Hijo de padre merchante, estudió en la escuela de artes y oficios de Madrid y trabajó como ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro durante su adolescencia, antes de mudarse a París. Allí cambió su acomodada vida por Montmartre y conoció a Pablo Picasso y Georges Braque.

Los manuales de arte le califican como el tercer pintor cubista en su jerarquía, por detrás de éstos, pero el propio Juan Gris se refería así a su pintura: «Cézanne va hacia la arquitectura, yo parto de ella, por eso compongo con abstracciones (colores) y compongo cuando esos colores han devenido objetos… Esta pintura es a la otra lo que la poesía a la prosa».

En 1912 introdujo el collage en sus obras y tres años después, sus primeros cuadros de tonos grises se tornarían de colores.  El tópico de que «era un hombre gris» le acompañó siempre. A Federico García Lorca le parecían sus obras «expresiones esquemáticas y frías», aunque reconocía la lírica «que tienen las guitarras enlazadas con ese delicado sentimiento de peces nocturnos». Más comprensión recolectó la magia de sus números y sus proporciones de color por otros poetas de la Generación del 27, como Gerardo Diego. A su muerte, en 1927, escribió: «Entretanto/ yo persigo el destino/ obtenido en el roce de tus pensamientos inclinados».

Una aguda crisis asmática le detuvo con solo 40 años. Su delicada salud ya le había obligado a desplazarse a Boulogne-sur-Seine en 1922. Aunque llegó a saborear el éxito antes de morir. En 1924 las obras de Juan Gris empezaron a cotizarse. Sus últimos años son los de sus creaciones más conocidas como «La mujer del cesto», «El libro rojo» o «El mantel azul». Hoy sus restos descansan en el cementerio de Boulogne-sur-Seine y el mundo del arte tan solo imagina lo que hubiera podido crear Juan Gris si la vida le hubiera dado unos años más.

Nacida el mismo año que Picasso, Gargallo o Vázquez Díaz, Blanchard perteneció a una generación de artistas cuyo reconocimiento nunca fue parejo con el suyo. Ha sido y aún sigue siendo hoy, 80 años después de su muerte, la gran desconocida del grupo de artistas que consolidaron la renovación artística de principios del siglo XX.

Pese al tiempo transcurrido, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico hicieron que su vida fuera relatada con grandes lagunas y enormes contradicciones y su obra permaneciera en un segundo plano respecto a sus coetáneos y amigos de la vanguardia, a los que sin duda igualó y en algunos casos superó.

Estas dos muestras tratarán de poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte durante los primeros años del siglo XX y a la que sus amigos, grandes artistas, reconocieron como otra grande.

La propuesta expositiva que se presentará en la sala de la Fundación Botín a mediados de junio girará en torno a su trabajo cubista, (1913-1919), siendo esta la primera muestra de carácter científico que se lleva a cabo sobre este período. Contará con fondos internacionales, gran parte de las cuales no se han mostrado nunca en España, y algunos son inéditos. También es la primera vez que se incluyen dibujos.

En total, la exposición mostrará 50 obras del período cubista, 20 más de las que se podrán ver en Madrid, lo que permitirá descubrir en toda su magnitud la importancia de esta etapa de su trayectoria artística. La artista se adentra con pasión en el movimiento. Su obra presenta una clara evolución. Desde un primer cubismo en el que ejecuta obras sencillas, con elementos figurativos fácilmente identificables, que representa mediante formas geométricas en planos superpuestos, evolucionando hacia un cubismo más sintético, en unas composiciones en las que reduce la temática a elementos esenciales, expresados mediante planos expuestos desde diversas perspectivas.

Blanchard concibe una obra muy personal en su paleta, en su construcción, en sus temas. Pero por encima de todo ello está su libertad de creación. Trabaja con rigor, con sinceridad, con sentimiento, pero sobre todo trabaja en libertad. Se trata, pues, de un cubismo muy personal que se distingue por su rigor formal, su austeridad y el dominio del color. Con estas obras no solo alcanzará el éxito, sino también el reconocimiento de marchantes, críticos y artistas. No llegará a crear escuela, pero contribuirá al desarrollo del movimiento, con la misma categoría y entidad que los demás artistas de su generación.

La figura de la mujer ha sido uno de los temas iconográficos más constantes en la obra de Picasso. Habitante de un mundo femenino que gravitaba primero alrededor de sus hermanas y de su madre, y de sus distintas compañeras o esposas más tarde, el artista se enfrentó a la imagen de la mujer desde el lugar de quien al mismo tiempo admira e interroga al sujeto femenino.

El título de esta muestra alude a la expresión creada por Goethe en la que, según el autor alemán, el ‘eterno femenino’ reúne a la madre y a la amada en un principio universal que remite a la propia Eva, y que por tanto unifica a las diversas modalidades de la mujer en un modelo intemporal y platónico. Esta multiplicidad de modelos femeninos se plasma en las 14 secciones en las que se articula esta exposición y que recogen 66 obras originales del artista malagueño encuadradas en las distintas técnicas de su obra gráfica.

A través de diferentes secciones, la mujer se presenta como un soporte para la manifestación del alma (Espejo del alma), a la vez que puede ser el retrato de mujeres imaginadas  o de personas reales, como las dos últimas, y más intensas, mujeres de Picasso: su compañera Françoise Gilot y su esposa Jacqueline Roque (secciones Retratos de Françoise y Retratos de Jacqueline).

Sin duda, Picasso es uno de los grandes. Experimentar con de sus obras su visión del mundo a través de la deformación de las formas y la división de los planos, consiguiendo del mismo modo una gran expresión, nos hace valorar su originalidad e ingenio. Esta exposición es otra forma de entender a Picasso más alla de su célebres obras, surmiengéndote  en el arte para encontrar su propia forma de sentir y ver la realidad con la percepción que éste tenía de la figura femenina.

Atención al vídeo que hoy protagoniza Artes Contemporáneos. Se trata de una exploración muy novedosa  de la Obra El Guernica de Pablo Picasso. El vídeo es obra de una artista alemana llamada Lena Gieseke. Nunca antes habíamos podido ver algo semejante: los bombardeados personajes cubistas de Picasso dejan se mostrar en este estremecedor vídeo más profunda y provocadoramente. La exploración en 3D del Guernica nos abre una puerta novedosa a la observación de los trazos de la pintura.

La idea de analizar el cuadro a través de reproducción en tres dimensiones es poder acercar al espectador que lo admire cuáles son las características más significativas que hacen del Guernica una obra tan especial, y que, normalmente quedan escondidas cuando observamos la obra de Picasso sin pararnos a pensar en ellas.

Lena Gieseke es una artista alemana especializada en Diseño Gráfico por la Universidad de Koblenz, Alemania y es experta en animación 3D tras realizar estudios de máster sobre el tema en la Universidad de Georgia (EEUU), donde la exploración y el estudio del famoso cuadro del pintor malagueño fue parte de su tesis.

Desde aquí recomiendo ver el vídeo (pues seguramente no te dejará indiferente) y a visitar la web de Gieseke, donde podrás encontrar un análisis exhaustivo, con imágenes incluídas, del mismo.

(Vídeo tras el salto)

[Video]http://www.youtube.com/watch?v=I_65LYLzvvI[/video]