su producción  artística, la muestra explora el contexto de su trabajo con  respecto a su compromiso político y a la influencia de su cultura   catalana, de la Guerra Civil y de la dictadura franquista. Más  en concreto, y centrándose en su compromiso político, examina la  naturaleza inquieta y radical de su obra. Obras que reflejan una  ferocidad apasionada propia de la incertidumbre política que le rodeó  durante gran parte de la época que le tocó vivir.

Su catalanidad y los vínculos con su tierra se plasman en un conjunto de obras que van desde imágenes de la vida rural, como La masía (1921-1922), que perteneció a Ernest Hemingway, amigo de Miró, hasta la magistral secuencia Cabeza de payés catalán (1924-1925).

Las tensiones que estallaron a raíz de la Guerra Civil española provocaron las protestas más explícitas del artista, con obras como Aidez l’Espagne y El segador (Payés catalán en rebelión) (1937), o respuestas más íntimas y perturbadoras, como las que se esconden tras las célebres Constelaciones, serie desarrollada entre 1940 y 1941, en plena Segunda Guerra Mundial.

Durante el periodo franquista, Miró trabajó en España en una especie de exilio interior, mientras en el extranjero adquiría reputación como representante de la abstracción de la posguerra. La escalera de la evasión muestra también las obras clave de esta época, entre las cuales destaca el tríptico La esperanza del condenado a muerte (1974).

Miró supo captar la atmósfera de rebelión de finales de los años sesenta, ya fuese oscureciendo o incluso quemando sus trabajos, como es el caso de las piezas Mayo 1968 (1968-1973) y la serie de Telas quemadas (1973), o bien mediante la creación de eufóricas explosiones de pintura, como el tríptico de los Fuegos artificiales (1974), para seguir dando testimonio del ambiente político con su expresión radical y pionera.

Este proyecto expositivo, que forma parte del programa cultural impulsado por la Embajada de España en Estados Unidos, ha sido organizado conjuntamente con la Tate Modern  y concebido por los comisarios de la Tate Matthew Gale y Marko Daniel  en colaboración con Teresa Montaner, conservadora de la Fundación Joan  Miró.

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La realidad hace tiempo que dejó de ser estática. La eterna y cambiante valoración de la misma a través de opiniones, aportaciones y nuevos usos hacen de ella algo elástico, moldeable y en constante transformación. Los diseñadores, en todos sus campos, desde gráfico y web hasta industrial o de interior, son los responsables de abrir las nuevas vías de comunicación entre los objetos, la realidad, y el usuario que quiere intervenir en ella y ya no la acepta tal cual es. La interacción es la palabra mágica que permite revisar objetos del pasado, ya existentes y proyectarlos hacia el futuro de la mano del usuario. Ésa es la tarea más importante que el diseño y los diseñadores tienen ahora entre manos. Conscientes de ella, en la Universidad de Eindhoven, a través del grupo de investigación Designing Quality in Interaction, del Departamento de Diseño Industrial, llevan tiempo explorando nuevas formas de interacción y relación con los objetos. Fruto de sus investigaciones son casi una veintena de proyectos que, en forma de exposición, se pueden ver hasta finales de mayo en el Disseny HUB Barcelona. La exposición se titula Diseño de Sistemas. Escuela de Eindhoven y se inscribe en el marco de las actividades del laboratorio de Interacción, y en el contexto de la muestra Los sentidos de las máquinas. El contenido se organiza en cuatro grupos –Feel, Listen, Move y Look- según la manera de interactuar de los objetos con los humanos, y cada uno de ellos se integra por un proyecto principal, que corresponde a una tesis doctoral, y diferentes proyectos finales. Entre los basados en el sentido del tacto destaca una alfombra perceptiva capaz de reaccionar al contacto con las personas mediante la luz, que incluso avisa al usuario si tiene correo pendiente, o la tela Soft Interiors, una pieza semitransparente con luz integrada que se puede extender en una habitación para crear matices luminosos. Jukebugs, una de los proyectos de Listen, es un aparato que funciona como reproductor de música, seleccionando temas en función de la cantidad de luz y de movimiento que percibe adaptándose no sólo al usuario sino al entorno. En la misma línea se inscribe un proyecto que explora la experiencia de la velocidad en el patinaje. A través de un dispositivo fijado en la hoja del patín, que mide la cantidad de energía transmitida a través del hilo, el balance y la cantidad de energía adquieren una dimensión acústica que el patinador interpreta en tiempo real.

Friandly Vending, integrado en Move, es una máquina expendedora sin botones que se comunica con los compradores de manera personalizada, mientras que Rich Actions Camera, el proyecto principal de Look, es una cámara que presenta un planteamiento alternativo a la interacción con los objetos cotidianos: sin botones ni estructuras de menú, sus mandos físicos y expresivos nos acercan a nuevas formas de interacción.

Esta muestra colectiva presenta la obra de 14 artistas de nueve países –Italia, Alemania, Taiwán, Israel, Corea, China, Australia, Suiza y Argentina– que analizan la ansiedad que provoca la saturación de las imágenes en nuestro entorno.

Alrededor de este tema se reúnen los trabajos realizados, casi todos entre 2005 y 2011, por los siguientes creadores: Matteo Basilé, Winfried Bullinger, Chen Chieh-jen, Nir Evron, Miki Kratsman, Lee Yongbaek, Lu Nan, Ni Haifeng, Miao Xiaochun, Eugenia Raskopoulos, Daniel Schwartz, Wang Guofeng, Wang Ningde y Wu Daxin.

El comisario de la exposición, Huang Du (Lintong China, 1965), es comisario y crítico, historiador del Arte por la Universidad Central de Bellas Artes y editor de la publicación Avant-garde Today.

Huang Du ha seleccionado 71 obras –instalaciones, proyectos audiovisuales y series fotográficas– con objeto de plantear una reflexión sobre la sociedad de la información y los conflictos provocados por la globalización. Estos trabajos analizan la influencia que cada vez más tienen las imágenes en el hombre y el desasosiego que provoca su exceso en nuestro entorno.

La sociedad en la que vivimos se caracteriza por el sucesivo bombardeo de imágenes que se suceden cada día. La televisión o la publicidad son ejemplos del ritmo al que nos movemos; nos influyen en nuestra forma de ver y entender el mundo, creando un determinado modo de vida. La ansiedad y los problemas psicológicos se encuentran principalmente en este tipo de sociedades; así pues, con esta exposición, se plantea una mirada crítica hacia este aspecto de nuestro tiempo.

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La muestra, que además de exhibir originales del dibujante francés reunirá piezas de otros artistas que han querido rendir su particular homenaje a Giraud, será uno de los platos fuertes de un Salón que celebra su 30 aniversario con récord de expositores haciéndole un quiebro a la crisis y ocupando los 19.000 metros cuadrados del pabellón 8 de la Fira de Barcelona con 150 expositores, un auténtico récord para los organizadores de la cita.

Otra de las novedades de la la gran cita anual de la viñeta que se celebra este año entre el 3 y el 6 de mayo será la exposición dedicada a Superman, Batman, Green Lantern y el resto de supehéroes del Universo DC. La exposición, nutrida de originales y reproducciones, mostrará la contribución de artistas españoles como Guillem March,Jesús Merino o Fernando Pasarín a la popular factoría de supehéroes. La muestra se completará con páginas de los norteamericanos Greg Capullo y Rag Morales, quienes también estarán presentes en el Salón.

Gilbert Shelton, Tanino Liberatore, Enrico Marini, Craig Thompson y el dibujante de “V de Vendetta”, David Lloyd, completan la nómina de ilustres invitados a un Salón que, además de repartir protagonismo entre el 40 aniversario de Mazinger Z -su creador, Go Nagai, estará presente en Barcelona- y un amplio espacio dedicado a los robots y sus relaciones con el cómic, el cine y la literatura, también dedicará un espacio a la saga de “Star Wars”.

Bosques muestra una obra en la que una multiplicidad de argumentos y referencias hacen emerger un auténtico surtidor de sensaciones dispuestas en un caos necesario. Los trabajos de Lacalle se presentan ante el espectador con su tan personal suntuosidad de color, del mismo modo éstas quedan impregnadas de su vital ironía y de las constantes referencias a los grandes movimientos artísticos y literarios del siglo XX, sin olvidarse de la crítica social.

Lacalle comienza su trayectoria a finales de los 80 y tras conseguir una beca en la Casa de Velázquez en 1995, inicia una carrera brillante, participando en numerosas exposiciones individuales y colectivas en galerías de todo el mundo, destacando particularmente la intervención en el Espacio 1 (primavera de 2005) del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía titulado Un lugar donde nunca sucede nada. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, entre las que cabe destacar el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Fundación Coca-Cola (Madrid), Museo de Bellas Artes de Asturias (Oviedo), Museo Municipal de Madrid (Madrid), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) o la Fundació La Caixa (Barcelona).

Sin duda, lo que más destaca de Lacalle son su grandes formas y colores que podríamos calificar de fauvistas o expresionistas. La grandeza de sus cuadros hace que nos sumerjamos dentro del paraíso de la pintura, del pigmento. Una vez más, el arte está inmerso en los sentidos, antes que en la razón o el sentido que puedan contener los cuadros.

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En la exposición se mostrarán fotografías de obras clave en su carrera como Rhythm 4 (1974), Rhythm 10 (1975), Art Must Be Beautiful, Artist Must Be Beautiful (1975) y Relation in Time (1977). Se incluirán vídeos de esta última performance así como de Breathing in/Breathing out with Ulay (1978).

Desde los inicios de su carrera, Marina Abramović (Belgrado, 1946) trabaja en solitario. Tras un breve contacto con las instalaciones sonoras, comienza a realizar sus primeras performances: Rhythm 4, Rhythm 5 (ambas de 1974) y Rhythm 10 (1975), que estuvieron salpicadas por el escándalo.

Siguiendo la idea -común a todos los performers- de sentir el mundo a través de la experiencia personal del cuerpo, la artista trató de indagar en los límites de la resistencia moral y física, reflexionando sobre los patrones de comportamiento de la mente y el organismo. Su idea era establecer un diálogo energético con los espectadores.

Desde 1975 y hasta 1988, Abramović comienza a trabajar con Ulay. Pocas veces en la historia del arte una relación afectiva entre dos artistas ha dado tantos frutos a nivel creativo. Su complicidad y atracción, así como su excelente sintonía y entendimiento, les hizo crear un núcleo de trabajo centrado en su propia relación como pareja. En performances como Relation Work (1976), Relation in Time (1977) o Interruption in Space (1977), Abramović y Ulay reflexionaban sobre las condiciones dualísticas en las que crecía su relación: hombre/mujer, soledad/compañía o deseos/prohibiciones.

En la performance Rhythm 10 (1975), Abramović exploró elementos del ritual y el gesto. Utilizando 20 cuchillos y dos grabadoras, la artista jugó a la ruleta rusa. Mediante golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos de su mano, cada vez que se cortaba cogía un cuchillo nuevo del montón que había dispuesto y grababa la operación. Después de cortarse veinte veces, reprodujo la cinta, escuchó los sonidos y trató de repetir los mismos movimientos, intentando repetir los errores, uniendo de esta forma el pasado y el presente. Con este trabajo, Abramović se propuso explorar las limitaciones físicas y mentales del cuerpo -el dolor y los sonidos de las puñaladas, el doble sonido de la historia y la repetición- y comenzó a considerar el estado de conciencia del performer. “Una vez que entras en el estado de performance puedes empujar a tu cuerpo a hacer cosas que en condiciones normales jamás harías”.

Art must be Beautiful, Artist must be Beautiful (Copenhague, Dinamarca, 1975) es una de las primeras performances de Marina Abramović. Al igual que la serie Freeing… (Freeing the Body, Freeing the Voice and Freeing the Memory, 1976) no trata sobre el dolor físico, sino más bien sobre el estado mental al que se puede llegar a través del dolor. En la grabación se puede ver a Abramović peinando su larga cabellera agresivamente. Con un cepillo en una mano y un peine en la otra, trabaja en su cara y pelo, mientras repite la frase “el arte debe ser bello, el artista debe ser bello”. Su voz delata que está sintiendo dolor, y su cara también hace que sea muy claro que ella se está haciendo daño.

No cabe duda de que Marina Abramović es polémica, impactante, sorprendente y agresiva, no sólo con ella misma, si no tambien hacia el espectador. Lo que hace es situarlo en una situación difícil, nos presenta acciones desagradables o comprometidas ante nuestros ojos y nosotros no sabemos cómo reaccionar ¿actuamos también, o seguimos mirando atónitos ante lo que se nos muestra? Quizá lo que busca la artista es eso, no solo experimentar sus propios límites, sino también los límites de lo que cada individuo puede soportar.

Este proyecto, comisariado por Miguel von Hafe Pérez, parte de la premisa de que el acto de coleccionar, principalmente cuando tiene su raíz en un impulso privado con vocación pública, es esencialmente un acto de generosidad, que implica, por parte del coleccionista, la comprensión de la obra de arte como estructura culturalmente relevante haciendo posible la creación de discursos abiertos a múltiples lecturas.

La exposición comienza con un núcleo de obras del modernismo clásico (Morris Louis, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Manuel Rivera, Pablo Palazuelo, etc.) y se desdobla después en dos momentos cronológicamente consecutivos que, no obstante, dialogan constantemente entre sí: por un lado, las neovanguardias y los dispositivos de cuestionamiento de las prácticas tradicionales característicos del arte de los años sesenta y setenta (Joseph Kosuth, Ed Rusha, Gordon Matta-Clark, Equipo Crónica, etc.) y, por otro, las prácticas contemporáneas, en particular aquellas que revisitan críticamente la modernidad.

Estamos ante una exposición que incita a que el espectador otorgue su propio criterio para que la obra de arte se complete, por ello, la obras se sitúan en los períodos y estilos artísticos más conflictivos, de modo que la subjetividad y las sensaciones personales que otorgue la exposición serán únicas en cada individuo.

Helga de Alvear compró su primera obra de arte a finales de los años sesenta y, desde entonces, ha coleccionado alrededor de 2.500 piezas que forman parte de los fondos de la fundación que lleva su nombre y que tiene sede en Cáceres.

Según los responsables de la colección, la intención de Helga de Alvear al comprar obras fue ir siempre más allá de los géneros o los estilos, por lo que su línea ha estado más relacionada con la innovación que suponía en cada momento. Así,  la selección que se podrá ver en las salas del Centro Galego de Arte Contemporánea, donde da el relevo a la muestra de Jeff Wall, ofrecerá obras de más de cincuenta artistas.