Así, en el ciclo «El genio de Hitchcock», que se prolongará desde junio a octubre, podrán verse nada menos que las 58 películas que se conservan del director británico, incluyendo clásicos como «Rebeca», «Los pájaros», «Psicosis» o «Vértigo». Pero el plato fuerte será la presentación en sociedad de nueve películas mudas que se han restaurado cuidadosamente a lo largo de los últimos tres años: filmes como «La muchacha de Londres», «The Ring» o «The Pleasure Garden», que además formarán parte de la programación cultural de los Juegos Olímpicos de Londres, aderezados con nuevas partituras compuestas por músicos como Neil Brand y Soweto Kinch, y hasta con orquesta en directo, como en el caso de «La muchacha de Londres», que además se proyectará al aire libre en el Mueseo Británico, donde fue rodada en 1929.

Otras interesantes actividades del «verano Hitchcock» será una entrevista pública a una de sus musas, la actriz Tippi Hedren, mujer de la que se dice que Hitchcock estuvo locamente enamorado, hasta el punto de ser obsesivo, cuando trabajaron juntos en el rodaje de <<Los pajaros>> y <<Marnie, la ladrona>>, donde Tippi Hedren era protagonista. También saldrá, además, un completo libro sobre el cineasta titulado «39 Steps to the Genius of Hitchcock>>.

            En 1960, con la realización de Psicosis, Hitchcock llegó a su etapa dorada, pero, curiosamente, al período más oscuro de su vida. A partir de ahora, sus películas serán un reflejo de los traumas de su infancia. Por ello, todo el mundo del psicoanálisis que hemos visto en entradas anteriores respecto al surrealismo, lo podemos aplicar en la carrera cinematográfica del director, que dejó plasmado su oscuro pasado y su complicada personalidad en su obra.

            La película Psicosis es la que más se centra en este tema; el asesino cree ser dos personas a la vez: él mismo, que oculta los crímenes de su madre, y su propia madre, la peligrosa asesina. Hay aquí la temática de un cierto edipismo; vemos una dependencia e unión total, hasta el punto de llevarle a la doble personalidad, del personaje con su madre, algo que destaca en más personajes hitchcockianos. Atendiendo a la relación que esto podría tener con Hitchcock, vemos que él perdió a su padre cuando era un adolescente, algo que hizo que su madre lo tuviera siempre excesivamente controlado hasta el punto de ser obsesivo. En la escuela, desde la infancia, tuvo conductas sadistas derivadas del trauma de la enseñanza religiosa y el profundo maltrato, que le condicionó un carácter rebelde y arisco. Así, en la película observamos también la fobia a la policía y a las aves, algo que ya anunciaba su siguiente película, Los pájaros.

            Finalmente, en la penúltima escena de la película vemos la propia explicación psicoanalítica del detective para explicar los hechos, las razones por las cuales se cometieron los asesinatos y el desvelamiento del misterio del personaje de Norman. El hecho de que Hitchcock plasmara su propia personalidad en su filmografía contribuyó a que se le valorara como un genio, logra hacernos ver que podemos sentir empatía hacia estos aspectos, pues todos teneos una tensión interna que generan nuestros deseos contradictorios, la batalla de nuestro consciente e inconsciente en busca de la armonía de nuestra persona. Así, a través de su técnica somos los espectadores del mismo Alfred Hitchcock. Sin duda, él fue quien de seguir el camino marcado por el surrealismo y las teorías psicoanalíticas haciéndolo avanzar hacia la modernidad, utilizando el suspense para contribuir a la creación del género de terror.

En estos días, empezaremos una temática centrada en el cine. La primera película a la que haré referencia, que está en relación con la entrada anterior, es la obra maestra de Luis Buñuel y Salvador Dalí, Un perro andaluz, realizada en 1929. Se trata de un cortometraje considerado el más significativo del cine surrealista. Tanto Buñuel como Dalí expresan a través de imágenes sus sueños y delirios, como la escena de las hormigas en la mano – a las que Dalí tenía fobia real- o la más representativa del filme, la del ojo cortado por una navaja –imagen soñada e interpretada por el propio Buñuel.

            La película, al igual que una pintura surrealista donde vemos que sus elementos representados pueden no presentar relación, no se compone de esquema lineal, no es que esté oculto su sentido, simplemente no lo tiene, no hay un trasfondo, es pura imagen onírica. Así, se plasma perfectamente ese universo, donde salen a la luz nuestros miedos, nuestros impulsos más primitivos, nuestros deseos… Vemos incluso escenas no del todo claras, elementos que aparecen y desaparecen, el vacío, ¡incluso el sentimiento de incapacidad de andar bien o alcanzar una cosa concreta!

            La escena del ojo cortado, sin embargo, no es casualidad que se presente al principio de la película. Se trata de un cegar la mirada convencional para que surja la mirada asomada al interior, algo que promovía el surrealismo, como se puede apreciar en los versos del poeta favorito de Buñuel, Benjamin Péret:

Si existe un placer
es el de hacer el amor
el cuerpo rodeado de cuerdas
y los ojos cerrados por navajas de afeitar

            El propio Buñuel explicó que “para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz.”

             Así, no queda más que disfrutar de la película e investigar nuestras propias sensaciones de los sueños de dos de las personalidades del mundo surrealista más representativas. Después de todo, seamos artistas o no, el surrealismo no es más que la parte escondida de nuestra razón, todos tenemos sueños, todos encontraremos en El perro andaluz alguna escena que nos lleve hacia nuestro interior.

Pinchen en el siguente enlace para verla:  Un perro andaluz

Cartel de "La Caja" de Juan Carlos Falcón

Mi pasión por el cine es algo obvio, lo concibo como un verdadero Arte. Sin duda alguna, plasmar y recoger esencias y sentimientos -entre otras cosas- en una cinta no merece una menor etiqueta y me alegra sobremanera cuando se hacen reconocimientos a este nivel, sobre todo si la obra en cuestión ha nacido de la entrañas de nuestra tierra.

Es el caso de la ópera prima del director Juan Carlos Falcón, de nombre La Caja, la cual se estrenó en nuestro país en 2007 y a día de hoy sigue cosechando éxitos. El último, su exhibición desde el pasado día 5 de noviembre en el Museo Moma de Nueva York. La pieza podrá verse hasta el día 13 del mismo mes.

Protagonizada por Ángela Molina, Elvira Mínguez, Antonia San Juan, María Galiana y Vladimir Cruz, la obra de Falcón cuenta en clave de comedia negra las vicisitudes de un grupo de mujeres en las Canarias de los sesenta a raíz de la muerte del marido de una de ellas, que al no tener cabida en su casa para velarlo, le pide el favor a una vecina de hacerlo en la suya.

Our Way(s) es el nombre de la muestra cinematográfica que está teniendo en el centro neoyorquino y en él se exhiben las ocho películas y documentales más representativos del cine iberoamericano.

Añado un reportaje sobre la película y su tráiler para los que no la hayan visto aún.

Reportaje sobre la película:

Tráiler:

Vía | La Provincia