Tras el revés que supusieron para las ambiciones utópicas de las vanguardias el Holocausto y la Segunda Guerra Mundial, de la cual la Guerra Civil española fue un ensayo general, la modernidad se aísla en su autonomía para explicar el mundo. Frente a este repliegue en la abstracción gestual y expresiva, la sociedad de consumo cobra forma y una serie de cambios políticos avanzan el escenario polarizado entre el mundo individualista occidental y el colectivo soviético, dos polos enfrentados y complementarios a la vez. El arte, pese a su apariencia de aislamiento, se inserta en este complejo entramado discursivo, donde la batalla por la hegemonía ideológica se libra en la primacía cultural.

Como principales novedades, en esta nueva sección se podrá contemplar el importante depósito y donación de la obra de Val del Omar, que incluye sus películas más representativas, collages, utensilios y material documental, además de su laboratorio PLAT, en el que arte y tecnología se dan la mano.

Las salas dedicadas a los Realismos (Nouveau Realisme, Figuración Narrativa de corte expresionista y Realismo Existencialista) se han visto enriquecidas con importantes novedades de Francis Bacon, Philip Guston, Darío Villalba, Jean Tinguely, Yves Klein, Raymond Hains o Erro.

La figuración política española tiene mayor representación ahora, tras la adquisición de la serie Spain is Different de Joan Rabascall y la instalación de otros trabajos representativos de este momento, como los de Eduardo Arroyo, Equipo Crónica o  Juan Genovés. Destaca también el valioso depósito de siete obras de Claes Oldenburg, realizado por la Sonnabend Gallery, de Nueva York, que se podrán ver por primera vez en el Museo.

Otra de las novedades radica en el montaje de una nueva sala dedicada a la fotografía neorrealista española, que reúne el mayor número de fotógrafos españoles de los años 50 y 60, algunos de cuyos trabajos son inéditos: la serie Neutral Corner€ de Ramón Masats, que es la primera vez que se enseña al público, o las fotografías de Gabriel Cualladó, Oriol Maspons y Carlos Pérez Siquier, por citar sólo algunos nombres. Este espacio se ha puesto en diálogo con la sala dedicada a Antonio López y Carmen Laffón.

Tomar la calle es una de las opciones más arriesgadas que se puede plantear un artista. Daniel Buren decidió hace décadas llamar la atención del art system francés con una serie de actos que le marcaron de por vida, y le definieron como “el artista de las rayas”. Llenó las avenidas de París con franjas verticales y horizontales que lo impregnaban todo: los muros de edificios, los pasillos del metro… Sus intervenciones no autorizadas aparecían aquí y allá, sorprendiendo a los viandantes y despertando la curiosidad de los medios de comunicación.

Buren forma parte de un nutrido grupo de artistas que definieron el cambio de mentalidad en torno a cómo hacer arte y cómo presentar el arte en las década de los 60 y 70. Su curiosidad y espíritu crítico se han ido haciendo más fuertes con el paso del tiempo, y sus intervenciones se han extendido a distintos tipos de espacios, públicos y privados. Su lenguaje se ha enriquecido, pero siempre remite al juego espacial; a estimular la percepción del espectador. Sus construcciones minimalistas utilizan el color como pensée brute (pensamiento puro) y pretenden estimular los sentidos del que las transita. Porque muchas de ellas están para sumergirse en ellas; obra y espacio se convierten en uno solo.

Son famosas las transformaciones que realizó en el hueco central del Guggenheim en Nueva York, y en el Palais Royal de París (Le Deux Plateaux, un jardín de columnas que tuvo su dosis de polémica en los años 80). A sus 73 años, Buren coge el testigo de Monumenta, la ya consolidada cita de la creación contemporánea en el Grand Palais. El histórico edificio galo ha sido intervenido en cuatro ocasiones por Anselm Kiefer (2008), Richard Serra (2009), Christian Boltanski (2010) y Anish Kapoor (2011). Para esta edición, Buren ha ideado un espectacular entramado de pilares que sostienen óvalos de colores bajo los cuales la contemplación de las bóvedas acristaladas del palacio es una experiencia única. Con motivo de la inauguración, el artista satisface nuestra curiosidad sobre momentos presentes y pasados de su carrera.

La obra es la primera que adquiere el Museo Van Gogh en los últimos cinco años y podría representar uno de los paisajes habituales por los que el pintor paseaba en los alrededores de su residencia en La Haya. Knotwilg mide 38 por 56 centímetros y forma parte de una serie de seis acuarelas que Van Gogh pintó durante el verano de aquel año.

El museo adquirió el trabajo hace un par de meses en una subasta en Londres, por una cantidad cercana a los 1,5 millones de euros.

Nacido en 1957 en New Hampshire, en la costa Este de EE UU, George  Condo ha desarrollado un estilo que si no puede negar la generación a la que pertenece ni las de las que bebe, rompe moldes en un guiño personal a toda la historia del arte, vista desde el desparpajo de una contemporaneidad cada día más sedienta de valores.

Pintor, escultor, diseñador de portadas de discos, su obra ha sido calificada por algunos críticos de “realismo artificial”. Quizá el adjetivo le venga dado por la distorsión caricaturesca, satírica y grotesca de situaciones y personajes que se antojan ilustraciones, pero están tratados con la técnica y el esmero de las piezas que aspiran al clasicismo. Juguetón y callejero, Condo ha creado una fusión entre lo bello y lo grotesco que tiene raíces barrocas, se deleita en el expresionismo y el arte abstracto europeos del primer tercio del siglo XX y pone  en la picota una sociedad, la nuestra, que califica de maníaca. Como la Pareja sobre un sillón de rayas azules, que se gira hacia el espectador con un gesto donde se mezclan lujuria, miedo y avaricia.

Compuesta por una quincena de piezas, la muestra incluirá desde sus primeras obras, realizadas en Milán durante los años 70, hasta su trilogía de los 90 compuesta por Background, Lapsus Exposure and INITIALS. La exposición incluye, además, obras como Fly, Box, Untitled: Philippe VACHER y Retake with Evidence con Harvey Keitel, que se presentó en la Documenta XII y explora, a través de la imagen audiovisual procedentes de diferentes soportes, las relaciones temporales entre la imagen y el objeto.

Especializado en la emisión constante de imágenes que se  van superponiendo una encima de otra, en algunos casos sin ninguna  relación aparente, Coleman analiza en sus vídeos una serie de temas que han ido  llamando su atención a lo largo de su carrera, como la denuncia social,  el individualismo de la sociedad capitalista, las ruinas de Italia y  la soledad o la degradación del hombre.

Coleman estudió en Dublín y trabajó en Londres y París antes de mudarse a Milán, donde desarrolló su carrera artística durante veinte años antes de regresar a la capital irlandesa. Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales, como el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín, el Museo Ludwing de Colonia, el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst de Gante, y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Recientemente tres de sus piezas se han incluido en la colección del Museo Reina Sofía.

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A Alex Katz (Nueva York, 1927) se le considera a menudo uno de los precursores del arte pop. Cierto es que coincide con este movimiento en su interés por la realidad cotidiana, pero lo hace del mismo modo circunstancial en el que, por ejemplo, coincide con la action painting en el uso del gran formato. En realidad traza su propio camino en la gran historia de la pintura estadounidense del siglo XX. Un camino que, a comienzos del nuevo siglo, ha sido reivindicado en todo el mundo por los abanderados de una nueva figuración pictórica

Con el mismo título de la exposición se ha editado también un libro, en el que el crítico y comisario independiente David Barro analiza la peculiar mirada del artista. Descubriendo, entre otras cosas, cómo “fue capaz de llevar el pequeño argumento, el mínimo gesto, a la gran escala del arte americano, como si de una pantalla de cine de la época se tratase. De ahí sus planos americanos y sus primeros planos, que magnifican a los personajes. También el aspecto liso de sus cuadros, como si alguien los hubiese pulido para robarles el significado”.

En otro pasaje, Barro afirma que Katz “consigue muchas cosas con una pintura que, aparentemente, semeja no contener casi nada”. En efecto, las obras expuestas albergan imágenes de gran contundencia plástica, destiladas hasta desembocar en lo lírico y lo emocional. En los asuntos retratados por este autor (absolutamente corrientes, cuando no frívolos o insignificantes) siempre encontramos algo que los convierte en sofisticados y elegantes. Algo así como la quintaesencia de lo cool. O, empleando las palabras del comisario, “una normalidad que contiene misterio”.

La obra de Alex Katz forma parte de las más importantes colecciones artísticas de ambas orillas del Atlántico, entre ellas las del MoMA, el Whitney Museum, el Metropolitan Museum, el Centre Georges Pompidou, la Tate Gallery o el Museo Reina Sofía.

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A pesar de su gran popularidad y aparente facilidad, las obras de Hopper son uno de los fenómenos más complejos del arte del siglo XX, así lo consideran los dos comisarios de la muestra, Tomàs Llorens, director honorario del Thyssen-Bornemisza, y Didier Ottinger, director adjunto del MNAM/Centre Pompidou.

Hopper, formado en la New York School of Art y devoto de Edgar Degas y Édouard Manet, fue un pintor de producción lenta y escasa. Desde sus inicios desarrolló un estilo artístico propio, ligado a su carácter apesadumbrado, sellado en los cuadros mediante la soledad de los personajes representados. Su pintura, diferenciada por el tratamiento cinematográfico y el dominio de la luz, refleja la América de la Gran Depresión.

Para mostrarlo, la exposición estará organizada en dos partes: una primera mitad que recorrerá la formación del artista, aproximadamente de 1900 a 1924, y representada por un gran cantidad de bocetos, pinturas, dibujos, ilustraciones, grabados y acuarelas; y una segunda parte, a partir de 1925, que presentará su producción madura y que buscará ilustrar su carrera de la forma más completa y amplia posible. Para ello, esta sección combinará grupos temáticos -los motivos y temas más recurrentes en su trabajo- con una narrativa organizada cronológicamente.

Edwar Hopper fue uno de los principales representantes del realismo del siglo XX. A pesar de que durante gran parte de su vida su obra pictórica no recibió la atención de la crítica ni del público y se vio obligado a trabajar como ilustrador para subsistir, en la actualidad sus obras se han convertido en iconos de la vida y la sociedad moderna.

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Nacido en Barcelona en 1902, Gomis fue unos de los fotógrafos pioneros en la utilización de un nuevo lenguaje fotográfico. Destacado personaje del tejido cultural y artístico de la burguesía catalana, desarrolló una amplia y rigurosa producción fotográfica vinculada a los posicionamientos más innovadores de su época. Amigo de Joan Miró y de Joan Prats, fue, además, el primer  presidente de la Fundació Joan Miró y personaje clave en la gestación de esta institución.

El primer ámbito de la exposición, La mirada oblicua, muestra la producción fotográfica de 1922 a 1939, período en el que realizó una obra pionera avanzándose a los programas de los teóricos de la Nueva Visión, y que ha desempeñado un importante papel para entender la fotografía moderna en toda Europa. Gomis tomó gran parte de estas fotografías durante sus viajes y estancias en ciudades como París y Nueva York.

El segundo ámbito, La narración visual, se ocupa de los fotoscops. En estos fotolibros, junto a Joan Prats, desarrolló una visión particular a medio camino entre el lenguaje cinematográfico y el fotorreportaje. Los fotoscops fueron fundamentales en la comprensión de la obra y la figura de personalidades relevantes del arte del siglo XX como Joan Miró, Antoni Tàpies o Antoni Gaudí.

La exposición presenta fotoscops inéditos como Eucaliptus, Barcelona y la serie sobre el cuerpo femenino, así como otros que tuvieron un éxito destacado, como Atmósfera Miró, Gaudí, Ibiza fuerte y luminosa y Artesanía. En este apartado se parte de una selección de fotografías, maquetas, álbumes, fichas fotográficas, proyecciones y fotolibros para acercar al público la innovadora concepción narrativa que usaron Gomis y Prats en los fotoscops.

La mayoría de las fotografías de la exposición proceden del Arxiu Joaquim Gomis, propiedad de sus herederos y depositado en el Arxiu Nacional de Catalunya. Este archivo cuenta con 70.000 imágenes y documentación complementaria como cartas, libros y catálogos. La Fundació Joan Miró, los nietos del fotógrafo y la Generalitat de firmaron un acuerdo en virtud del cual los propietarios cedieron el Arxiu en contrato de comodato al Gobierno catalán, que lo destinó al Arxiu Nacional y otorgó la responsabilidad de explotación de las imágenes a la Fundació Joan Miró.

La Fundació Joan Miró ha preparado numerosas actividades complementarias a la exposición, como Miradas singulares, un taller dirigido a todos aquellos interesados en una visión distinta de los objetos y las formas que nos rodean. Basado en la observación y el análisis, los participantes saldrán a tomar fotografías con una mirada nueva que permita profundizar el motivo y presentarlo desde una perspectiva formalmente más abstracta. Después, cada participante deberá seleccionar las imágenes más relevantes y organizarlas en formato de libro.

Por su parte, los participantes de La caja fotográfica (taller de fotografía estenopeica) saldrán a tomar fotografías para descubrir una estética muy específica, ajena al concepto de perfección actual, pero cuyas imágenes poseen un alma propia.

Una cámara estenopeica es, de hecho, una caja con un orificio que deja pasar la luz el tiempo necesario para captar una imagen. En un tiempo en el que las tecnologías digital y multimedia imperan en el ámbito de la imagen, la experiencia de trabajar con una cámara estenopeica retrotrae a la fotografía más primigenia, a sus orígenes y su esencia. Por medio de este procedimiento, los participantes entenderán y asimilarán el proceso fotográfico paso a paso y revivirán el entusiasmo y la sorpresa de los primeros fotógrafos.

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Las series sobre la construcción del Empire State o de los niños trabajadores, se muestran hasta el 24 de abril en la Fundación Mapre, Madrid.

“Si yo pudiera contar la historia con palabras, no tendría que ir cargado con una cámara”. Esta conocida frase de Lewis Hine resume la personalidad de un hombre con la necesidad vital de enseñar, entendía esta acción en sus dos acepciones principales: la de mostrar y la de educar. Y para conseguir su objetivo no dudaba en meterse en minas de carbón insalubres o colgarse de un cable sobre el vacío en el armazón inacabado del Empire State Building. Hine hacía lo que hacía por la urgente necesidad de iluminar las esperanzas sociales de su mundo, pero también para mostrar la belleza intrínseca del trabajo duro y la importancia del ser humano dentro de la máquina. Sus fotografías de inmigrantes en la isla de Ellis, de niños obreros en fábricas, minas y plantaciones fueron utilizadas como una poderosa arma para mejorar las condiciones de vida de las clases desfavorecidas. Aunque también se usaron como arma arrojadiza por los que, en la era Macarthy, consideraban peligroso su enfoque social. Tras su fallecimiento, este impresionante legado documental quedó un poco en el limbo hasta que la Georges Eastman House se hizo con la mayor parte de su trabajo. Los originales que se exponen en la Fundación Mapfre forman parte de esta colección y se presentan debidamente compartimentados en sus series más icónicas: inmigrantes, trabajotes, casas de vecinos o América negra.