La estrella decadente de cine mudo Norma Desmond (interpretada por la estrella decadente real Gloria Swanson) busca en la magistral Sunset Bulevard el eco de su belleza reflejado en los retratos del pasado. Más que la belleza en sí, lo que Norma ansía con todas sus fuerzas es la plenitud sexual; Mezclada con la fama, solía ser el hechizo definitivo con el que ponía a los hombres de rodillas, y con el que ahora podría retener a Joe, el fracasado y apuesto guionista interpretado por William Holden. Algo parecido le ocurre a ese trasunto de Rodolfo Valentino llamado George Valentin en la más reciente The Artist, aunque sin la carga brutal de honestidad emocional y sexual de Wilder. Si nos introdujésemos furtivamente, como Joe, en la mansión de Gloria Swanson podríamos ver uno de esos retratos, arrebatadores y un poco turbadores, ejecutado por el artista español Federico Beltrán Massés.

Ajeno a las vanguardias que prendían en Europa, Beltrán Massés se instaló a principios del siglo XX en Estados Unidos e inmortalizó a los dioses de Hollywood como Swanson y Valentino. También realizó encargos para Douglas Fairbanks, Pola Negri y Joan Crawford. Pero además realizó obras que reflejan la nocturnidad y el derroche de la Belle Epoque; pintó la sensualidad y los rincones oscuros de la mujer fatal en una serie de retratos femeninos que se conocen como sus “majas malditas”. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando le rescata del olvido en que ha caído su legado -precisamente por culpa de esas vanguardias cuya novedad ensombreció a las corrientes pictóricas consolidadas- con una exposición en su sede madrileña que agrupa cuarenta piezas entre óleos, dibujos y fotografías.

Joaquín Sorolla fue uno de sus maestros, y se nota en la trayectoria impecable del pincel y el uso de la luz. Como el pintor Valenciano, también tuvo buen ojo económico. Una vez que triunfó en la Bienal de Venecia de 1920, encarriló su trayectoria por la senda del retrato burgués y aristocrático. La lista de engargos es delirante, e incluye desde las realezas decadentes y adineradas de la Europa de los 20 y 30 al Majarajá de Kapurtala, pasando por los nuevos ricos de Estados Unidos; grandes millonarios como Hearst, Rothschild, o Forbes.

Y por supuesto las estrellas del celuloide. Los actores y actrices de vida nocturna y disoluta apreciaban ese toque erótico del español. Un erotismo que ya está desatado en sus damas malditas, voluptuosas y a la vez chic, rodeadas por una atmósfera opresiva, como en un Zuloaga retorcido, nublado y lleno de misterio.

La exposición permanecerá abierta hasta el 1 de julio en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (C/ Alcalá, 13, Madrid).

La unidad especializada en patrimonio de la policía autonómica ha entregado las diligencias al juez de Sant Boi de Llobregat, que ahora es el único que se puede pronunciar sobre la propiedad de las obras. El párroco de la colonia interpuso la denuncia el 4 de mayo, cuando tuvo conocimiento de la subasta, y se personó ante los mossos para impedir la venta y reclamar la propiedad para la iglesia.

El actual propietario, que también ha declarado como testigo, adquirió el lote en 1980 y ha señalado que las obras se han expuesto con anterioridad en numerosos museos como el Museo de Arte de Nagoya, en 1989, en el Picasso en 2002, en el Reina Sofía de Madrid, en 2003, y en el Metropolitan de Nueva York en 2007.

Desde 1898 hasta 1908, Gaudí estudió el proyecto de la iglesia, utilizando para ello una maqueta realizada con cordeles que materializaban los ejes de las columnas y de los arcos, y de los cuales colgaban unos saquitos de perdigones cuyo peso era proporcional al empuje que tenían que soportar. De este modo, obtenía la estructura invertida que, una vez fotografiada y girada, era pintada para ver el efecto resultante.

Pero si este par de dibujos muestran la genialidad arquitectónica de Gaudí, asimismo reflejan su elevada espiritualidad, a través de una iconografía en torno al simbolismo de las cuatro virtudes cardinales.

Una vez elaborado el proyecto y acabada la maqueta correspondiente, en el mes de octubre de 1908 comenzaron las obras de la iglesia de Santa Coloma. En aquel entonces, Gaudí había acabado Bellesguard y la Casa Batlló y estaba construyendo la Casa Milá y el Parque Güell. Interrumpida su construcción en 1917, un año después se abandonaron definitivamente las obras a causa de la muerte del conde Güell, resultando finalmente una obra inconclusa. A partir de entonces, simplemente se intentó acondicionar dicha edificación gracias a los fieles colaboradores que trabajaron a las órdenes de Gaudí.

Ya en el libro de Isidre Puig Boada L´Església de la Colonia Güell (Barcelona, Lumen, 1976) se comenta que, a pesar de que se sabía que Gaudí realizaba múltiples dibujos de sus proyectos antes de dar por finalizada la maqueta, en el caso de la Colonia Güell parece que debieron ser destruidos prácticamente en su totalidad en el año 1936, con el inicio de la Guerra Civil; solo unos pocos croquis se conservaron en la misma rectoría de la iglesia.

A este hecho hay que añadir una excepción: en 1967 se realiza el descubrimiento de dos de estos dibujos –que se daban por desaparecidos– en la carbonera de la masía de la Colonia Güell, que representaban la iglesia superior. Al año siguiente fueron fotografiados por los hermanos Blassi para ser reproducidos en 1969 en el catálogo de la exposición El Modernismo en España (Madrid) y en el libro de Descharnes y Prévost La visión artistique et religieuse de Gaudí. Dañados por la humedad, permanecieron en la misma masía hasta 1975 en que pasaron a manos de una colección barcelonesa. A continuación se expusieron por primera vez en la sala Parés entre el 5 y 20 de junio de 1976, en una muestra conmemorativa del 50 aniversario de la muerte de Gaudí, centrada en sus dibujos originales.

Los dos dibujos, con un tamaño de 59 x 46 cm y 61 x 47 cm, están realizados a carboncillo, acuarela y gouache sobre fotografía heliográfica y ofrecen la perspectiva exterior e interior de la iglesia prevista originariamente. Se hallan ampliamente reproducidos en libros y artículos de prensa, y son conocidos por el gran público, gracias a su participación en diversas exposiciones, como Univers Gaudí (que tuvo lugar en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, durante la celebración del Año Gaudí en el 2002).

Según ha informado la UdL se trata de un lienzo de especial singularidad, de una temática apenas desarrollada más que en su época de juventud y al mismo tiempo una pieza de gran valor artístico.

Los expertos del CAEM, dirigidos por el catedrático de Historia del Arte Ximo Company, han estudiado la obra durante meses realizando varios estudios técnicos. Todas las pruebas han constatado que la obra es original, no tiene fragmentaciones ni está superpuesta.

El óleo tiene unas dimensiones de 97 x 62 cm y pertenece a un coleccionista privado de Madrid que lo adquirió en 2006 en una subasta con el lema “Escuela española del XIX”, firmado ilegible y datado en 1883 en el lateral izquierdo.

La obra estaba documentada en el catálogo La vida y la obra de Joaquín Sorolla, de Bernardino de Pantorba, elaborado en 1953, en el apartado destinado a particulares o paradero desconocido, en el que se explicita que en la firma se podía leer “A Doña Clotilde García”, la que después se convertiría en su esposa.

La realidad hace tiempo que dejó de ser estática. La eterna y cambiante valoración de la misma a través de opiniones, aportaciones y nuevos usos hacen de ella algo elástico, moldeable y en constante transformación. Los diseñadores, en todos sus campos, desde gráfico y web hasta industrial o de interior, son los responsables de abrir las nuevas vías de comunicación entre los objetos, la realidad, y el usuario que quiere intervenir en ella y ya no la acepta tal cual es. La interacción es la palabra mágica que permite revisar objetos del pasado, ya existentes y proyectarlos hacia el futuro de la mano del usuario. Ésa es la tarea más importante que el diseño y los diseñadores tienen ahora entre manos. Conscientes de ella, en la Universidad de Eindhoven, a través del grupo de investigación Designing Quality in Interaction, del Departamento de Diseño Industrial, llevan tiempo explorando nuevas formas de interacción y relación con los objetos. Fruto de sus investigaciones son casi una veintena de proyectos que, en forma de exposición, se pueden ver hasta finales de mayo en el Disseny HUB Barcelona. La exposición se titula Diseño de Sistemas. Escuela de Eindhoven y se inscribe en el marco de las actividades del laboratorio de Interacción, y en el contexto de la muestra Los sentidos de las máquinas. El contenido se organiza en cuatro grupos –Feel, Listen, Move y Look- según la manera de interactuar de los objetos con los humanos, y cada uno de ellos se integra por un proyecto principal, que corresponde a una tesis doctoral, y diferentes proyectos finales. Entre los basados en el sentido del tacto destaca una alfombra perceptiva capaz de reaccionar al contacto con las personas mediante la luz, que incluso avisa al usuario si tiene correo pendiente, o la tela Soft Interiors, una pieza semitransparente con luz integrada que se puede extender en una habitación para crear matices luminosos. Jukebugs, una de los proyectos de Listen, es un aparato que funciona como reproductor de música, seleccionando temas en función de la cantidad de luz y de movimiento que percibe adaptándose no sólo al usuario sino al entorno. En la misma línea se inscribe un proyecto que explora la experiencia de la velocidad en el patinaje. A través de un dispositivo fijado en la hoja del patín, que mide la cantidad de energía transmitida a través del hilo, el balance y la cantidad de energía adquieren una dimensión acústica que el patinador interpreta en tiempo real.

Friandly Vending, integrado en Move, es una máquina expendedora sin botones que se comunica con los compradores de manera personalizada, mientras que Rich Actions Camera, el proyecto principal de Look, es una cámara que presenta un planteamiento alternativo a la interacción con los objetos cotidianos: sin botones ni estructuras de menú, sus mandos físicos y expresivos nos acercan a nuevas formas de interacción.

La obra salió a la venta por 40 millones de dólares y fue subiendo a lo largo de 12 minutos hasta los 107 millones de dólares, cifra a la que habría que sumar los casi 13 millones de comisión.

El grito supera de esta forma la marca fijada en 2010 por el lienzo de Picasso Desnudo, hojas verdes y busto, vendido por 81 millones de euros. El récord de venta entre privados lo tiene el cuadro de Cézanne Los jugadores de cartas (1892-93), adquirido por la familia real de Qatar en 2011 y que se cree que costó 191 millones de euros.

La obra de Munch, que data de 1895, pertenecía al empresario Petter Olsen, cuyo padre, Thomas, fue amigo, vecino y patrono de Munch. Esta venta coincide en un momento de gran interés en torno al artista, ya que en 2013 se celebra el 150 aniversario de su nacimiento.

Esta muestra colectiva presenta la obra de 14 artistas de nueve países –Italia, Alemania, Taiwán, Israel, Corea, China, Australia, Suiza y Argentina– que analizan la ansiedad que provoca la saturación de las imágenes en nuestro entorno.

Alrededor de este tema se reúnen los trabajos realizados, casi todos entre 2005 y 2011, por los siguientes creadores: Matteo Basilé, Winfried Bullinger, Chen Chieh-jen, Nir Evron, Miki Kratsman, Lee Yongbaek, Lu Nan, Ni Haifeng, Miao Xiaochun, Eugenia Raskopoulos, Daniel Schwartz, Wang Guofeng, Wang Ningde y Wu Daxin.

El comisario de la exposición, Huang Du (Lintong China, 1965), es comisario y crítico, historiador del Arte por la Universidad Central de Bellas Artes y editor de la publicación Avant-garde Today.

Huang Du ha seleccionado 71 obras –instalaciones, proyectos audiovisuales y series fotográficas– con objeto de plantear una reflexión sobre la sociedad de la información y los conflictos provocados por la globalización. Estos trabajos analizan la influencia que cada vez más tienen las imágenes en el hombre y el desasosiego que provoca su exceso en nuestro entorno.

La sociedad en la que vivimos se caracteriza por el sucesivo bombardeo de imágenes que se suceden cada día. La televisión o la publicidad son ejemplos del ritmo al que nos movemos; nos influyen en nuestra forma de ver y entender el mundo, creando un determinado modo de vida. La ansiedad y los problemas psicológicos se encuentran principalmente en este tipo de sociedades; así pues, con esta exposición, se plantea una mirada crítica hacia este aspecto de nuestro tiempo.

Hoyesarte

Es famoso el artículo que la revista Life publicó en 1964 y en el que su autor se preguntaba si Roy Lichtenstein era el peor artista de Norteamérica. Un año antes, en 1963, el artista aseguraba en una entrevista que quería hacer que el Arte fuera tan despreciable que nadie quisiera colgar una obra en su casa. Unas palabras sin duda arriesgadas para alguien que acababa de acceder, como quien dice, al circuito artístico. Lichtenstein mantendría su apuesta hasta el final de su carrera. ero cuando por primera vez planteó su desafío, hacía apenas unos meses que Leo Castelli había organizado la primera exposición sobre su obra. Era 1962 y la indignación de público y crítica desbordó los mentideros del arte. Sus lienzos que simulaban tiras cómicas parecieron a más de uno una broma infantil que se burlaba de la pretendida seriedad del llamado expresionismo abstracto de sus predecesores. Sin embargo, Lichtenstein sólo se reía, en el fondo, de él mismo, como cuando confesaba:

“Pinto mis cuadros al revés o de lado. Muchas veces ni siquiera recuerdo de qué tratan. Evidentemente, al principio sé qué es lo que estoy pintando, y que será divertido o irónico, pero trato de eliminarlo mientras los estoy haciendo. No son los temas lo que mantiene mi interés”.

En realidad, Lichtenstein ahondaba en el camino emprendido por Pollock, Rothko y De Kooning, entre otros. Con sus pinturas rompía definitivamente, de una vez por todas, con la tradición pictórica europea, aunque él, paradójicamente, lo que más deseaba era ser reconocido como heredero artístico del maestro de todos ellos: Picasso.

Durante sus estudios universitarios pintó retratos y naturalezas muertas, en la línea del malagueño y de Braque, y durante su estancia en París en la Segunda Guerra Mundial llegó a visitar su estudio… pero sólo por fuera, sin atreverse a llamar a la puerta, preguntándose a sí mismo por qué Picasso querría verle a él, un simple estudiante de Bellas Artes de Ohio. Es probable que Lichtenstein tuviera en mente alguna de las mujeres dormidas de su admirado Picasso, cuando en 1964 pintó Sleeping Girl, un retrato de una joven rubia durmiendo que se convirtió, desde su exhibición, en uno de los iconos del arte estadounidense de posguerra. La obra fue adquirida ese año por Beatrice y Phillip Gersh en la Galería Feurs. Y ha permanecido en manos privadas hasta ahora, cuando los Gersh, miembros fundadores del MOCA, lo sacan a subasta en Sotheby’s Nueva York, el 9 de mayo, con un precio estimado entre 22 y 30 millones de euros. El mes se cerrará los días 22 y 23 de mayo con la venta en Londres de parte de la colección de 300 obras del arte del empresario, fotógrafo y playboy alemán Günter Sachs, con obras, entre otros, de Warhol, Klein, Fontana, Dalí, Ernst y Giacometti.

La muestra, que además de exhibir originales del dibujante francés reunirá piezas de otros artistas que han querido rendir su particular homenaje a Giraud, será uno de los platos fuertes de un Salón que celebra su 30 aniversario con récord de expositores haciéndole un quiebro a la crisis y ocupando los 19.000 metros cuadrados del pabellón 8 de la Fira de Barcelona con 150 expositores, un auténtico récord para los organizadores de la cita.

Otra de las novedades de la la gran cita anual de la viñeta que se celebra este año entre el 3 y el 6 de mayo será la exposición dedicada a Superman, Batman, Green Lantern y el resto de supehéroes del Universo DC. La exposición, nutrida de originales y reproducciones, mostrará la contribución de artistas españoles como Guillem March,Jesús Merino o Fernando Pasarín a la popular factoría de supehéroes. La muestra se completará con páginas de los norteamericanos Greg Capullo y Rag Morales, quienes también estarán presentes en el Salón.

Gilbert Shelton, Tanino Liberatore, Enrico Marini, Craig Thompson y el dibujante de “V de Vendetta”, David Lloyd, completan la nómina de ilustres invitados a un Salón que, además de repartir protagonismo entre el 40 aniversario de Mazinger Z -su creador, Go Nagai, estará presente en Barcelona- y un amplio espacio dedicado a los robots y sus relaciones con el cómic, el cine y la literatura, también dedicará un espacio a la saga de “Star Wars”.

Estos dibujos se realizaron durante los diez años de estudio y  preparación del proyecto. Esta iglesia fue encargada por Eusebio Güell  en 1898 para la colonia téxtil obrera de su propiedad y, finalmente, se  colocó la primera piedra en 1908.

Desde 1898 hasta 1908, Gaudí estudió el proyecto de la iglesia, utilizando para ello una maqueta realizada con cordeles que materializaban los ejes de las columnas y de los arcos, y de los cuales colgaban unos saquitos de perdigones cuyo peso era proporcional al empuje que tenían que soportar. De este modo, obtenía la estructura invertida que, una vez fotografiada y girada, era pintada para ver el efecto resultante.

Pero si este par de dibujos muestran la genialidad arquitectónica de Gaudí, asimismo reflejan su elevada espiritualidad, a través de una iconografía en torno al simbolismo de las cuatro virtudes cardinales.

Una vez elaborado el proyecto y acabada la maqueta correspondiente, en el mes de octubre de 1908 comenzaron las obras de la iglesia de Santa Coloma. En aquel entonces, Gaudí había acabado Bellesguard y la Casa Batlló y estaba construyendo la Casa Milá y el Parque Güell. Interrumpida su construcción en 1917, un año después se abandonaron definitivamente las obras a causa de la muerte del conde Güell, resultando finalmente una obra inconclusa. A partir de entonces, simplemente se intentó acondicionar dicha edificación gracias a los fieles colaboradores que trabajaron a las órdenes de Gaudí.

Ya en el libro de Isidre Puig Boada L´Església de la Colonia Güell (Barcelona, Lumen, 1976) se comenta que, a pesar de que se sabía que Gaudí realizaba múltiples dibujos de sus proyectos antes de dar por finalizada la maqueta, en el caso de la Colonia Güell parece que debieron ser destruidos prácticamente en su totalidad en el año 1936, con el inicio de la Guerra Civil; solo unos pocos croquis se conservaron en la misma rectoría de la iglesia.

A este hecho hay que añadir una excepción: en 1967 se realiza el descubrimiento de dos de estos dibujos –que se daban por desaparecidos– en la carbonera de la masía de la Colonia Güell, que representaban la iglesia superior. Al año siguiente fueron fotografiados por los hermanos Blassi para ser reproducidos en 1969 en el catálogo de la exposición El Modernismo en España (Madrid) y en el libro de Descharnes y Prévost La visión artistique et religieuse de Gaudí. Dañados por la humedad, permanecieron en la misma masía hasta 1975 en que pasaron a manos de una colección barcelonesa. A continuación se expusieron por primera vez en la sala Parés entre el 5 y 20 de junio de 1976, en una muestra conmemorativa del 50 aniversario de la muerte de Gaudí, centrada en sus dibujos originales.

Los dos dibujos, con un tamaño de 59 x 46 cm y 61 x 47 cm, están realizados a carboncillo, acuarela y gouache sobre fotografía heliográfica y ofrecen la perspectiva exterior e interior de la iglesia prevista originariamente. Se hallan ampliamente reproducidos en libros y artículos de prensa, y son conocidos por el gran público, gracias a su participación en diversas exposiciones, como Univers Gaudí (que tuvo lugar en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, durante la celebración del Año Gaudí en el 2002).

Hoyesarte

Así, en el ciclo «El genio de Hitchcock», que se prolongará desde junio a octubre, podrán verse nada menos que las 58 películas que se conservan del director británico, incluyendo clásicos como «Rebeca», «Los pájaros», «Psicosis» o «Vértigo». Pero el plato fuerte será la presentación en sociedad de nueve películas mudas que se han restaurado cuidadosamente a lo largo de los últimos tres años: filmes como «La muchacha de Londres», «The Ring» o «The Pleasure Garden», que además formarán parte de la programación cultural de los Juegos Olímpicos de Londres, aderezados con nuevas partituras compuestas por músicos como Neil Brand y Soweto Kinch, y hasta con orquesta en directo, como en el caso de «La muchacha de Londres», que además se proyectará al aire libre en el Mueseo Británico, donde fue rodada en 1929.

Otras interesantes actividades del «verano Hitchcock» será una entrevista pública a una de sus musas, la actriz Tippi Hedren, mujer de la que se dice que Hitchcock estuvo locamente enamorado, hasta el punto de ser obsesivo, cuando trabajaron juntos en el rodaje de <<Los pajaros>> y <<Marnie, la ladrona>>, donde Tippi Hedren era protagonista. También saldrá, además, un completo libro sobre el cineasta titulado «39 Steps to the Genius of Hitchcock>>.