La Fundación Mapfre acogerá desde el próximo sábado, 11 de febrero, la primera gran muestra monográfica que se le dedica en España al pintor francés Odilon Redon, precursor del simbolismo y del grupo de los Nabis. Realizada en colaboración con el Musée d’Orsay y comisariada por Rodolphe Rapetti (INHA, París), la muestra recorrerá la trayectora artística y el universo singular de Redon (1840, Burdeos – 1916, París) a través de 170 obras procedentes de algunas de las colecciones internacionales más importantes.

Gracias a un estilo absolutamente personal, un uso novedoso del color y de las tonalidades, y una temática basada en las complejidades del pensamiento, lo esotérico y los mecanismos del sueño, Redon influyó profundamente en las generaciones simbolistas, fauvistas y nabis, haciéndose un hueco entre los pintores más destacados de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

Su pionera atracción por el mundo de la imaginación y de los sueños, en un momento de primacía del naturalismo, lo convirtió en un pintor al margen. Su apuesta por un lenguaje personal y original hizo de él, durante mucho tiempo, uno de los artistas menos conocidos del cambio de siglo, a pesar de su celebridad en vida y de su fundamental papel en la génesis de los nuevos lenguajes y contenidos del arte moderno.

El recorrido cronológico de esta exposición parte de sus inicios como grabador bajo la tutela de Rodolphe Bresdin y llega a la época del color y de sus grandes decorados, desde lo que llamó sus Negros, en la atmósfera de los simbolistas, hasta las escenas mitológicas y el incandescente Carro de Apolo, himno a la luz. Este camino seguido por el artista de la sombra a la claridad no tiene parangón en la historia del arte y es presentado en esta muestra a través de la elección de 170 obras maestras de distintas instituciones, que comprenden óleos, dibujos, grabados, paneles decorativos y bocetos para textiles.

Además, en la muestra hay obras provenientes del Gemeentemuseum de La Haya, Museo Van Gogh y del Rijksmuseum de Ámsterdam, el Museo de Bellas Artes de Burdeos, el Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe, así como de importantes colecciones particulares extranjeras.

Anteriormente, ya veíamos la intensidad de los contenidos de la pintura simbolista; ahora, se nos ofrece la oportunidad de observar 170 obras de uno de sus principales artistas; sin duda, merecerá la pena.

Hoy es arte

 Munch, así pues, nos transmite una sensación de lo más inquietante; es posible que en esta obra concretamente sea donde encontramos la máxima fuerza expresiva de su pintura, pues él, presenta unas características más asociadas a la temática del simbolismo: la figura de la mujer, el silencio, la reflexión, la mirada a uno mismo, la tristeza… es decir, la plasmación de elementos que no van hacia a fuera, como la ira, sino hacia el interior de uno mismo. La melancolía y los problemas de la propia mente serán los que Munch represente. En el cuadro de El Grito, aunque vemos fuerza y expresión clara en su modalidad, el tema no es más que el estado personal y psicológico de la figura que vemos representada, siendo tanta su agonía, que rompe ese silencio propio del simbolismo en un ahogado y desesperado grito, ojos desorbitados y mejillas hundidas que nos hacen pensar que algo terrible debió de haber sucedido.

Es interesante ahora, remontarnos un poco hasta su inicio para observar los rasgos propios de esta característica catedral y la singularidad de su historia. Esta maravillosa obra fue realizada sin apoyo financiero episcopal, empleándose únicamente las donaciones de los feligreses. El impulsor de su construcción fue José María Bocabella, propietario de una librería religiosa. En un primer momento, asignó el proyecto el arquitecto Francisco del Villar, quien se dispuso en1882 aconstruir una catedral neogótica. Debido a una enemistad entre ellos, el proyecto quedó posteriormente en manos de Antonio Gaudí, que a sus 31 años de edad aceptó los encargos de construcción más importantes del cambio de siglo. En primer lugar, completó la cripta que había sido iniciada siguiendo las premisas neogóticas, celebrándose la primera misa en1891. Acontinuación se centró en la fachada este, que diseñó a manera novedosa gracias a un sistema de triángulos superpuestos; la ornamentación de esta fachada la consagró al tema del nacimiento de Jesucristo; el estilo era muy naturalista, formas sacadas de la vegetación: hojas, ramas, flores, palmeras…. Los pórticos estaban dedicados a la Fe, la Caridad y la Esperanza, realizados con un gran efecto plástico. Más tarde, en 1917, concluyó la fachada oeste, en la que planteó un programa reducido de figuras y dispuso todo bajo la imagen de la Pasión de Jesús. Por último, las cuatro torres que se elevan desde la fachada este fueron las últimas partes que se pudieron concluir bajo la dirección de Gaudí. Todos estos elementos estaban pensados para enfatizar el mensaje de la historia de Cristo por la Iglesia, destacando la importancia que Gaudí otorgó a la luz en ese papel: “La forma parabólica de las torres constituye la unión entre gravedad y luz. Arriba del todo de la catedral se debe fijar un faro, como si se tratase de la luz natural que brilla desde el cielo. Este faro debe dotar de vida y esplendor a la catedral los días festivos y, a su vez, debe ser la decoración más bella de la ciudad”.

Nadie sospechaba que el hombre de avanzada edad y traje raído que fue llevado al hospital de pobres el 7 de junio de 1926, fuera en realidad el famoso arquitecto Antonio Gaudí. Un tranvía lo había atropellado cuando volvía de la feria a su taller, situado dentro de la propia catedral. Cuando murió tres días después, fue enterrado en la cripta de dicho edificio, dejándolo así inacabado hasta nuestros días.

Gaudí era conocido más allá de las fronteras españolas como un arquitecto genial. Como representante del modernismo catalán influyó notablemente en la imagen de Barcelona, considerándose sus construcciones soluciones arquitectónicas sorprendentes y novedosas en dirección a la modernidad. Sin duda, Gaudí nos dejó un gran reto: acabar la Sagrada Familia y ser capaces de alcanzar la gran visión que proyectó este genio de la arquitectura.

De esta manera, numerosos artistas trataron este tema en sus obras; Klimt, en la gran mayoría de sus trabajos introdujo este tipo de mujer, incluso llegando a presentarla masturbándose, algo que le supuso numerosos enfrentamientos. Sin embargo, el papel de la mujer como femme fatale llama más la atención en los cuadros que pintó Franz von Stuck a partir de 1893. Se ocupó del tema del pecado; la mujer presentaba un cuerpo muy blanco, en su sugerente contraste con el fondo oscuro y aumentando la atmósfera excitante cubriéndose con una capa de piel animal. Era característico en él realizar una combinación arriesgada entre mujer y víbora, que representaba un inequívoco símbolo fálico.
De modo que, justo en un momento en que la moral predominante era bastante restrictiva con temas como el erotismo y la lujuria, parece que la imaginación tomo alas; incluso personajes como Charles Baudelaire recurrieron a un lenguaje mucho más drástico para explicar el personaje de la femme fatale: “la hembra tiene hambre y quiere comer”. Así, mientras que en la vida real las trabajadoras de las fábricas se agotaban en interminables jornadas de trabajo y las sufragistas se manifestaban  a favor del derecho al voto de las mujeres, en el mundo artístico aparecía paralelamente el mito de la femme fatale.

En los sueños, experimentamos a menudo la extraña sensación de que las personas y los objetos se combinan y cambian de lugar. Uno de los principales artistas surrealistas por excelencia que deja claramente en sus obras este rasgo es Salvador Dalí. En muchos de sus cuadros deja mezclados fragmentos insólitos e incoherentes del mundo real, plasmados con una gran exactitud, dándonos la sensación obsesiva de que debe existir algún sentido en esa aparente locura. Este modo de realizar sus obras tiene el nombre de método paranoico-crítico. Pondremos varios ejemplos en los que en un mismo cuadro se pueden ver varias imágenes.

Obras como estas nos hacen pensar en la razón por la cual los artistas del s. XX no se contentan con representar sencillamente lo que ven. También ellos han llegado a darse cuenta de los muchos problemas que se ocultan tras esa búsqueda. Saben que el artista que quiere representar una cosa real, no tiene que empezar por abrir sus ojos, sino profundizar en su interior y descubrir qué es lo que le hace crear obras de arte.

“El pop es amor porque lo acepta todo… pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo…” Robert Indiana

El Pop Art tuvo dos principales focos en Estados Unidos y en Inglaterra entre los años 1956 y 1970. El Pop Art inglés será más intelectualizado que el estadounidense y desarrollará en gran medida la técnica del collage, ya muy utilizada por los dadaístas. De hecho, ¡qué mejor que la utilización de elementos propios de la cultura popular como revistas, iconos de la televisión o anuncios para crear una obra pop! Además, la principal crítica del Pop Art iba encaminada a la corriente del Expresionismo Abstracto, que se caracterizaba por ser un estilo personal, subjetivo, individual y lleno de simbolismos no accesibles al público, de ahí que el Pop Art buscara elementos totalmente contrarios: es directo, se dirige a la sociedad, es el arte de todos. En Inglaterra, además, todos estos elementos serán tratados con especial humor.

Una de las obras más significativas las tenemos con Richard Hamilton en su obra Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (¿Qué es eso que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?).

Se trata de una obra considerada iniciadora del Pop Art que presenta un malicioso título. Dirige la mirada hacia la civilización urbana moderna y a sus formas de expresión visuales, pero sin dejar de ser crítico a través del humor. Este agresivo collage presenta los principales cimientos de la cultura popular industrial: los vistosos cuerpos artificiales tanto masculinos como femeninos, los procesos contemporáneos de transmisión de sonido e imágenes, la higiénica atmósfera del hogar moderno, el mobiliario impersonal junto con numerosos carteles, emblemas de marcas, cine —tras la figura masculina aparece el anuncio de El cantor de Jazz, considerado del primer filme sonoro de la historia—  televisión, el cuadro del cómic mucho más grande que el retrato tradicional y aburrido que se presenta a su lado, la alfombra que nos recuerda curiosamente a una obra del expresionismo abstracto americano, como un elemento que hay que pisar y, por último, las letras “POP” de la funda de la raqueta del hombre en las que muchos creen encontrar el origen del nombre de este estilo artístico.

Es curiosa la forma en la que se plasman todos los elementos que posteriormente formarán parte del desarrollo estilístico del Pop Art; sin duda, marca el inicio de una revolución artística, pero no la encarna, sino que se limita a ofrecerle sus servicios como lanzadera. Llama la atención, el importante influjo del Dadaísmo aquí presente, como el elemento que desencadenó esta “locura” en el arte y en la sociedad, que se burla de sí misma al mismo tiempo que disfruta del progreso y bienestar que se estaba generando tras el período de guerras. Sin embargo, hay que tener en cuenta que el Pop Art fue el resultado de una ensoñación, de un juego que no fue del todo consciente del camino que se estaba produciendo en la sociedad, pasando de la modernidad a la postmodernidad, de un espíritu juvenil a uno envejecido que aún sueña con encontrar el camino para regenerarse.

Si vives en Madrid tienes una visita obligada al Templo de Debod, probablemente ya lo conozcas, o ya habrás oído hablar de él. Pero antes de irte a otros países en busca de cultura, ¡ recorre bien el tuyo!

El Templo de Debod fue un regalo de Egipto a España, por la ayuda prestada, en 1968. Se sitúa en el paseo de Pintor Rosales, en Madrid, y la entrada es gratuita. Las piedras se conservan perfectamente, a pesar de sus 2.200 años de antigüedad y de cómo se trasladó de Egipto a España; desmontándolo.

Los arqueólogos españoles tuvieron una tarea dificil a la hora de montarlo, ya que las instrucciones no se correspondían con los número de los bloques que habían enviado, tenían que tener en cuenta la orientación del Templo, para que no fuese diferente a al que tenía en Egipto y muchas de las numeraciones se borraron. Parece un milagro que consiguiesen reconstruirlo y que quedase tan bien.

Resumiendo, es un monumento que tiene mucha historia, y que tenemos que visitar si lo tenemos cerca, además la entrada es gratuita. Incluso por la noche es recomendable verlo, porque las luces y los reflejos en el agua son algo espectacular.

El Museo Reina Sofía de Madrid hizo público el listado de obras de arte adquiridas durante la feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCOmadrid 2010. Esta vez el centro de arte compró una docena de ellas de nueve artistas diferentes, entre las que se encuentran  pinturas, vídeos, fotografía, instalaciones  y obra sobre papel que datan desde 1934 a 2009, incrementando así el fondo del museo. En total se ha invertido más de 900.000 Euros.

Las obras que ahora pasan a formar parte del Reina Sofía Sofía son:

·Mariposas perdidas en la montaña, un óleo sobre lienzo de Oscar Domínguez. (Imagen que abre esta entrada).

·Dos obras de Esther Ferrer, Intimo y personal, fotografía de los años 1970 y el vídeo Mallarmé Revisé (1968).

·Un óleo sobre lienzo sin título realizado en 1972 por Jo Baer.

·Tres grabados de Martha Rosler: Know your servant series, No 1: North American waitress y Coffee shop (realizados en 1976); además de la fotografía y audio instalación She sees in herself a new woman every day, de la misma artista.

·Un lienzo en técnica mixta sin título realizado por Öyvind Fahlström en 1958.

·Una obra sobre papel sin título realizado en 1955 por Pablo Palazuelo.

· La obra a lápiz sobre papel de calco Anteproyectos de cárceles (tríptico), de Horacio Zabala.

·La serie de cuatro fotografías Triangle y el vídeo Instructions nº 1, de Sanja Ivekovic.

·La obra de técnica mixta de Joëlle Tuerlinckx, Podium pieces (2009).

Vía | Europapress

Y es que no ganamos para sustos, después de los robos acontecidos en Oslo de dos obras de Munch, leyendo la prensa nos enteramos de que un importante cuadro del pintor malagueño Pablo Picasso ha sido arruinado por obra y arte de un codazo inoportuno pero accidental por parte de una estudiante que visitaba el Metropolitan de Nueva York.

El cuadro dañado, que responde al nombre de “El Actor” (imagen que abre esta entrada) no es el primero en sufrir un daño de estas características, pues hace unos años, “El Sueño” (también de Picasso) fue víctima de otro golpe producido por el codo del magnate de los casinos Steve Wynn, aunque aquella vez, la raja producida en el lienzo fue irreparable, lo que hizo que el cuadro no llegara a venderse pese a estar ya apalabrado para su venta.

Esta vez, los daños han sido menores: una brecha de quince centímetros de longitud, teniendo en cuenta las dimesiones de la pintura; dos metros de alto por uno de ancho. Al parecer, la estudiante que visitaba el muse0 perdió el equilibrio y se abalanzó sin querer sobre la obra, dejando su huella en la parte inferior derecha.

Según los conservadores del museo, el diagnóstico de lo ocurrido no es tan grave como podría haber sido, pues la situación de la brecha no está en “el punto focal” y la restauración podrá salvar esta obra que lleva exhibiéndose en el Metropolitan desde 1952, cuando una de las  herederas del imperio Chrysler lo donó al centro neoyorquino.

Vía | El País

Rodtchenko y las mujeres

El juego de la mujer es el sugerente título de una exposición de fotografía imprescindible, que alberga el Espacio para el Arte Zaragoza. La muestra recoge la obra de uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta, Alexandre Rodtchenko.
Rodtchenko fue una de las principales figuras del constructivismo, conocido internacionalmente por sus elaborados fotomontajes propagandísticos del nuevo régimen soviético y su intenso trabajo fotografiando a las mujeres de su época, pertenecientes a su círculo íntimo –retrató incontables veces a su mujer, Varvara Stepanova–, o bien heroínas de la revolución bolchevique.

 
El juego de la mujer recoge 86 fotografías en blanco y negro, muchas de ellas inéditas, a través de las cuales Rodtchenko logra dar su personal punto de vista del devenir soviético. Dividida en tres secciones, la exposición hace un amplio recorrido que parte del círculo familiar del artista –imágenes de su esposa, madre, amantes–, pasando por retratar a sus amistades del mundo de la vanguardia artística –modelos, pintoras, fotógrafas o directoras de cine–, hasta finalizar con un amplio elenco de mujeres anónimas que surgen de la revolución soviética –obreras de fábricas, trabajadoras de astilleros, deportistas de elite–. El resultado final de este detenido camino es construir una imagen de la mujer soviética idealizada, convertida en icono oficial.
La muestra, que incluye algunas de las fotografías más emblemáticas de Rodtchenko, como “Lili Brick posando para el cartel publicitario Livres”, está producida por el Musée de l’Elysée y Obra Social Caja Madrid. 

INFORMACIÓN
Espacio para el Arte de Obra Social Caja Madrid en Zaragoza (Pza. de Aragón, 4). Horario: de martes a sábado, de 10 a 13 h y de 17 a 21 h. Domingos: de 11 a 14 h.  Tel.: 976 239 262.
Del 22 de enero al 22 de marzo de 2009.