Así, nos encontramos numerosas críticas que aportan a esto diversas explicaciones. Sin embargo, me ha llamado especialmente la atención la explicación del video que pongo a continuación, ya que ofrece una crítica bastante polémica y política que me despierta numerosas preguntas y reflexiones. El arte que no tiene fundamento, es decir, que no tiene un mensaje, un contenido detrás ¿sólo es el arte que domina el mercado? ¿El arte sólo tiene valor si nos aporta algo? ¿Y si lo que nos aporta es la nada absoluta? ¿Y si sólo se trata de aportar las sensaciones de los pigmentos?

No creo, en absoluto, que, a pesar de que ahora el mercado domina en gran parte lo que es el arte y lo que no o lo que se debe colocar en un museo, la actividad artística esté regida por él. Existen numerosos artistas no reconocidos que siguen la línea de las corrientes del expresionismo abstracto americano que lo utilizan para plasmar sus emociones, sus impulsos, o simplemente en un intento de desahogo desesperado.

No hay que quitar los museos, no hay que desvalorarlos, pero sí hay que observar y presentar la obra desde un punto de vista diferente, ya que,  no todas las obras artísticas –y sobre todo las de arte contemporáneo- se experimentan igual. Si el ciudadano abre su mente y espera no encontrar las leyes del Academicismo, de las que aun hoy parecemos herederos, estaremos más dispuestos a disfrutar de experiencias nuevas.

No podemos definir el arte, pero una cosa está clara: para los que disfrutamos del arte en todas sus formas, incluso para los que también sentimos frustración cuando no nos gusta, no lo comprendemos o no lo consideramos una obra propiamente artística, sabemos que, el arte no es política ni es economía, puede contener ideas, puede contener denuncias, puede estar tremendamente manipulado, pero siempre habrá algo más que lo complete, puesto que, la obra estará, siempre, ligada al artista que la realiza. Se trata de algo que está al alcance de todo aquel que sienta la necesidad y el deseo de utilizarlo para lo que más ansíe.

“Double Elvis (Ferus Type)”, que los responsables de Sotheby’s valoran entre 30 y 50 millones de dólares (23 y 38 millones de euros), se exhibirá en Los Ángeles, Hong Kong y Londres antes de ser subastada en Nueva York el 9 de mayo, según anunció la casa de subastas en un comunicado de prensa.

La obra, que formó parte de una serie de 22 retratos que Warhol hizo de esta leyenda del rock estadounidense, personifica las “obsesiones” del padre del arte pop con la fama, el estrellato y la imagen pública, según destacó Sotheby’s.

Con  ”Double Elvis”, el artista de Pittsburgh optó por presentar a una “figura icónica de Hollywood” de los años sesenta más que al “cantante rebelde” que conquistó al mundo con su música y sus bailes una década antes. “Con labios seductores y una mirada interesante, este retrato de Elvis se convierte en la contraparte perfecta masculina a los glamurosos y femeninos retratos que hizo Warhol de Marilyn Monroe”, añadió la casa de subastas.

Se trata de la primera vez desde 1995 en la que llega al mercado uno de las 22 obras que formaron parte de la serie de Warhol dedicada a Elvis, de las cuales nueve están en la actualidad en las colecciones de diferentes museos.

“Double Elvis (Ferus Type)” se exhibió por primera vez en público en la conocida Ferus Gallery de Los Angeles en el otoño de 1963 y, al igual que ocurrió un año antes con la conocida serie que dedicó a las sopas Campbell.

Durante su prolífica trayectoria artística, el padre del pop art americano (1928-1987) se inspiró para muchas de sus obras en estrellas y celebridades como Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Michael Jackson o Elizabeth Taylor.

Postitución, término que da nombre a la exposición, revisa en clave artística las connotaciones que aún hoy perduran en el lugar que ocupa, La maison de la lanterne rouge, – edificio construido sobre las cenizas del antiguo prostíbulo Kiss-.

Con el objetivo de interactuar en el espacio y el tiempo, al traer al presente contemporáneo el sórdido pasado del lugar, el visitante podrá penetrar en este incandescente universo recreado en la intimidad de las habitaciones. El oficio más antiguo del mundo, también llamado prostitución se torna en este espacio intervenido en referente artístico a partir de una profunda e individual interpretación personal sobre el lugar.

Concepto y forma inundan este escenario reservado al deseo clandestino con once inéditas e impactantes instalaciones, que seguro harán las delicias del espectador. Once son por tanto las distintas visiones de este nocturno, lúgubre y sexual espacio que aquí se nos ofrecen.

Si tienes interés estos son los datos del evento:

Del 19 al 25 de abril de 2009.
En horario de 12 a 22h.
Maison de la linterne rouge.
C/ Ballesta 4 (Madrid).
Metro: Callao.

Los tres autores, Duchamp, Man Ray y Picabia, son los más importantes impulsores del movimiento Dadá en la ciudad de Nueva York y posteriormente en todo el mundo. Su carácter provocador y su rebeldía con los cánones establecidos, han pasado a la historia dejando huella en muchos de los movimientos y creaciones de arte actual.

Marcel Duchamp y Francis Picabia son de origen francés y ya se conocían cuando juntos se trasladaron a Estados Unidos. Allí conocieron a Man Ray y pronto fueron un nudo artístico que duró para siempre.

Esta exposición se basa precisamente en la amistad entre los tres artistas. Como se influencian los unos a los otros y crean obra muy diversas pero con la misma temática. El erotismo, las transparencias, la velocidad y las máquinas… son recurrencias que existen en las tres carreras artísticas.

La muestra reúne más de 300 obras: pinturas, fotografías, dibujos, películas y objetos, entre los que destacan los famosos readymades de Duchamp como Fuente, un urinario colocado al revés, claro ejemplo de cómo hicieron tambalearse los fundamentos artísticos al cuestionarse el propio concepto de obra de arte. (1)

(1) Texto extraído del tríptico de la exposición.

De esta forma, los materiales estarán sacados de la naturaleza exclusivamente. Utilizando rocas, hojas, pétalos… y el taller será la calle; la naturaleza, el paisaje.

A finales de los años 60 en Europa y en Estados Unidos comienza una nueva etapa para el arte pocesual: El Land Art y el Earth Art. El primer término es acuñado en Europa y el segundo en Estados Unidos.

El Land Art, en Europa, es más bien un arte de paisaje. Los materiales no son solamente sacados de la naturaleza ya que se trata de utilizar el entorno como un espacio manipulable para crear arte. Transforman el entorno.

En Estados Unidos, el Eart Art es más minimal si cabe. Solamente utilizan materiales naturales. Se trata del arte en la Tierra, lugar contenedor de las obras de arte.

 Este movimiento generó un conflicto acerca de la propia naturaleza del arte. El taller se abandonó y por tanto el objeto artístico, al estar en grandes espacos abiertos y tener materiales naturales, no era perdurable. Los espectadores aprecian el Earth y el Land Arte a través de fotografías y videos; es decir, filtros externos. De esta manera, el lado comercial pierde relevandcia y genera un importante debate. 

China no es un ejemplo a seguir en el contexto social de la mujer. A pesar de que con el régimen comunista las mujeres tienen en teoría los mismos derechos que los hombres, nada más lejos de la realidad. La mujer tiene un papel inferior, en parte influenciado por siglos de dinastías con teorías ancestrales donde la mujer sirve al hombre por ley ycultura.

Para un artista chino es muy difícil mostrar su hacer vanguardista ya que continuamente se ven coartados por la censura. Por eso, para el mundo femenino, es doblemente importante dar un paso.

En 1989 Xiao Lu fue la primera en abrir camino a la represión. En una exposición en un importante museo de la capital empuñó un arma y disparó a dos cabinas telefónicas como colofón de su obra conceptual. Fue el inicio del arte vanguardista en China. Aquella exposición fue cerrada inmediatamente.

13 años después Cui Xiuwen realizó un video artístico donde aparecen escenas de sexo esplícitocon prostitutas reales. Tal conmoción causó que fue denunciada por importantes profesores. Esta chica fue la primra artista de China en exponer en la Tate Gallery de Londres.

Actualmente existen artistas como Lee Pei, con un estilo muy colorista donde el sexo prima como temática principal, con una clara crítica al machismo chino o Zhang Jie que realiza sobre todo retratos femeninos tristes y vulnerables; imagen de la mujer en China.

Son mujeres valientes que quieren enseñar al mundo su arte a pesar de las controversias que puedan causar en su país. 

Se merecen espacio y sobre todo oportunidades. 

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/Revista/Verano/Arte/chino/femenino/singular/elpepucul/20080807elprdv_1/Tes

Robert Morris, en su artículo Anti form, de abril de año 1968, defendía un tipo de escultura intimista donde los materiales usados se correspondiesen de alguna manera con el estado psicológico del autor. Además, el proceso de creación formaba pate de la obra de arte ya que daba énfasis al valor psíquico de la misma.

 Decía en este artículo, que el uso de formas básicas como el rectángulo y materiales rígidos estaban totalmente demodé, en desuso, y planteba materiales maleables en los que entrasen principios de la naturaleza como el peso y la gravedad para moldearlos. Como precursor principal de este movimiento cabe destacar a Pollock.

Así, el almacenamiento aleatorio, la composición descuidada, fueron premisas patentes en este movimiento.

En el mismo año de la publicación de este artículo hubo dos exposiciones en Nueva York que dieron fe de su importancia:

Antiform: En la galería John Gibson se reunieron artistas antes considerados de la corriente de la abstracción excéntrica como Eva Hesse, Robert Ryman o Richard Serra y otros que acababan de entrar en el mundo del arte como Panamarenko o R. Ryman.

Nine at  Leo Castelli: En la galería Leo Castelli , R. Morris organizó una exposición donde mostró a lo grande los principios de la antiforma y el arte en proceso con materiales como neón y acero.

 Toda la sociedad artística neoyorquina aplaudió estas dos intervenciones artísticas y la antiforma se consolidó como una nueva forma artística dentro del postminimal.

En oxposiciones posteriores, hicieron de las galerías sus propios talleres, dejando a público entrar para observar el proceso de creación de la obra; ya que este, formaba parte de la obra de arte en si.

Un periodo muy interesante para el arte de Estados Unidos se presentó en Europa pocos años después; en concreto en Berna y Amsterdam.

Fuentes: http://artescontemporaneos.com/el-libro-del-donut/

En Portugal se dice que Lisboa se divierte, Coimbra canta, Braga reza y Oporto trabaja.

No sé hasta qué punto es cierto, pero lo que es seguro, es que la gente que creó Maus Hábitos, trabajaron mucho para poder divertirse.

Se trata de un centro alternativo de cultura underground, donde se mezcla el arte, la música, los encuentros culturales y la fiesta más subversiva.

Un proyecto para el que ningún horizonte es el último ya que van más allá del mero artedecorativo, mezclando tantas tendencias y culturas como los artistas y organizadores deseen.

Entre sus salas, dispuestas a acoger todo tipo de exposiciones, hay espacios para talleres de creación y conciertos en directo. Sus promotores vienen de ondas muy diversas del mundo cultural y se juntaron en este cuarto piso de un edificio histórico de “a baixa” de Porto para dar cabida a sus ideas y a las de otros, haciendo así que la ciudad crezca en su carrea hacia el arte y la cultura actual.

Su andadura empezó en el 2001 con tres premisas: Permitir que en el espacio se realicen ensayos de espectáculos, la organización de eventos artísticos y la formacón en el mundo del arte. Así, podemos ver desde piezas teatrales, performances o recitales de poesía, hasta exposiciones de jóvenes creadores que no tendrían cabida en el actual mundo comercial del arte contemporáneo.

Además, organizan las más variopintas fiestas nocturnas, tienen un restaurante y alquilan el espacio para que un proyecto propio tenga cabida.

Si visitáis la maravillosa ciudad portuguesa, no dejéis pasar la oportunidad de entrar en este centro alternativo, que seguro, no os decepcionará.

Rúa Pasos Manuel, 178 4º Porto (Portugal)

Por esto, era previsible el hecho de que repercutiría también en el mundo del arte. Muestra de ello es la exposición “MÁQUINAS & ALMAS. Arte digital y nuevos medios” abierta hasta el 13 de octubre del 2008 en el Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía de Madrid.

Se trata de un grupo de 17 artistas que aúnan belleza y emoción con tecnología y creatividad. Son personas con carreras artísticas brillantes. Con madurez en sus obras que tienen como premisa usar la tecnología digital como herramienta principal.

Existe hoy en día la creencia de que en esta era tecnológica, los que hacen todo el trabajo son las propias máquinas, los ordenadores; por eso, esta extraordinaria exposición, quiere mostrarnos que sin la creatividad de las cabezas pensantes de estos artistas nada de esto es posible. Un ordenador no crea solo.  

Así, podemos ver en este gran recorrido retratos interactivos, robots atropomórficos, ferrofluidos, video-instalaciones, pinturas digitales….

Artistas: Rozin, McMurtrie, Farocky, Friedlander, Muntadas, Sachico Kodama, Abad, Maeda, Lozano-Hemmer, Evru, Daniel Canogar, Jasen, Byrne, Rubin, Hansa, Cosic, Hyghe y Jermyjenko.

Comienza pintando superhéroes sacados de viñetas de comics, como hacía su compañero Lichtenstein en la otra parte del país, pero Mel tiene un estilo distinto. Poco a poco se fue recreando más en el mundo de las curvas femeninas hasta llegar a lo que realmente lo llevó al estrellato. A la fama mundial: Sus famosas Pin-ups. Si lo dibujado por Lichtenstein se consideraba bulgar en el momento, se puede intuir la opinión pública con respecto a la obra de Ramos, donde lo que impera son mujeres completamente desnudas mirando fijamente al espectador.

Las Pin-ups, en origen, son fotografías de chicas desnudas que los obreros, camioneros y soldados pegaban en sus taquillas para así ”compensar” la monotonía del día a día. Mel Ramos se basó en esas fotografías para sus pinturas, combinando estos desnudos idealizados con marcas de gran consumo comercial usando siempre el estilo y los colores del pop art.

Al igual que las Venus de la antigua Grecia, muchas de las mujeres creadas por Ramos ocultan su desnudo con prudencia, como si hubiesen sido sorprendidas en el momento. Sin embargo, en ocasiones miran descaradamente al espectador con naturalidad en sus gestos.

Estos cuerpos espectaculares y atrayentes tienen en la obra la misma importancia que los productos de consumo. Igualándolos en tamaño y colores. De ahí que el conjunto resulte un tanto absurdo y cínico.

Mel Ramos es uno de los representantes del pop californiano. Su actitud es radical, equiparandose a la de Warhol. Para él no hay diferenia entre arte trivial y exigente o comercial y no comercial. Todo se compra. Todo es material de consumo. Somos consumistas.

Con este artista, hubo un renacer de lo erótico en el arte ya que con el movimiento anterior, la abstracción, había quedado muy relegado.