Así, nos encontramos numerosas críticas que aportan a esto diversas explicaciones. Sin embargo, me ha llamado especialmente la atención la explicación del video que pongo a continuación, ya que ofrece una crítica bastante polémica y política que me despierta numerosas preguntas y reflexiones. El arte que no tiene fundamento, es decir, que no tiene un mensaje, un contenido detrás ¿sólo es el arte que domina el mercado? ¿El arte sólo tiene valor si nos aporta algo? ¿Y si lo que nos aporta es la nada absoluta? ¿Y si sólo se trata de aportar las sensaciones de los pigmentos?

No creo, en absoluto, que, a pesar de que ahora el mercado domina en gran parte lo que es el arte y lo que no o lo que se debe colocar en un museo, la actividad artística esté regida por él. Existen numerosos artistas no reconocidos que siguen la línea de las corrientes del expresionismo abstracto americano que lo utilizan para plasmar sus emociones, sus impulsos, o simplemente en un intento de desahogo desesperado.

No hay que quitar los museos, no hay que desvalorarlos, pero sí hay que observar y presentar la obra desde un punto de vista diferente, ya que,  no todas las obras artísticas –y sobre todo las de arte contemporáneo- se experimentan igual. Si el ciudadano abre su mente y espera no encontrar las leyes del Academicismo, de las que aun hoy parecemos herederos, estaremos más dispuestos a disfrutar de experiencias nuevas.

No podemos definir el arte, pero una cosa está clara: para los que disfrutamos del arte en todas sus formas, incluso para los que también sentimos frustración cuando no nos gusta, no lo comprendemos o no lo consideramos una obra propiamente artística, sabemos que, el arte no es política ni es economía, puede contener ideas, puede contener denuncias, puede estar tremendamente manipulado, pero siempre habrá algo más que lo complete, puesto que, la obra estará, siempre, ligada al artista que la realiza. Se trata de algo que está al alcance de todo aquel que sienta la necesidad y el deseo de utilizarlo para lo que más ansíe.

La obra salió a la venta por 40 millones de dólares y fue subiendo a lo largo de 12 minutos hasta los 107 millones de dólares, cifra a la que habría que sumar los casi 13 millones de comisión.

El grito supera de esta forma la marca fijada en 2010 por el lienzo de Picasso Desnudo, hojas verdes y busto, vendido por 81 millones de euros. El récord de venta entre privados lo tiene el cuadro de Cézanne Los jugadores de cartas (1892-93), adquirido por la familia real de Qatar en 2011 y que se cree que costó 191 millones de euros.

La obra de Munch, que data de 1895, pertenecía al empresario Petter Olsen, cuyo padre, Thomas, fue amigo, vecino y patrono de Munch. Esta venta coincide en un momento de gran interés en torno al artista, ya que en 2013 se celebra el 150 aniversario de su nacimiento.

Es famoso el artículo que la revista Life publicó en 1964 y en el que su autor se preguntaba si Roy Lichtenstein era el peor artista de Norteamérica. Un año antes, en 1963, el artista aseguraba en una entrevista que quería hacer que el Arte fuera tan despreciable que nadie quisiera colgar una obra en su casa. Unas palabras sin duda arriesgadas para alguien que acababa de acceder, como quien dice, al circuito artístico. Lichtenstein mantendría su apuesta hasta el final de su carrera. ero cuando por primera vez planteó su desafío, hacía apenas unos meses que Leo Castelli había organizado la primera exposición sobre su obra. Era 1962 y la indignación de público y crítica desbordó los mentideros del arte. Sus lienzos que simulaban tiras cómicas parecieron a más de uno una broma infantil que se burlaba de la pretendida seriedad del llamado expresionismo abstracto de sus predecesores. Sin embargo, Lichtenstein sólo se reía, en el fondo, de él mismo, como cuando confesaba:

“Pinto mis cuadros al revés o de lado. Muchas veces ni siquiera recuerdo de qué tratan. Evidentemente, al principio sé qué es lo que estoy pintando, y que será divertido o irónico, pero trato de eliminarlo mientras los estoy haciendo. No son los temas lo que mantiene mi interés”.

En realidad, Lichtenstein ahondaba en el camino emprendido por Pollock, Rothko y De Kooning, entre otros. Con sus pinturas rompía definitivamente, de una vez por todas, con la tradición pictórica europea, aunque él, paradójicamente, lo que más deseaba era ser reconocido como heredero artístico del maestro de todos ellos: Picasso.

Durante sus estudios universitarios pintó retratos y naturalezas muertas, en la línea del malagueño y de Braque, y durante su estancia en París en la Segunda Guerra Mundial llegó a visitar su estudio… pero sólo por fuera, sin atreverse a llamar a la puerta, preguntándose a sí mismo por qué Picasso querría verle a él, un simple estudiante de Bellas Artes de Ohio. Es probable que Lichtenstein tuviera en mente alguna de las mujeres dormidas de su admirado Picasso, cuando en 1964 pintó Sleeping Girl, un retrato de una joven rubia durmiendo que se convirtió, desde su exhibición, en uno de los iconos del arte estadounidense de posguerra. La obra fue adquirida ese año por Beatrice y Phillip Gersh en la Galería Feurs. Y ha permanecido en manos privadas hasta ahora, cuando los Gersh, miembros fundadores del MOCA, lo sacan a subasta en Sotheby’s Nueva York, el 9 de mayo, con un precio estimado entre 22 y 30 millones de euros. El mes se cerrará los días 22 y 23 de mayo con la venta en Londres de parte de la colección de 300 obras del arte del empresario, fotógrafo y playboy alemán Günter Sachs, con obras, entre otros, de Warhol, Klein, Fontana, Dalí, Ernst y Giacometti.

Más adelante, algunos movimientos nacidos entre finales del XIX y principios del XX como la Secession vienesa o el movimiento “Arts and crafts” y, sobre todo, las vanguardias históricas —desde el futurismo y la Bauhaus al neoplasticismo, pasando por el constructivismo—, supusieron no solo una acentuación de la moderna autonomía del arte, sino también un intento generalizado y radical de volver a llevar el arte a todas las esferas de la vida, ésta vez no tanto para representarla u ornamentarla como más bien para transformarla y configurarla desde el ideal de lo nuevo.

La Vanguardia quiso devolver el arte y su poder transformador al ámbito político y social, al mundo doméstico y al de la decoración y también a los textos del libro, la revista y el cartel, vehículos para la difusión de las ideas, de los que nunca había salido del todo, pero del que las estéticas y poéticas del arte puro, el esteticismo y el ideal de l’art pour l’art le habían alejado.

Con esto, la Fundación Juan March de Madrid presentará el próximo viernes, 30 de marzo, la exposición La vanguardia aplicada que presenta, con más de 700 obras –entre diseños originales, fotomontajes, libros, revistas, carteles, postales, folletos, maquetas y bocetos preparatorios–, la historia visual del impacto de los ideales de la vanguardia histórica en los ámbitos de la tipografía y el diseño gráfico, desde sus antecedentes en la última década del XIX y durante la primera mitad del siglo XX.

Las obras de esta muestra provienen de dos importantes colecciones internacionales especializadas en diseño y tipografía de vanguardia, que por su criterio en la selección de obra y su amplitud pueden considerarse de rango museístico: la del estadounidense Merrill C. Berman y la del santanderino José María Lafuente. La selección de las obras de ambas colecciones no se ha realizado solo de acuerdo a criterios históricos, sino desde un acercamiento transversal al espíritu transformador de las vanguardias y en torno al eje constituido por la articulación de las formas y los signos en el diseño gráfico de las vanguardias y la revolución tipográfica que éstas supusieron.

Hoy es arte

Hijo de padre merchante, estudió en la escuela de artes y oficios de Madrid y trabajó como ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro durante su adolescencia, antes de mudarse a París. Allí cambió su acomodada vida por Montmartre y conoció a Pablo Picasso y Georges Braque.

Los manuales de arte le califican como el tercer pintor cubista en su jerarquía, por detrás de éstos, pero el propio Juan Gris se refería así a su pintura: «Cézanne va hacia la arquitectura, yo parto de ella, por eso compongo con abstracciones (colores) y compongo cuando esos colores han devenido objetos… Esta pintura es a la otra lo que la poesía a la prosa».

En 1912 introdujo el collage en sus obras y tres años después, sus primeros cuadros de tonos grises se tornarían de colores.  El tópico de que «era un hombre gris» le acompañó siempre. A Federico García Lorca le parecían sus obras «expresiones esquemáticas y frías», aunque reconocía la lírica «que tienen las guitarras enlazadas con ese delicado sentimiento de peces nocturnos». Más comprensión recolectó la magia de sus números y sus proporciones de color por otros poetas de la Generación del 27, como Gerardo Diego. A su muerte, en 1927, escribió: «Entretanto/ yo persigo el destino/ obtenido en el roce de tus pensamientos inclinados».

Una aguda crisis asmática le detuvo con solo 40 años. Su delicada salud ya le había obligado a desplazarse a Boulogne-sur-Seine en 1922. Aunque llegó a saborear el éxito antes de morir. En 1924 las obras de Juan Gris empezaron a cotizarse. Sus últimos años son los de sus creaciones más conocidas como «La mujer del cesto», «El libro rojo» o «El mantel azul». Hoy sus restos descansan en el cementerio de Boulogne-sur-Seine y el mundo del arte tan solo imagina lo que hubiera podido crear Juan Gris si la vida le hubiera dado unos años más.

Es curioso que artistas españoles surrealistas de la talla de Dalí y Miró sean por todos conocidos, sin embargo, el mérito de Granell permanece todavía en la penumbra de la historia del arte. Su obra se puede decir que es tan surrealista como su vida. Su infancia, vivida en Santiago y Coruña, su juventud, en Madrid y el resto de su vida en el exilio, pasando por República Dominicana, Guatemala y Nueva York hasta volver a España en 1985, cuando el panorama político era más favorable. Fue un hombre dedicado a la pintura, la escultura, la literatura y a la música, ya que fue un destacado violinista. Sus obras son un reflejo de las experiencias de su vida, de los ambientes y gentes que conoció, de las malas y duras experiencias, de su ideología liberal y anarquista.

Su arte se compone de una heterogeneidad de culturas y sensaciones. De algún modo, sus obras son el reflejo de su vida, y su vida, la creación de las obras. Su modo de entender el surrealismo era algo muy personal y profundo:

“La única condición para ser surrealista es la integridad moral del individuo que no se vende, que no se traiciona. El surrealismo es una actitud ética ante la vida, esto es lo fundamental para ser surrealista”.

]]> http://artescontemporaneos.com/descubrir-a-granell/feed/ 0 http://artescontemporaneos.com/maria-blanchard-la-mujer-cubista/ http://artescontemporaneos.com/maria-blanchard-la-mujer-cubista/#comments Mon, 12 Mar 2012 08:00:47 +0000 Elena http://artescontemporaneos.com/?p=2073 Esta año, María Blanchard (Santander, 1881- París, 1932) protagonizará dos grandes exposiciones. La primera en la Fundación Botín de Santander y la segunda, en el Museo Reina Sofía de Madrid. La primera se centrará en el período cubista de esta artista española que vivió la pintura con todas sus incertidumbres y convicciones y que llegaría a ser una de las grandes figuras de la vanguardia. La que acogerá el MNCARS será una antológica de toda su trayectoria.

Nacida el mismo año que Picasso, Gargallo o Vázquez Díaz, Blanchard perteneció a una generación de artistas cuyo reconocimiento nunca fue parejo con el suyo. Ha sido y aún sigue siendo hoy, 80 años después de su muerte, la gran desconocida del grupo de artistas que consolidaron la renovación artística de principios del siglo XX.

Pese al tiempo transcurrido, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico hicieron que su vida fuera relatada con grandes lagunas y enormes contradicciones y su obra permaneciera en un segundo plano respecto a sus coetáneos y amigos de la vanguardia, a los que sin duda igualó y en algunos casos superó.

Estas dos muestras tratarán de poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte durante los primeros años del siglo XX y a la que sus amigos, grandes artistas, reconocieron como otra grande.

La propuesta expositiva que se presentará en la sala de la Fundación Botín a mediados de junio girará en torno a su trabajo cubista, (1913-1919), siendo esta la primera muestra de carácter científico que se lleva a cabo sobre este período. Contará con fondos internacionales, gran parte de las cuales no se han mostrado nunca en España, y algunos son inéditos. También es la primera vez que se incluyen dibujos.

En total, la exposición mostrará 50 obras del período cubista, 20 más de las que se podrán ver en Madrid, lo que permitirá descubrir en toda su magnitud la importancia de esta etapa de su trayectoria artística. La artista se adentra con pasión en el movimiento. Su obra presenta una clara evolución. Desde un primer cubismo en el que ejecuta obras sencillas, con elementos figurativos fácilmente identificables, que representa mediante formas geométricas en planos superpuestos, evolucionando hacia un cubismo más sintético, en unas composiciones en las que reduce la temática a elementos esenciales, expresados mediante planos expuestos desde diversas perspectivas.

Blanchard concibe una obra muy personal en su paleta, en su construcción, en sus temas. Pero por encima de todo ello está su libertad de creación. Trabaja con rigor, con sinceridad, con sentimiento, pero sobre todo trabaja en libertad. Se trata, pues, de un cubismo muy personal que se distingue por su rigor formal, su austeridad y el dominio del color. Con estas obras no solo alcanzará el éxito, sino también el reconocimiento de marchantes, críticos y artistas. No llegará a crear escuela, pero contribuirá al desarrollo del movimiento, con la misma categoría y entidad que los demás artistas de su generación.

Fueron necesarios tres años para que el comisario, casi por suerte, descubriera la propietaria del rostro, una actriz francesa de segunda fila que no desdeñaba colaboraciones publicitarias, cuya imagen procedía de una caja de cerillas. De allí que Fanés decidiera estudiar el entorno que constituía el background de la obra con el objetivo de demostrar que este primer collage de 1899 está mucho más vinculado a la cultura popular que a la historia del arte y puede ser considerado un puente de enlace entre la cultura banal y cotidiana de la época y la aproximación más sofisticada de intelectuales y artistas.

Aunque parece una exposición de pequeño formato, por el tamaño reducido y a veces incluso diminuto de las piezas, reúne 107 obras que consiguen trazar de forma condensada la historia de Picasso con las artes gráficas, la producción seriada y la publicidad. El visitante podrá descubrir documentos poco conocidos como una portada que Picasso realizó en 1902 para el diario El liberal o la publicidad para la Lecitina Agell.

En palabras de Fanés: “A partir de 1916 Picasso introduce en la tradición posrenacentista fragmentos de artes poco conocidos y valorados como el ibérico, el oceánico y el africano; y el cubismo que está a punto de llegar se apoyará en esta yuxtaposición de lenguajes”

El collage va a determinar lo que se conoce como Cubismo Sintético; es una última fase del movimiento cubista; el hecho de que ahora aparezca el collage como elemento artístico supone el paso de la representación a la propia presenteción, alterándose la relación verdadero-falso. Picasso incluso va a pintar en la obra simulando que es material pegado, creando trampantojos. Debido a todo esto, la obra cubista se enriquece enormemente, exprimiendo al máximo sus posibilidades.

Hoy haremos referencia a un estilo que surge en la segunda mitad del siglo XX, pero que actualmente se encuentra aún a la orden del día, el conocido arte minimal. Este estilo incluso se ha extendido al mundo de la decoración, de la moda, como algo que inspira una estética moderna, de nuestro tiempo. A decir verdad, sus cimientos ya se sitúan en un período aun más posterior, con artistas como Malevich y las vanguardias constructivistas, cuyo principal objetivo era: “liberar al arte del lastre del mundo representativo, refugiarse en la forma del cuadrado”. Por lo tanto, como punto de partida se buscaban las formas puras, a partir de la cuales luego se haría la construcción, es decir, el arte se empieza a integrar en el constructivismo, un arte del pueblo y para el pueblo, buscando siempre una función.

Con el minimal se utilizarán estas formas puras, y, negando las corrientes anteriores (tratadas en otras entradas) del Pop Art o el Expresionismo Abstracto, utilizan su estética lineal para centrarse en la repetición continua de las formas. Se trata de un arte frío, geométrico y calculado con materiales industriales; aquello que se repite es el módulo: la forma cuadrangular o cúbica encargada de constituir la obra.

Esta repetición del módulo, derivó a que muchos artistas utilizaran este elemento para crear juegos artísticos, efectos de luz y creaciones de espacio. Es un intento de percibir la realidad a base de formas repetidas en donde situar al espectador. Artistas como Dan Flavin destacaron por este juego, utilizando luces de neón y utilizando ahora el componente del color.

El minimal derivó también a que se pusiera en práctica la creación de efectos de movimiento virtual, algo tremendamente innovador, en donde los entrecruzamientos de las líneas cuadrangulares de los módulos contribuyen a crear esa sensación. Además, el enriquecimiento de este estilo, que surgió simplemente con la idea de la repetición, sirvió posteriormente para expresar conceptos, es decir, arte conceptual.

El minimal, supuso el inicio de un nuevo camino que marcó al arte contemporáneo de finales del siglo XX. A través de su idea básica, se experimentaron diversos modos de tratarlo y numerosas nuevas formas artísticas, que parecen que, hoy en día, siguen sin agotarse.

El pasado miércoles, 15 de febrero, abrió sus puertas en Madrid la 31 edición de ARCO, la feria de arte más importante de España que, como cada año, reúne durante cinco días a los mejores galeristas, comisarios, críticos, directores de museos, artistas y coleccionistas de arte contemporáneo para participar tanto en su programa expositivo como en las diferentes actividades y programas que completan las propuestas de la feria. En total hay 215 galerías, de 29 países, que muestran obras de casi 3.000 artistas.

Una de las novedades más llamativas que ofrece ARCOmadrid 2012 es la selección de un artista destacado por cada galería, una iniciativa que incentiva a los expositores a proponer y reseñar a un creador en su stand con una presentación especial. Además de esta disposición específica para cada autor, ARCO destaca en su comunicación a los artistas elegidos por los responsables de las galerías participantes, y pone al alcance de críticos, comisarios y visitantes una publicación que recoge los perfiles de los seleccionados e imágenes de su obra para ayudar al público a profundizar en su trayectoria.

Además, en esta edición de ARCOmadrid, que se espera atraiga a alrededor de 150.000 visitantes, participan en diferentes actividades más de un centenar de expertos de prestigio internacional como, por ejemplo, Chris Dercon, director de la Tate Modern de Londres; Alfred Pacquement, director del Centre Pompidou de París; Ginevra Elkann, presidenta de la Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli de Turín; Susanne Gaensheimer, directora del Museum für Moderne Kunst de Fránkfurt; Yuko Hasegawa, comisaria jefe del Museum of Contemporary Art de Tokio; Luiz Camillo Osorio, comisario del Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro; Joseph del Pesco, comisario de la Kadist Art Foundation de San Francisco; Anthony Huberman, comisario jefe de The Artists Institute de Nueva York; Hedwig Fijen, directora de la International Foundation Manifesta de Ámsterdam; o Pio Baldi, presidente del MAXXI Museum de Roma.   

De los españoles que está previsto que participen en los Foros de Expertos y Encuentros Profesionales cabe destacar la presencia de Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía de Madrid; Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC de León; Rosa Martínez, comisaria independiente y directora de la Bienal de Venecia en 2005; Bartomeu Marí, director del MACBA de Barcelona; Ferrán Barenblit, director del Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid; Pablo del Val, director y comisario jefe de La Conservera de Murcia; Menene Gras, directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia (Barcelona y Madrid); Maribel López, directora comercial de ARCOmadrid, y Jimena Blázquez, directora de la Fundación Montenmedio de Cádiz. 

 ARCOmadrid es uno de los mayores acontecimientos artísticos del país que merece la pena visitar debido a la gran riqueza cultural que proporciona. Supone una experiencia en la que las sensaciones, las ideas más innovadoras y la diversidad artística se encuentran a flor de piel en cada rincón de la exposición.