Lo más difícil es asimilar que en una pintura que podemos considerar realista en su forma, nos pueda conducir a estas ideas escondidas. En un estilo surrealista, nuestra mente ya esta predispuesta a intentar encontrarle un significado, pero con artistas como Goya, no siempre ocurre lo mismo. En la segunda mitad del siglo XX, se ha querido estudiar el arte de Goya desde una perspectiva iconológica, comprendiendo que todas sus obras conllevan significados ocultos procedentes de los emblemas.

Poniendo como ejemplo el peligro del mal entendimiento de la iconología, vemos esta imagen de la revista Magazine, que presenta el cuadro de El Quitasol como metáfora de la Constitución Española. Es, sin duda, curioso, que el que estuviera detrás de esto eligiera este hermoso cuadro realizado para tapiz, ya que está claro que pocos conocimientos de su significado pudo tener.

Goya  con esta imagen quiere expresar las malas virtudes del ser humano; los diferentes elementos del cuadro no se encuentran por casualidad. Su significado se lo atribuimos a emblemas donde estos elementos ya aparecen: la mujer, que nos mira fijamente (sinónimo de lascivia) vestida con esos ropajes de color amarillo, no es más que una simple cortesana, acompañada del hombre que siempre la acompaña (algo así como su chulo). Por otra parte, el paraguas como quitasol contribuye a significar la mentira, el ocultamiento de la verdad, ya que la luz en la Ilustración era su símbolo principal. El perro, entre sus múltiples significados, representa la consciencia ciega por las delicias humanas, así como el árbol azotado por el viento, que representa la fugacidad de los honores mundanos que muchos persiguen.  Además hay una gran desproporción entre la figura de la mujer y la del hombre, ya que ella está sentada y él de pie, y no se comprende la distancia que los separa, de modo que también refleja el engaño.

Por lo tanto, en la revista, se nos presenta a la Constitución como la mentira, España como una prostituta y al rey como su chulo. Sin duda, esta imagen pudo haber tenido una gran polémica si hoy en día, el desciframiento de la iconología estuviera más a la orden del día, de modo que  el ejecutor de esta imagen acabó realizando un trabajo que no podemos considerarlo otra cosa más que cómico.

El sueño de la razón produce monstruos, un título tan extraordinario como la obra, cuyas interpretaciones son varias: el subconsciente de la razón, que libera monstruos mientras duerme, la representación de los monstruos de la sociedad del momento, destacando el poder de la razón sobre las tinieblas de la ignorancia… Se trata de teorías que no parecen una crítica propia a la razón, que es de lo que se trata. Cuando leemos “el sueño de la razón produce monstruos”, lo primero que podemos pensar es en el propio cansancio de la razón, no mientras duerme. La Ilustración es una época de glorificación del pensamiento, del ser humano, del saber, de la razón. El cristianismo se hace a un lado, Dios deja de ser el centro entorno al cual se organiza la sociedad, aparecen las leyes, el ciudadano, el Estado. Pero, sin embargo, aquello de lo que se alardea, el progreso de la sociedad, fundamentada en la razón, conlleva su peligro. La degeneración del mundo ilustrado, el cansancio de la razón, el desgaste de ese mundo… pueden producir monstruos, hechos de cosas terribles, desde el surgimiento de la Revolución Francesa, el Reinado del Terror, la Guerra de Independencia Española… Se fundamenta en una crítica a la sociedad, víctima de su prosperidad.

Es decir, un período en el que, por debajo del progreso, se ve un mundo negro y caótico, y Goya fue quien de observarlo y plasmarlo en papel, haciendo una dura crítica. Por lo tanto, Goya no puede ser más histórico y reflexivo en su temática, utilizando representaciones metafóricas de los sueños…sus obras tienen una carga realista, un modo romántico y una crítica profunda.

El Romanticismo nos atrae y nos aleja, nos despierta un morboso interés, nos impresiona porque nos deja ver la fantasía que se encuentra en nuestro interior. William Blake, es un perfecto artista de la expresión de todos estos sentimientos. Era más poeta y místico que pintor, sus cuadros eran Esbozos poéticos (título de uno de sus libros de poesía) o pinturas mentales de su filosofía universal, algo que explica también que lo haya redescubierto la modernidad actual. En su obra aparece repetidamente la figura de Urizen, alegoría del Mal como creador del mundo material; la fantasía y la visión triunfan sobre la moral convencional y sobre la razón. Blake trataba de descubrir y salvar el alma en el caos de la creación material. La obra de Blake Tres parcas, originariamente titulada Hécate y recientemente La noche de la alegría de Enitharmon, refleja ya la diversidad de significados, situados entre la razón y el sueño. Con total independencia, dos años después, en su aguafuerte El sueño de la razón produce monstruos, Goya convocaría desde la oscuridad inquietante de la fantasía a las fantasmales figuras del búho y del murciélago para cuestionar las consecuencias de la razón.

 Estamos, así pues, ante un primer movimiento que nos acercará al mundo del subconsciente del surrealismo. Es la primera vez que las pasiones humanas se reflejan tan intensamente en el arte, en un momento en el que se iban apagando las luces de la Ilustración y en el que el ser humano empezó a cuestionar la esencia de su existencia.

Desde el pasado día 10 de este mes y hasta el próximo 6 de septiembre, se están exhibiendo en el MoMA de Nueva York algunos de los mitos más modernos que han cobrado vida en forma visual.

Estos grandres interrogantes de la humanidad que se han transformado en arte desde las épocas más antiguas y que han sabido continuar artistas más contemporáneos se están mostrando estos días en el centro neoyorquino bajo el nombre de The modern Myth: Drawing Mythologies in Modern Times.

Las obras, todas ellas en papel, están fechadas desde finales del siglo XVIII y 2008 y proceden del mismo centro y presentan el nexo de mostrar antiguos mitos y creencias.

Entre los autores que firman la exposición figuran nombres de la talla de Francisco de Goya, Matthew Barney, Joseph Beuys, Paul Cézanne, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Willem de Kooning, Paul Gauguin, Adolph Gottlieb, Wifredo Lam, Ana Mendieta, Picasso, Jackson Pollock, Odilon Redon, Mark Rothko o Andy Warhol, entre otros.

“The Modern Myth: Drawing Mythologies in Modern Times” puede visitarse de lunes a domingo, de 10:30 a 17:30 horas y los viernes de 10:30 a 20:00 horas.

Fuente | Masdearte y MoMA

Lo divino está en todas partes, incluso en un grano de arena.

Caspar David Friedrich (1774-1840) es uno de mis pintores favoritos, sin duda alguna. Siento especial predilección por los románticos y los paisajes decatentes que solían plasmar en los lienzos; y Friedrich es uno de ellos. Me apasionan sus pinturas, y sería muy difícil tener que elegir entre una de ellas si alguien me preguntara, aunque siento especial predilección por El cementerio de Cloister nevado, el cual desapareció en 1945 y en la actualidad se expone una copia en el National Gallery de Berlín, ciudad que visitaré en breve y aprovecharé para deleitarme con esta fantástica obra del romanticismo alemán.

Tras este breve apunte en tono de opinión, lo que quería comunicar es que 70 de los dibujos que hizo Friedrich se están presentando en la actualidad en la fundación Juan March de Madrid. Se trata de una selección de minuciosos y delicados dibujos que nos ofrecen una visión muy cercana de lo que era el proceso creativo del pintor.

Esta exposición nos acerca a la sustantiva belleza de sus obras al tiempo que ofrece, por vez primera, una perspectiva privilegiada acerca de la función de sus dibujos en su proceso creador.

La exposición está compuesta por dibujos sobre papel que van desde bocetos hasta obras “finalizadas”, todas ellas en diferentes técnicas, tales como lápiz, acuarela o gouaches. La temática es de lo más variada, pero al mismo tiempo la más repetida en toda su obra: árboles, paisajes, ruinas, edificaciones y demás.

Sin duda, una oportunidad única para descubrir a un Friedrich del que poco se conoce. Hay que señalar que en España, solo se le ha dedicado al pintor una monografía en el Museo del Prado en 1992.

Horario:

Lunes a sábado: 11.00 a 20.00 hs.
Domingos y festivos: 10.00 a 14.00 hs.

También se llevarán a cabo una serie de conferencias sobre la exposición los días 3, 5, 10, 12, 17, 19, 24 y 26 noviembre 2009.

Más información | Juan March

    Henry Peach Robinson nació en 1830. Era una persona de gran talento y constancia. En su vida, además de dedicarse a la fotografía, fue vendedor de libros y pintor. Muy influenciado por la pintura romántica de Turner, es considerado como uno de los padres del pictorialismo fotográfico . También fue uno de los grandes luchadores a favor de la inmersión de la fotografía en el mundo del arte. Es autor de algunos tratados sobre el arte fotográfico, como “Pictorial Effect in Photography” (1869), “Picture Making in Photography” (1884) o “Artistic Effect in Photography” (1885), donde defiende la ruptura del automatismo en fotografía y su elevación a la categoría de arte (pictórico). Sus ideas sobre la “perspectiva atmosférica”, el “aire pleno”, la “luminosidad”, emparentan su trabajo con el naturalismo y el impresionismo pictóricos de finales del siglo XIX. Fue el fundador de la influyente hermandad “Linked Ring”, con repercusión durante veinte años, y fue miembro de la “Honorary Fellowship de la Royal Photographic” a partir del 1900. 
Sobre la obra:

 Montaje que parte de cinco negativos distintos que nos muestra la agonía de una chica enferma de tuberculosis rodeada de su familia. En esta imagen indudablemente dramática, ella es el centro; detrás se encuentra su hermana y de frente, la figura materna. El padre se sitúa al fondo, de espaldas, frente a un ventanal acodado con pesados cortinones. Se ve un paisaje tormentoso a través del cristal.
 Podemos observar de manera fácil el grano, debido al colodión, lo que le da a la foto el aspecto pictórico que se buscaba en el momento.
 Morfológicamente, hay líneas contrastadas que regulan la armonía de la fotografía. Los pliegues de la cortina y las faldas de las mujeres son las verticales y el ventanal y la propia protagonista son elementos horizontales. Los planos, dos, vienen dados por las tres mujeres, a la misma distancia del objetivo, y al fondo, el ventanal y el padre. Al ser una imagen compuesta de varias fotografías se puede apreciar cierta borrosidad, pero, en realidad, el fotógrafo lo buscaba debido al gusto de lo pictórico. En términos lumínicos no consta de nada espectacular ya que es naturalista y neutra, aunque parece lo contrario debido al contraste y a la tonalidad del color: una gran escala que va desde el intenso tono negro de la casaca del padre (símbolo de dolor), hasta el camisón blanco de la joven enferma (pureza y virginidad). 
 Desde el punto de vista del espacio de la representación, cabe señalar que nos hallamos ante un espacio concreto, realista y reconocible por el espectador. Hay un espacio simbólico representado por el cielo tormentoso que se entrevé en el exterior de la habitación que es metáfora del sufrimiento de los familiares.
 Un aspecto muy importante a tratar es la temporalidad, ya que no se corresponde con la realidad de la foto. Sabemos que es un positivado que contiene cinco negativos, por lo tanto sabemos que los modelos posaron durante bastante tiempo; pero contrariamente, la fotografía está dotada de una gran instantaneidad: El momento último de una mujer ante la desesperada mirada de sus seres queridos.
 Finalmente comentar el significado que esta foto tuvo en su momento. El romanticismo que desprende no es solamente debido al tema, se trata de involucrar al espectador en el dolor; en el dramatismo y en el instante de los personajes. Una auténtica obra de arte que no dejó lugar a la hora del debate acerca del parangón de las artes.

 Nombre de la fotografía: “Fading awai” (Último suspiro). En España también conocida como “Los últimos instantes”.
 Autor: Henry Peach Robinson.
 Nacionalidad: Gran Bretaña.
 Año: 1858
 Técnica: Colodión sobre vidrio.
 Tipo: Blanco y negro con virado en sepia.

Sobre el momento y el movimiento:
 
 Nos encontramos en época victoriana, momento de inestabilidad para el pueblo, para la burguesía y para los cargos de poder. En diecisiete años hubo siete gobiernos distintos y, por lo tanto, un ambiente bastante hostil que generaba desconfianza. La sociedad estaba anclada en valores como el trabajo duro, la competitividad y la sumisión religiosa. Las principales instituciones de la sociedad victoriana eran la familia y el hogar, con moral rígida y severa. De ahí la actitud melancólica de los genios del momento.
 Aún así, estamos en tiempos de romanticismo y emotividad; los sentimientos es lo primero a resaltar en toda obra de arte, dejando a un lado cualquier planteamiento intelectual ante el acontecimiento que muestra. El contexto del momento incita a la reflexión y sensibilidad melodramática donde prima la exaltación de los sentimientos. En las artes plásticas se seguía el camino abierto por Turner y sus paisajes violentos y melancólicos y Constable engrandeciendo la naturaleza de manera inaudita, entre otros que enriquecieron el arte inglés de la época.
 La fotografía, ya concretando, no era un medio bien visto en un principio ya que, según los artistas, era una técnica que tendía a la mímesis sin tener en cuenta la imaginación del que la practica; un dispositivo inerte.
  Pero, poco a poco, la sociedad la fue aceptando hasta verla como un arte más. Se introdujeron técnicas como el calotipo, con un poderoso grano y un “flou” (desenfoque) que hermanaban un poco las dos artes. La utilización de la técnica del colodión, primero húmedo y más tarde seco, daba excelentes resultados de calidad fotográfica, lo que podría ocasionar reticencias con respecto al tema de el parangón de las artes, pero en este momento, los mismos artistas son los que dan a entender lo contrario. Fotógrafos que empiezan a utilizar la técnica fotográfica para “imitar” con gran perfección las técnicas pictóricas. Es el caso de fotógrafos como Julia Margaret Cameron, B. Braquehais, Oscar Gustav Rejlander, Henry Peach Robinson, Antoine-Samuel Adam-Salomon, Gustave Le Gray, Lewis Carroll, etc. En estos autores se puede apreciar una búsqueda de temas, una elección de sujetos, un trabajo en la pose, que definen un “estilo” propio (concepto clave para medir la artisticidad del trabajo pictórico), que pone en crisis el supuesto automatismo de la fotografía. La fotografía se convierte así en un vehículo de una voluntad moralizante o mística, en ocasiones. No fue hasta 1855 cuando se incluyó en las exposiciones universales en la sección de industria pero ya los fotógrafos estaban considerados artistas siempre y cuando se basasen en lo pictórico.  Robinson, el autor de la obra a analizar, habló sobre el tema con las siguientes palabras: Para que la fotografía alcance el estatus de arte, es necesario que el artista corrija de la fotografía todo aquello que no sea pictórico, para acercarla a la norma de lo bello. Cualquier artimaña, truco y conjura, de la clase que sea, está permitido al fotógrafo.

En el segundo post analizaremos la fotografía y hablaremos del autor.