La obra salió a la venta por 40 millones de dólares y fue subiendo a lo largo de 12 minutos hasta los 107 millones de dólares, cifra a la que habría que sumar los casi 13 millones de comisión.

El grito supera de esta forma la marca fijada en 2010 por el lienzo de Picasso Desnudo, hojas verdes y busto, vendido por 81 millones de euros. El récord de venta entre privados lo tiene el cuadro de Cézanne Los jugadores de cartas (1892-93), adquirido por la familia real de Qatar en 2011 y que se cree que costó 191 millones de euros.

La obra de Munch, que data de 1895, pertenecía al empresario Petter Olsen, cuyo padre, Thomas, fue amigo, vecino y patrono de Munch. Esta venta coincide en un momento de gran interés en torno al artista, ya que en 2013 se celebra el 150 aniversario de su nacimiento.

Hoy haremos referencia a un estilo que surge en la segunda mitad del siglo XX, pero que actualmente se encuentra aún a la orden del día, el conocido arte minimal. Este estilo incluso se ha extendido al mundo de la decoración, de la moda, como algo que inspira una estética moderna, de nuestro tiempo. A decir verdad, sus cimientos ya se sitúan en un período aun más posterior, con artistas como Malevich y las vanguardias constructivistas, cuyo principal objetivo era: “liberar al arte del lastre del mundo representativo, refugiarse en la forma del cuadrado”. Por lo tanto, como punto de partida se buscaban las formas puras, a partir de la cuales luego se haría la construcción, es decir, el arte se empieza a integrar en el constructivismo, un arte del pueblo y para el pueblo, buscando siempre una función.

Con el minimal se utilizarán estas formas puras, y, negando las corrientes anteriores (tratadas en otras entradas) del Pop Art o el Expresionismo Abstracto, utilizan su estética lineal para centrarse en la repetición continua de las formas. Se trata de un arte frío, geométrico y calculado con materiales industriales; aquello que se repite es el módulo: la forma cuadrangular o cúbica encargada de constituir la obra.

Esta repetición del módulo, derivó a que muchos artistas utilizaran este elemento para crear juegos artísticos, efectos de luz y creaciones de espacio. Es un intento de percibir la realidad a base de formas repetidas en donde situar al espectador. Artistas como Dan Flavin destacaron por este juego, utilizando luces de neón y utilizando ahora el componente del color.

El minimal derivó también a que se pusiera en práctica la creación de efectos de movimiento virtual, algo tremendamente innovador, en donde los entrecruzamientos de las líneas cuadrangulares de los módulos contribuyen a crear esa sensación. Además, el enriquecimiento de este estilo, que surgió simplemente con la idea de la repetición, sirvió posteriormente para expresar conceptos, es decir, arte conceptual.

El minimal, supuso el inicio de un nuevo camino que marcó al arte contemporáneo de finales del siglo XX. A través de su idea básica, se experimentaron diversos modos de tratarlo y numerosas nuevas formas artísticas, que parecen que, hoy en día, siguen sin agotarse.

El pasado miércoles, 15 de febrero, abrió sus puertas en Madrid la 31 edición de ARCO, la feria de arte más importante de España que, como cada año, reúne durante cinco días a los mejores galeristas, comisarios, críticos, directores de museos, artistas y coleccionistas de arte contemporáneo para participar tanto en su programa expositivo como en las diferentes actividades y programas que completan las propuestas de la feria. En total hay 215 galerías, de 29 países, que muestran obras de casi 3.000 artistas.

Una de las novedades más llamativas que ofrece ARCOmadrid 2012 es la selección de un artista destacado por cada galería, una iniciativa que incentiva a los expositores a proponer y reseñar a un creador en su stand con una presentación especial. Además de esta disposición específica para cada autor, ARCO destaca en su comunicación a los artistas elegidos por los responsables de las galerías participantes, y pone al alcance de críticos, comisarios y visitantes una publicación que recoge los perfiles de los seleccionados e imágenes de su obra para ayudar al público a profundizar en su trayectoria.

Además, en esta edición de ARCOmadrid, que se espera atraiga a alrededor de 150.000 visitantes, participan en diferentes actividades más de un centenar de expertos de prestigio internacional como, por ejemplo, Chris Dercon, director de la Tate Modern de Londres; Alfred Pacquement, director del Centre Pompidou de París; Ginevra Elkann, presidenta de la Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli de Turín; Susanne Gaensheimer, directora del Museum für Moderne Kunst de Fránkfurt; Yuko Hasegawa, comisaria jefe del Museum of Contemporary Art de Tokio; Luiz Camillo Osorio, comisario del Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro; Joseph del Pesco, comisario de la Kadist Art Foundation de San Francisco; Anthony Huberman, comisario jefe de The Artists Institute de Nueva York; Hedwig Fijen, directora de la International Foundation Manifesta de Ámsterdam; o Pio Baldi, presidente del MAXXI Museum de Roma.   

De los españoles que está previsto que participen en los Foros de Expertos y Encuentros Profesionales cabe destacar la presencia de Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía de Madrid; Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC de León; Rosa Martínez, comisaria independiente y directora de la Bienal de Venecia en 2005; Bartomeu Marí, director del MACBA de Barcelona; Ferrán Barenblit, director del Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid; Pablo del Val, director y comisario jefe de La Conservera de Murcia; Menene Gras, directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia (Barcelona y Madrid); Maribel López, directora comercial de ARCOmadrid, y Jimena Blázquez, directora de la Fundación Montenmedio de Cádiz. 

 ARCOmadrid es uno de los mayores acontecimientos artísticos del país que merece la pena visitar debido a la gran riqueza cultural que proporciona. Supone una experiencia en la que las sensaciones, las ideas más innovadoras y la diversidad artística se encuentran a flor de piel en cada rincón de la exposición.

La Fundación Mapfre acogerá desde el próximo sábado, 11 de febrero, la primera gran muestra monográfica que se le dedica en España al pintor francés Odilon Redon, precursor del simbolismo y del grupo de los Nabis. Realizada en colaboración con el Musée d’Orsay y comisariada por Rodolphe Rapetti (INHA, París), la muestra recorrerá la trayectora artística y el universo singular de Redon (1840, Burdeos – 1916, París) a través de 170 obras procedentes de algunas de las colecciones internacionales más importantes.

Gracias a un estilo absolutamente personal, un uso novedoso del color y de las tonalidades, y una temática basada en las complejidades del pensamiento, lo esotérico y los mecanismos del sueño, Redon influyó profundamente en las generaciones simbolistas, fauvistas y nabis, haciéndose un hueco entre los pintores más destacados de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

Su pionera atracción por el mundo de la imaginación y de los sueños, en un momento de primacía del naturalismo, lo convirtió en un pintor al margen. Su apuesta por un lenguaje personal y original hizo de él, durante mucho tiempo, uno de los artistas menos conocidos del cambio de siglo, a pesar de su celebridad en vida y de su fundamental papel en la génesis de los nuevos lenguajes y contenidos del arte moderno.

El recorrido cronológico de esta exposición parte de sus inicios como grabador bajo la tutela de Rodolphe Bresdin y llega a la época del color y de sus grandes decorados, desde lo que llamó sus Negros, en la atmósfera de los simbolistas, hasta las escenas mitológicas y el incandescente Carro de Apolo, himno a la luz. Este camino seguido por el artista de la sombra a la claridad no tiene parangón en la historia del arte y es presentado en esta muestra a través de la elección de 170 obras maestras de distintas instituciones, que comprenden óleos, dibujos, grabados, paneles decorativos y bocetos para textiles.

Además, en la muestra hay obras provenientes del Gemeentemuseum de La Haya, Museo Van Gogh y del Rijksmuseum de Ámsterdam, el Museo de Bellas Artes de Burdeos, el Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe, así como de importantes colecciones particulares extranjeras.

Anteriormente, ya veíamos la intensidad de los contenidos de la pintura simbolista; ahora, se nos ofrece la oportunidad de observar 170 obras de uno de sus principales artistas; sin duda, merecerá la pena.

Hoy es arte

 Munch, así pues, nos transmite una sensación de lo más inquietante; es posible que en esta obra concretamente sea donde encontramos la máxima fuerza expresiva de su pintura, pues él, presenta unas características más asociadas a la temática del simbolismo: la figura de la mujer, el silencio, la reflexión, la mirada a uno mismo, la tristeza… es decir, la plasmación de elementos que no van hacia a fuera, como la ira, sino hacia el interior de uno mismo. La melancolía y los problemas de la propia mente serán los que Munch represente. En el cuadro de El Grito, aunque vemos fuerza y expresión clara en su modalidad, el tema no es más que el estado personal y psicológico de la figura que vemos representada, siendo tanta su agonía, que rompe ese silencio propio del simbolismo en un ahogado y desesperado grito, ojos desorbitados y mejillas hundidas que nos hacen pensar que algo terrible debió de haber sucedido.

Es interesante ahora, remontarnos un poco hasta su inicio para observar los rasgos propios de esta característica catedral y la singularidad de su historia. Esta maravillosa obra fue realizada sin apoyo financiero episcopal, empleándose únicamente las donaciones de los feligreses. El impulsor de su construcción fue José María Bocabella, propietario de una librería religiosa. En un primer momento, asignó el proyecto el arquitecto Francisco del Villar, quien se dispuso en1882 aconstruir una catedral neogótica. Debido a una enemistad entre ellos, el proyecto quedó posteriormente en manos de Antonio Gaudí, que a sus 31 años de edad aceptó los encargos de construcción más importantes del cambio de siglo. En primer lugar, completó la cripta que había sido iniciada siguiendo las premisas neogóticas, celebrándose la primera misa en1891. Acontinuación se centró en la fachada este, que diseñó a manera novedosa gracias a un sistema de triángulos superpuestos; la ornamentación de esta fachada la consagró al tema del nacimiento de Jesucristo; el estilo era muy naturalista, formas sacadas de la vegetación: hojas, ramas, flores, palmeras…. Los pórticos estaban dedicados a la Fe, la Caridad y la Esperanza, realizados con un gran efecto plástico. Más tarde, en 1917, concluyó la fachada oeste, en la que planteó un programa reducido de figuras y dispuso todo bajo la imagen de la Pasión de Jesús. Por último, las cuatro torres que se elevan desde la fachada este fueron las últimas partes que se pudieron concluir bajo la dirección de Gaudí. Todos estos elementos estaban pensados para enfatizar el mensaje de la historia de Cristo por la Iglesia, destacando la importancia que Gaudí otorgó a la luz en ese papel: “La forma parabólica de las torres constituye la unión entre gravedad y luz. Arriba del todo de la catedral se debe fijar un faro, como si se tratase de la luz natural que brilla desde el cielo. Este faro debe dotar de vida y esplendor a la catedral los días festivos y, a su vez, debe ser la decoración más bella de la ciudad”.

Nadie sospechaba que el hombre de avanzada edad y traje raído que fue llevado al hospital de pobres el 7 de junio de 1926, fuera en realidad el famoso arquitecto Antonio Gaudí. Un tranvía lo había atropellado cuando volvía de la feria a su taller, situado dentro de la propia catedral. Cuando murió tres días después, fue enterrado en la cripta de dicho edificio, dejándolo así inacabado hasta nuestros días.

Gaudí era conocido más allá de las fronteras españolas como un arquitecto genial. Como representante del modernismo catalán influyó notablemente en la imagen de Barcelona, considerándose sus construcciones soluciones arquitectónicas sorprendentes y novedosas en dirección a la modernidad. Sin duda, Gaudí nos dejó un gran reto: acabar la Sagrada Familia y ser capaces de alcanzar la gran visión que proyectó este genio de la arquitectura.

De esta manera, numerosos artistas trataron este tema en sus obras; Klimt, en la gran mayoría de sus trabajos introdujo este tipo de mujer, incluso llegando a presentarla masturbándose, algo que le supuso numerosos enfrentamientos. Sin embargo, el papel de la mujer como femme fatale llama más la atención en los cuadros que pintó Franz von Stuck a partir de 1893. Se ocupó del tema del pecado; la mujer presentaba un cuerpo muy blanco, en su sugerente contraste con el fondo oscuro y aumentando la atmósfera excitante cubriéndose con una capa de piel animal. Era característico en él realizar una combinación arriesgada entre mujer y víbora, que representaba un inequívoco símbolo fálico.
De modo que, justo en un momento en que la moral predominante era bastante restrictiva con temas como el erotismo y la lujuria, parece que la imaginación tomo alas; incluso personajes como Charles Baudelaire recurrieron a un lenguaje mucho más drástico para explicar el personaje de la femme fatale: “la hembra tiene hambre y quiere comer”. Así, mientras que en la vida real las trabajadoras de las fábricas se agotaban en interminables jornadas de trabajo y las sufragistas se manifestaban  a favor del derecho al voto de las mujeres, en el mundo artístico aparecía paralelamente el mito de la femme fatale.

En los sueños, experimentamos a menudo la extraña sensación de que las personas y los objetos se combinan y cambian de lugar. Uno de los principales artistas surrealistas por excelencia que deja claramente en sus obras este rasgo es Salvador Dalí. En muchos de sus cuadros deja mezclados fragmentos insólitos e incoherentes del mundo real, plasmados con una gran exactitud, dándonos la sensación obsesiva de que debe existir algún sentido en esa aparente locura. Este modo de realizar sus obras tiene el nombre de método paranoico-crítico. Pondremos varios ejemplos en los que en un mismo cuadro se pueden ver varias imágenes.

Obras como estas nos hacen pensar en la razón por la cual los artistas del s. XX no se contentan con representar sencillamente lo que ven. También ellos han llegado a darse cuenta de los muchos problemas que se ocultan tras esa búsqueda. Saben que el artista que quiere representar una cosa real, no tiene que empezar por abrir sus ojos, sino profundizar en su interior y descubrir qué es lo que le hace crear obras de arte.

“El pop es amor porque lo acepta todo… pop es lanzar la bomba. Es el sueño americano, optimista, generoso e ingenuo…” Robert Indiana

El Pop Art tuvo dos principales focos en Estados Unidos y en Inglaterra entre los años 1956 y 1970. El Pop Art inglés será más intelectualizado que el estadounidense y desarrollará en gran medida la técnica del collage, ya muy utilizada por los dadaístas. De hecho, ¡qué mejor que la utilización de elementos propios de la cultura popular como revistas, iconos de la televisión o anuncios para crear una obra pop! Además, la principal crítica del Pop Art iba encaminada a la corriente del Expresionismo Abstracto, que se caracterizaba por ser un estilo personal, subjetivo, individual y lleno de simbolismos no accesibles al público, de ahí que el Pop Art buscara elementos totalmente contrarios: es directo, se dirige a la sociedad, es el arte de todos. En Inglaterra, además, todos estos elementos serán tratados con especial humor.

Una de las obras más significativas las tenemos con Richard Hamilton en su obra Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (¿Qué es eso que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?).

Se trata de una obra considerada iniciadora del Pop Art que presenta un malicioso título. Dirige la mirada hacia la civilización urbana moderna y a sus formas de expresión visuales, pero sin dejar de ser crítico a través del humor. Este agresivo collage presenta los principales cimientos de la cultura popular industrial: los vistosos cuerpos artificiales tanto masculinos como femeninos, los procesos contemporáneos de transmisión de sonido e imágenes, la higiénica atmósfera del hogar moderno, el mobiliario impersonal junto con numerosos carteles, emblemas de marcas, cine —tras la figura masculina aparece el anuncio de El cantor de Jazz, considerado del primer filme sonoro de la historia—  televisión, el cuadro del cómic mucho más grande que el retrato tradicional y aburrido que se presenta a su lado, la alfombra que nos recuerda curiosamente a una obra del expresionismo abstracto americano, como un elemento que hay que pisar y, por último, las letras “POP” de la funda de la raqueta del hombre en las que muchos creen encontrar el origen del nombre de este estilo artístico.

Es curiosa la forma en la que se plasman todos los elementos que posteriormente formarán parte del desarrollo estilístico del Pop Art; sin duda, marca el inicio de una revolución artística, pero no la encarna, sino que se limita a ofrecerle sus servicios como lanzadera. Llama la atención, el importante influjo del Dadaísmo aquí presente, como el elemento que desencadenó esta “locura” en el arte y en la sociedad, que se burla de sí misma al mismo tiempo que disfruta del progreso y bienestar que se estaba generando tras el período de guerras. Sin embargo, hay que tener en cuenta que el Pop Art fue el resultado de una ensoñación, de un juego que no fue del todo consciente del camino que se estaba produciendo en la sociedad, pasando de la modernidad a la postmodernidad, de un espíritu juvenil a uno envejecido que aún sueña con encontrar el camino para regenerarse.

Si vives en Madrid tienes una visita obligada al Templo de Debod, probablemente ya lo conozcas, o ya habrás oído hablar de él. Pero antes de irte a otros países en busca de cultura, ¡ recorre bien el tuyo!

El Templo de Debod fue un regalo de Egipto a España, por la ayuda prestada, en 1968. Se sitúa en el paseo de Pintor Rosales, en Madrid, y la entrada es gratuita. Las piedras se conservan perfectamente, a pesar de sus 2.200 años de antigüedad y de cómo se trasladó de Egipto a España; desmontándolo.

Los arqueólogos españoles tuvieron una tarea dificil a la hora de montarlo, ya que las instrucciones no se correspondían con los número de los bloques que habían enviado, tenían que tener en cuenta la orientación del Templo, para que no fuese diferente a al que tenía en Egipto y muchas de las numeraciones se borraron. Parece un milagro que consiguiesen reconstruirlo y que quedase tan bien.

Resumiendo, es un monumento que tiene mucha historia, y que tenemos que visitar si lo tenemos cerca, además la entrada es gratuita. Incluso por la noche es recomendable verlo, porque las luces y los reflejos en el agua son algo espectacular.