La Fundación Mapfre acogerá desde el próximo sábado, 11 de febrero, la primera gran muestra monográfica que se le dedica en España al pintor francés Odilon Redon, precursor del simbolismo y del grupo de los Nabis. Realizada en colaboración con el Musée d’Orsay y comisariada por Rodolphe Rapetti (INHA, París), la muestra recorrerá la trayectora artística y el universo singular de Redon (1840, Burdeos – 1916, París) a través de 170 obras procedentes de algunas de las colecciones internacionales más importantes.

Gracias a un estilo absolutamente personal, un uso novedoso del color y de las tonalidades, y una temática basada en las complejidades del pensamiento, lo esotérico y los mecanismos del sueño, Redon influyó profundamente en las generaciones simbolistas, fauvistas y nabis, haciéndose un hueco entre los pintores más destacados de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

Su pionera atracción por el mundo de la imaginación y de los sueños, en un momento de primacía del naturalismo, lo convirtió en un pintor al margen. Su apuesta por un lenguaje personal y original hizo de él, durante mucho tiempo, uno de los artistas menos conocidos del cambio de siglo, a pesar de su celebridad en vida y de su fundamental papel en la génesis de los nuevos lenguajes y contenidos del arte moderno.

El recorrido cronológico de esta exposición parte de sus inicios como grabador bajo la tutela de Rodolphe Bresdin y llega a la época del color y de sus grandes decorados, desde lo que llamó sus Negros, en la atmósfera de los simbolistas, hasta las escenas mitológicas y el incandescente Carro de Apolo, himno a la luz. Este camino seguido por el artista de la sombra a la claridad no tiene parangón en la historia del arte y es presentado en esta muestra a través de la elección de 170 obras maestras de distintas instituciones, que comprenden óleos, dibujos, grabados, paneles decorativos y bocetos para textiles.

Además, en la muestra hay obras provenientes del Gemeentemuseum de La Haya, Museo Van Gogh y del Rijksmuseum de Ámsterdam, el Museo de Bellas Artes de Burdeos, el Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe, así como de importantes colecciones particulares extranjeras.

Anteriormente, ya veíamos la intensidad de los contenidos de la pintura simbolista; ahora, se nos ofrece la oportunidad de observar 170 obras de uno de sus principales artistas; sin duda, merecerá la pena.

Hoy es arte

La figura de la mujer ha sido uno de los temas iconográficos más constantes en la obra de Picasso. Habitante de un mundo femenino que gravitaba primero alrededor de sus hermanas y de su madre, y de sus distintas compañeras o esposas más tarde, el artista se enfrentó a la imagen de la mujer desde el lugar de quien al mismo tiempo admira e interroga al sujeto femenino.

El título de esta muestra alude a la expresión creada por Goethe en la que, según el autor alemán, el ‘eterno femenino’ reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva, y que por tanto unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. Esta multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las 14 secciones en las que se articula esta exposición y que recogen 66 obras originales del artista malagueño encuadradas en las distintas técnicas de su obra gráfica.

A través de diferentes secciones, la mujer se presenta como un soporte para la manifestación del alma (Espejo del alma), a la vez que puede ser el retrato de mujeres imaginadas  o de personas reales, como las dos últimas, y más intensas, mujeres de Picasso: su compañera Françoise Gilot y su esposa Jacqueline Roque (secciones Retratos de Françoise y Retratos de Jacqueline).

Sin duda, Picasso es uno de los grandes. Experimentar con de sus obras su visión del mundo a través de la deformación de las formas y la división de los planos, consiguiendo del mismo modo una gran expresión, nos hace valorar su originalidad e ingenio. Esta exposición es otra forma de entender a Picasso más alla de su célebres obras, surmiengéndote  en el arte para encontrar su propia forma de sentir y ver la realidad con la percepción que éste tenía de la figura femenina.

 Munch, así pues, nos transmite una sensación de lo más inquietante; es posible que en esta obra concretamente sea donde encontramos la máxima fuerza expresiva de su pintura, pues él, presenta unas características más asociadas a la temática del simbolismo: la figura de la mujer, el silencio, la reflexión, la mirada a uno mismo, la tristeza… es decir, la plasmación de elementos que no van hacia a fuera, como la ira, sino hacia el interior de uno mismo. La melancolía y los problemas de la propia mente serán los que Munch represente. En el cuadro de El Grito, aunque vemos fuerza y expresión clara en su modalidad, el tema no es más que el estado personal y psicológico de la figura que vemos representada, siendo tanta su agonía, que rompe ese silencio propio del simbolismo en un ahogado y desesperado grito, ojos desorbitados y mejillas hundidas que nos hacen pensar que algo terrible debió de haber sucedido.

En estos días, empezaremos una temática centrada en el cine. La primera película a la que haré referencia, que está en relación con la entrada anterior, es la obra maestra de Luis Buñuel y Salvador Dalí, Un perro andaluz, realizada en 1929. Se trata de un cortometraje considerado el más significativo del cine surrealista. Tanto Buñuel como Dalí expresan a través de imágenes sus sueños y delirios, como la escena de las hormigas en la mano – a las que Dalí tenía fobia real- o la más representativa del filme, la del ojo cortado por una navaja –imagen soñada e interpretada por el propio Buñuel.

            La película, al igual que una pintura surrealista donde vemos que sus elementos representados pueden no presentar relación, no se compone de esquema lineal, no es que esté oculto su sentido, simplemente no lo tiene, no hay un trasfondo, es pura imagen onírica. Así, se plasma perfectamente ese universo, donde salen a la luz nuestros miedos, nuestros impulsos más primitivos, nuestros deseos… Vemos incluso escenas no del todo claras, elementos que aparecen y desaparecen, el vacío, ¡incluso el sentimiento de incapacidad de andar bien o alcanzar una cosa concreta!

            La escena del ojo cortado, sin embargo, no es casualidad que se presente al principio de la película. Se trata de un cegar la mirada convencional para que surja la mirada asomada al interior, algo que promovía el surrealismo, como se puede apreciar en los versos del poeta favorito de Buñuel, Benjamin Péret:

Si existe un placer
es el de hacer el amor
el cuerpo rodeado de cuerdas
y los ojos cerrados por navajas de afeitar

            El propio Buñuel explicó que “para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz.”

             Así, no queda más que disfrutar de la película e investigar nuestras propias sensaciones de los sueños de dos de las personalidades del mundo surrealista más representativas. Después de todo, seamos artistas o no, el surrealismo no es más que la parte escondida de nuestra razón, todos tenemos sueños, todos encontraremos en El perro andaluz alguna escena que nos lleve hacia nuestro interior.

Pinchen en el siguente enlace para verla:  Un perro andaluz

Es interesante ahora, remontarnos un poco hasta su inicio para observar los rasgos propios de esta característica catedral y la singularidad de su historia. Esta maravillosa obra fue realizada sin apoyo financiero episcopal, empleándose únicamente las donaciones de los feligreses. El impulsor de su construcción fue José María Bocabella, propietario de una librería religiosa. En un primer momento, asignó el proyecto el arquitecto Francisco del Villar, quien se dispuso en1882 aconstruir una catedral neogótica. Debido a una enemistad entre ellos, el proyecto quedó posteriormente en manos de Antonio Gaudí, que a sus 31 años de edad aceptó los encargos de construcción más importantes del cambio de siglo. En primer lugar, completó la cripta que había sido iniciada siguiendo las premisas neogóticas, celebrándose la primera misa en1891. Acontinuación se centró en la fachada este, que diseñó a manera novedosa gracias a un sistema de triángulos superpuestos; la ornamentación de esta fachada la consagró al tema del nacimiento de Jesucristo; el estilo era muy naturalista, formas sacadas de la vegetación: hojas, ramas, flores, palmeras…. Los pórticos estaban dedicados a la Fe, la Caridad y la Esperanza, realizados con un gran efecto plástico. Más tarde, en 1917, concluyó la fachada oeste, en la que planteó un programa reducido de figuras y dispuso todo bajo la imagen de la Pasión de Jesús. Por último, las cuatro torres que se elevan desde la fachada este fueron las últimas partes que se pudieron concluir bajo la dirección de Gaudí. Todos estos elementos estaban pensados para enfatizar el mensaje de la historia de Cristo por la Iglesia, destacando la importancia que Gaudí otorgó a la luz en ese papel: “La forma parabólica de las torres constituye la unión entre gravedad y luz. Arriba del todo de la catedral se debe fijar un faro, como si se tratase de la luz natural que brilla desde el cielo. Este faro debe dotar de vida y esplendor a la catedral los días festivos y, a su vez, debe ser la decoración más bella de la ciudad”.

Nadie sospechaba que el hombre de avanzada edad y traje raído que fue llevado al hospital de pobres el 7 de junio de 1926, fuera en realidad el famoso arquitecto Antonio Gaudí. Un tranvía lo había atropellado cuando volvía de la feria a su taller, situado dentro de la propia catedral. Cuando murió tres días después, fue enterrado en la cripta de dicho edificio, dejándolo así inacabado hasta nuestros días.

Gaudí era conocido más allá de las fronteras españolas como un arquitecto genial. Como representante del modernismo catalán influyó notablemente en la imagen de Barcelona, considerándose sus construcciones soluciones arquitectónicas sorprendentes y novedosas en dirección a la modernidad. Sin duda, Gaudí nos dejó un gran reto: acabar la Sagrada Familia y ser capaces de alcanzar la gran visión que proyectó este genio de la arquitectura.

De esta manera, numerosos artistas trataron este tema en sus obras; Klimt, en la gran mayoría de sus trabajos introdujo este tipo de mujer, incluso llegando a presentarla masturbándose, algo que le supuso numerosos enfrentamientos. Sin embargo, el papel de la mujer como femme fatale llama más la atención en los cuadros que pintó Franz von Stuck a partir de 1893. Se ocupó del tema del pecado; la mujer presentaba un cuerpo muy blanco, en su sugerente contraste con el fondo oscuro y aumentando la atmósfera excitante cubriéndose con una capa de piel animal. Era característico en él realizar una combinación arriesgada entre mujer y víbora, que representaba un inequívoco símbolo fálico.
De modo que, justo en un momento en que la moral predominante era bastante restrictiva con temas como el erotismo y la lujuria, parece que la imaginación tomo alas; incluso personajes como Charles Baudelaire recurrieron a un lenguaje mucho más drástico para explicar el personaje de la femme fatale: “la hembra tiene hambre y quiere comer”. Así, mientras que en la vida real las trabajadoras de las fábricas se agotaban en interminables jornadas de trabajo y las sufragistas se manifestaban  a favor del derecho al voto de las mujeres, en el mundo artístico aparecía paralelamente el mito de la femme fatale.

En los sueños, experimentamos a menudo la extraña sensación de que las personas y los objetos se combinan y cambian de lugar. Uno de los principales artistas surrealistas por excelencia que deja claramente en sus obras este rasgo es Salvador Dalí. En muchos de sus cuadros deja mezclados fragmentos insólitos e incoherentes del mundo real, plasmados con una gran exactitud, dándonos la sensación obsesiva de que debe existir algún sentido en esa aparente locura. Este modo de realizar sus obras tiene el nombre de método paranoico-crítico. Pondremos varios ejemplos en los que en un mismo cuadro se pueden ver varias imágenes.

Obras como estas nos hacen pensar en la razón por la cual los artistas del s. XX no se contentan con representar sencillamente lo que ven. También ellos han llegado a darse cuenta de los muchos problemas que se ocultan tras esa búsqueda. Saben que el artista que quiere representar una cosa real, no tiene que empezar por abrir sus ojos, sino profundizar en su interior y descubrir qué es lo que le hace crear obras de arte.

“Hoy lo que más me interesa son los materiales con que trabajo. Con frecuencia me proporcionan ellos el choque que me sugiere las formas, como los desconchones de una pared sugerían formas a Leonardo. Comienzo un lienzo sin pensar en lo que va a convertirse. Después que el primer fuego se ha apagado, lo dejo aparte. No lo miro durante meses. Después lo vuelvo a tomar y lo trabajo fríamente, como un artesano, guiado estrictamente por reglas de composición, ya enfriado el primer efecto de la sugestión. Las formas van tomando realidad conforme trabajo. En otras palabras, más que ponerme a pintar algo, empiezo pintando, y, conforme pinto, el cuadro empieza a afirmarse o a sugerirse bajo mi pincel. La forma se convierte en el signo de una mujer o de un pájaro según estoy trabajando. A veces, una mancha de mi pincel al limpiarlo, una grieta del lienzo, una mancha en la paleta, pueden sugerirme el principio de un cuadro. La segunda etapa, sin embargo, va cuidadosamente calculada. La primera es libre, inconsciente; pero después el cuadro es totalmente controlado de acuerdo con ese deseo de trabajo disciplinado que yo he sentido desde el comienzo.”

“El pop es amor porque lo acepta todo… pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo…” Robert Indiana

El Pop Art tuvo dos principales focos en Estados Unidos y en Inglaterra entre los años 1956 y 1970. El Pop Art inglés será más intelectualizado que el estadounidense y desarrollará en gran medida la técnica del collage, ya muy utilizada por los dadaístas. De hecho, ¡qué mejor que la utilización de elementos propios de la cultura popular como revistas, iconos de la televisión o anuncios para crear una obra pop! Además, la principal crítica del Pop Art iba encaminada a la corriente del Expresionismo Abstracto, que se caracterizaba por ser un estilo personal, subjetivo, individual y lleno de simbolismos no accesibles al público, de ahí que el Pop Art buscara elementos totalmente contrarios: es directo, se dirige a la sociedad, es el arte de todos. En Inglaterra, además, todos estos elementos serán tratados con especial humor.

Una de las obras más significativas las tenemos con Richard Hamilton en su obra Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (¿Qué es eso que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?).

Se trata de una obra considerada iniciadora del Pop Art que presenta un malicioso título. Dirige la mirada hacia la civilización urbana moderna y a sus formas de expresión visuales, pero sin dejar de ser crítico a través del humor. Este agresivo collage presenta los principales cimientos de la cultura popular industrial: los vistosos cuerpos artificiales tanto masculinos como femeninos, los procesos contemporáneos de transmisión de sonido e imágenes, la higiénica atmósfera del hogar moderno, el mobiliario impersonal junto con numerosos carteles, emblemas de marcas, cine —tras la figura masculina aparece el anuncio de El cantor de Jazz, considerado del primer filme sonoro de la historia—  televisión, el cuadro del cómic mucho más grande que el retrato tradicional y aburrido que se presenta a su lado, la alfombra que nos recuerda curiosamente a una obra del expresionismo abstracto americano, como un elemento que hay que pisar y, por último, las letras “POP” de la funda de la raqueta del hombre en las que muchos creen encontrar el origen del nombre de este estilo artístico.

Es curiosa la forma en la que se plasman todos los elementos que posteriormente formarán parte del desarrollo estilístico del Pop Art; sin duda, marca el inicio de una revolución artística, pero no la encarna, sino que se limita a ofrecerle sus servicios como lanzadera. Llama la atención, el importante influjo del Dadaísmo aquí presente, como el elemento que desencadenó esta “locura” en el arte y en la sociedad, que se burla de sí misma al mismo tiempo que disfruta del progreso y bienestar que se estaba generando tras el período de guerras. Sin embargo, hay que tener en cuenta que el Pop Art fue el resultado de una ensoñación, de un juego que no fue del todo consciente del camino que se estaba produciendo en la sociedad, pasando de la modernidad a la postmodernidad, de un espíritu juvenil a uno envejecido que aún sueña con encontrar el camino para regenerarse.

Entre 1916 y 1923, en plena I Guerra Mundial, surge un grupo revolucionario que cambiará el concepto de arte hasta nuestros días. La primera obra dadaísta por excelencia que nos viene a la mente es sin duda la Fuente de Duchamp —  ¡Qué gran escándalo! ¡Qué descaro! ¡Un urinario! — No se les puede reprochar a los espectadores esta reacción, que duró desde el momento en el que la obra se expuso hasta nuestra época.  Pero, parémonos por un momento y pensemos: ¿acaso Duchamp pretendía conseguir halagos y reconocimiento de artista? ¿Pretendía el dadaísmo ser analizado e interpretado de las misma forma que se experimentan obras antiguas?  Está claro que no. El dadaísmo busca precisamente lo contrario; buscan impactar con ironía, golpear al espectador, provocar risa, provocar espanto, anular todo concepto de arte hasta esa época establecido, buscan la burla, el “mal gusto”, lo infantil, lo cómico, lo anormal, lo incoherente, romper tabús, romper reglas ¡romper con todo!

Los dadaístas, inmersos en el pesimismo de la guerra, de una sociedad degenerada, sistemática, mecanizada, dominada por la cultura del odio, del poder… decidieron sublevarse a través de la reivindicación de los aspectos del ser humano más primitivos; utilizaron la terapia de choque: intentar romper una cultura degenerada con arte degenerado, que ya ni buscaba ser arte, era simplemente Dadá: el sinsentido, la nada. ¿Acaso no es digno de valorar que hubiera gente dispuesta a luchar contra su propia sociedad utilizando elementos artísticos y conseguir así despertar al espectador del sinsentido real de su situación? No hay acción más noble que combatir el dolor con la risa, sobreponerse a la catástrofe y encontrar el poder de la ironía.

En una cita de Huelsenbeck, miembro dadaísta, no podría quedar más claro: “El dadaísmo es el primer estilo que no sirve de reflejo estético de la vida, por cuanto descuartiza todos los clichés de la ética, la cultura y la espiritualidad, que no son sino el disfraz de la debilidad”.

Sumergiéndonos en el mundo Dadá, miremos con atención otra famosa obra de Duchamp, L. H. O. O. Q. No comprendemos a una primera vista, quizá, el título de la obra, pero sin duda alguna es la Mona Lisa con bigote y barbilla. No pensemos mal, no se trata de una falta de respeto, Leonardo no se estará revolviendo en su tumba; reíd, simplemente reíd ante tal acto infantil y, si aún por encima, desciframos el título leyendo las letras en francés, se pronunciaría algo así como “Elle a chaud au cul” (Ella tiene el culo caliente), más ridícula y graciosa queda nuestra encantadora Mona de sutil sonrisa.

Hemos comprendido así el espíritu Dadá. Sin embargo, que el dadaísmo haya cambiado el concepto de arte, que usara objetos cotidianos descontextualizándolos, que utilizara la “nada” para cambiarlo todo, tenía su razón de ser. El hecho de que el dadaísmo durara tan poco se basa en que la sociedad se fue acostumbrando a tales provocaciones, de modo que éstas perdieron pronto su eficacia. De esta manera, el dadaísmo dejó de tener sentido, pues su principal fundamento estaba en la reacción del espectador. Por lo tanto, en nuestra época, el arte que intenta buscar un modelo dadaísta, no está ni lo más cerca de ser original, es más, en numerosos casos la obra no tiene ninguna filosofía detrás, es simple nihilismo, la nada absoluta. Sin embargo, un aspecto a tener en cuenta, es que las obras de arte contemporáneo expuestas en museos necesitan de su explicación: textos especializados, vídeos, música… no un simple título donde no podemos analizar el concepto que hay detrás, que es precisamente donde se encuentra el valor artístico.

Así, gracias al análisis del mundo Dadá, comprendemos el porqué del cambio rotundo de las obras artísticas que a partir de entonces se iniciaron, valoramos sus hazañas y participamos en su juego, admiramos su descaro dado en una sociedad no muy diferente a la nuestra y comprendemos la posible causa del rechazo general del arte de nuestro tiempo.

“Libertad: DADA, DADA, DADA, aullido de colores encrespados, encuentro de todos los contrarios y de todas las contradicciones, de todo motivo grotesco, de toda incoherencia: la vida.” Manifiesto Dadaísta.