A Alex Katz (Nueva York, 1927) se le considera a menudo uno de los precursores del arte pop. Cierto es que coincide con este movimiento en su interés por la realidad cotidiana, pero lo hace del mismo modo circunstancial en el que, por ejemplo, coincide con la action painting en el uso del gran formato. En realidad traza su propio camino en la gran historia de la pintura estadounidense del siglo XX. Un camino que, a comienzos del nuevo siglo, ha sido reivindicado en todo el mundo por los abanderados de una nueva figuración pictórica

Con el mismo título de la exposición se ha editado también un libro, en el que el crítico y comisario independiente David Barro analiza la peculiar mirada del artista. Descubriendo, entre otras cosas, cómo “fue capaz de llevar el pequeño argumento, el mínimo gesto, a la gran escala del arte americano, como si de una pantalla de cine de la época se tratase. De ahí sus planos americanos y sus primeros planos, que magnifican a los personajes. También el aspecto liso de sus cuadros, como si alguien los hubiese pulido para robarles el significado”.

En otro pasaje, Barro afirma que Katz “consigue muchas cosas con una pintura que, aparentemente, semeja no contener casi nada”. En efecto, las obras expuestas albergan imágenes de gran contundencia plástica, destiladas hasta desembocar en lo lírico y lo emocional. En los asuntos retratados por este autor (absolutamente corrientes, cuando no frívolos o insignificantes) siempre encontramos algo que los convierte en sofisticados y elegantes. Algo así como la quintaesencia de lo cool. O, empleando las palabras del comisario, “una normalidad que contiene misterio”.

La obra de Alex Katz forma parte de las más importantes colecciones artísticas de ambas orillas del Atlántico, entre ellas las del MoMA, el Whitney Museum, el Metropolitan Museum, el Centre Georges Pompidou, la Tate Gallery o el Museo Reina Sofía.

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Las 24 obras que forman parte de la exposición están distribuidas en dos secciones temáticas. En la primera, titulada En cuerpo y alma, se incluyen creaciones de Frida Kahlo, Gisèle Freund, Marina Abramovic, Cindy Sherman, Paloma Navares, Concha García, Susy Gómez, Marina Núñez, Adriana Duque, Amparo Sard, Naia del Castillo, Victoria Diehl, Carmen Calvo y Concha Jerez, con un punto en común, la reflexión sobre la dicotomía existente entre el cuerpo y el alma. Se trata de piezas íntimas, que nacen de la profundidad del alma, como el Diario de Frida Kahlo, frente a otras que muestran el cuerpo desnudo sin censuras y en su máximo esplendor, como ocurre en la impactante fotografía de Victoria Diehl.

 En la segunda parte de la muestra, con el título Interior/Exterior, se incluyen obras de Amalia Avia, Esther Ferrer, Isabel Quintanilla, Marisa González, Ouka Leele, Darya Von Berner, Montserrat Soto, Berta Jayo y Diana Larrea, que invitan al visitante a acercarse a esos conceptos simbólicos, el interior y el exterior.

Las diferentes posiciones que asumen las artistas ante esta tensión se traduce en algunos casos en la representación de la belleza de la naturaleza de una forma bucólica pero sin dejar de lado la capacidad crítica, como en las fotografías de Marisa González o Montserrat Soto, y nos muestran las consecuencias terribles de las agresiones realizadas por el ser humano en nuestros paisajes.

Paralelamente, la exposición se adentra en obras intimistas que sitúan al espectador ante objetos que representan la vida cotidiana y que se contemplan como si fuéramos voyeurs. Frente a creaciones como las de Isabel Quintanilla o Carmen Calvo, el público interrumpe en la esfera privada de las personas, al igual que se invaden las almas en la primera parte de la exposición, y ante la obra de Esther Ferrer se aproxima a una reflexión sobre los límites del espacio.

Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI podrá verse en el Centro Cívico José Saramago de Leganés desde hoy, 30 de marzo, hasta el 25 de abril. Posteriormente visitará los municipios de Collado Villalba, Alcalá de Henares, Colmenar Viejo, Aranjuez, Navacerrada, Alcorcón, San Sebastián de los Reyes, Pinto, Alcobendas y Arganda del Rey.

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Blasco combina materiales extraordinariamente diversos, logrando transgredir con naturalidad las fronteras entre la pintura y la escultura. Sus instalaciones pueden surgir de la superficie del cuadro para invadir el espacio o a la inversa, como si se empeñasen en regresar al interior del lienzo.

La artista utiliza recursos llenos de un lenguaje desbordante y de aspecto anárquico donde el humor juega un papel determinante. Pero la apariencia lúdica y desenfadada esconde, en muchos casos, una actitud radicalmente crítica, tanto hacia comportamientos, tópicos y prejuicios del ámbito privado, como respecto a la realidad y las formas sociales.

Los títulos de sus obras son casi siempre frases jocosas, desconcertantes e irónicas, donde también se ríe de sí misma (por ejemplo, Como si no supiera nada de lo que sé que sé). Y, en ocasiones, acompaña la obra de textos breves o pequeños relatos, con juegos de palabras en los que asoma su humor malicioso y su radical ironía.

Elena Blasco realizó su primera exposición en 1976, una década en la que convivían las experiencias conceptuales y las actitudes políticas, junto a la denominada ‘nueva figuración madrileña’, que reivindicaba un retorno a la pintura y a su potencialidad expresiva y conceptual. Sin embargo, su obra camina al margen de estas corrientes, como también lo haría, en los años 80, respecto a las influencias neo-expresionistas que recorrieron la pintura de aquellos años.

La no pertenencia a grupos o estilos determinados que mantiene a la artista madrileña, en cierto modo, al margen, corrió a su favor en los años noventa, caracterizados por criterios más abiertos y eclécticos. Es entonces cuando su obra comienza a ser más apreciada, entrando a formar parte de importantes colecciones privadas y públicas de arte contemporáneo, y siendo reivindicada hasta hoy por artistas mucho más jóvenes con quienes a menudo se la identifica.

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Nacida el mismo año que Picasso, Gargallo o Vázquez Díaz, Blanchard perteneció a una generación de artistas cuyo reconocimiento nunca fue parejo con el suyo. Ha sido y aún sigue siendo hoy, 80 años después de su muerte, la gran desconocida del grupo de artistas que consolidaron la renovación artística de principios del siglo XX.

Pese al tiempo transcurrido, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico hicieron que su vida fuera relatada con grandes lagunas y enormes contradicciones y su obra permaneciera en un segundo plano respecto a sus coetáneos y amigos de la vanguardia, a los que sin duda igualó y en algunos casos superó.

Estas dos muestras tratarán de poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte durante los primeros años del siglo XX y a la que sus amigos, grandes artistas, reconocieron como otra grande.

La propuesta expositiva que se presentará en la sala de la Fundación Botín a mediados de junio girará en torno a su trabajo cubista, (1913-1919), siendo esta la primera muestra de carácter científico que se lleva a cabo sobre este período. Contará con fondos internacionales, gran parte de las cuales no se han mostrado nunca en España, y algunos son inéditos. También es la primera vez que se incluyen dibujos.

En total, la exposición mostrará 50 obras del período cubista, 20 más de las que se podrán ver en Madrid, lo que permitirá descubrir en toda su magnitud la importancia de esta etapa de su trayectoria artística. La artista se adentra con pasión en el movimiento. Su obra presenta una clara evolución. Desde un primer cubismo en el que ejecuta obras sencillas, con elementos figurativos fácilmente identificables, que representa mediante formas geométricas en planos superpuestos, evolucionando hacia un cubismo más sintético, en unas composiciones en las que reduce la temática a elementos esenciales, expresados mediante planos expuestos desde diversas perspectivas.

Blanchard concibe una obra muy personal en su paleta, en su construcción, en sus temas. Pero por encima de todo ello está su libertad de creación. Trabaja con rigor, con sinceridad, con sentimiento, pero sobre todo trabaja en libertad. Se trata, pues, de un cubismo muy personal que se distingue por su rigor formal, su austeridad y el dominio del color. Con estas obras no solo alcanzará el éxito, sino también el reconocimiento de marchantes, críticos y artistas. No llegará a crear escuela, pero contribuirá al desarrollo del movimiento, con la misma categoría y entidad que los demás artistas de su generación.

Fueron necesarios tres años para que el comisario, casi por suerte, descubriera la propietaria del rostro, una actriz francesa de segunda fila que no desdeñaba colaboraciones publicitarias, cuya imagen procedía de una caja de cerillas. De allí que Fanés decidiera estudiar el entorno que constituía el background de la obra con el objetivo de demostrar que este primer collage de 1899 está mucho más vinculado a la cultura popular que a la historia del arte y puede ser considerado un puente de enlace entre la cultura banal y cotidiana de la época y la aproximación más sofisticada de intelectuales y artistas.

Aunque parece una exposición de pequeño formato, por el tamaño reducido y a veces incluso diminuto de las piezas, reúne 107 obras que consiguen trazar de forma condensada la historia de Picasso con las artes gráficas, la producción seriada y la publicidad. El visitante podrá descubrir documentos poco conocidos como una portada que Picasso realizó en 1902 para el diario El liberal o la publicidad para la Lecitina Agell.

En palabras de Fanés: “A partir de 1916 Picasso introduce en la tradición posrenacentista fragmentos de artes poco conocidos y valorados como el ibérico, el oceánico y el africano; y el cubismo que está a punto de llegar se apoyará en esta yuxtaposición de lenguajes”

El collage va a determinar lo que se conoce como Cubismo Sintético; es una última fase del movimiento cubista; el hecho de que ahora aparezca el collage como elemento artístico supone el paso de la representación a la propia presenteción, alterándose la relación verdadero-falso. Picasso incluso va a pintar en la obra simulando que es material pegado, creando trampantojos. Debido a todo esto, la obra cubista se enriquece enormemente, exprimiendo al máximo sus posibilidades.

La exposición ha sido organizada para Ibercaja por The Andy Warhol Museum, uno de los cuatro Carnegie Museums de Pittsburgh, y sólo se había presentado en una ocasión anterior, en el propio museo Warhol, durante la primavera de 2010. Este conjunto artístico incluye pinturas, impresiones, dibujos y fotografías que permiten comprender la evolución artística de uno de los creadores más transgresores del siglo XX. 

Andy Warhol. Portraits se articula en cinco décadas, desde los años 40 hasta los 80. Si bien se introduce con una serie de diez fotografías familiares de los años 30 que ponen de manifiesto que su infancia y juventud nada tuvieron que ver con la “estrella del arte” en que se convirtió, tan rutilante como las estrellas de cine que siempre admiró. Precisamente una fotografía de la actriz que fue su ídolo en esta época, Shirley Temple, se halla también entre la colección del álbum familiar. Se trata de una postal dedicada a Warhol que él siempre conservó.

Una exposición a la que merece la pena acudir, ya que supone el conocimiento del artista del Pop Art a través de su arte e imágenes de la época que nos ayudan a contextualizarnos para lograr captar el espíritu del momento, que hizo que Andy Warhol se convirtiera en un artista por todos reconocido.

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El autor de la obra es el famoso fotógrafo Peter Müller y las obras son fotografías de caballos. Estas se mezclan con famosas obras pictóricas de los grandes maestros de la pintura.

Queda oficialmente inaugurado el centro Niemeyer con la primera exposición.

Luz, del cineasta Carlos Saura, tiene el honor de ser la primera exposición del recién inaugurado centro Niemeyer. Esta exposición recorre las distintas características del ojo gracias a las obras expuestas con las que podremos interactuar. La exposición nos muestra como a través del ojo el ser humano se abre a la luz, y como ha inventado dispositivos que simulan este efecto, las cámaras de vídeo.

Una exposición que relata la historia de París desde la segunda mitad del siglo 19 hasta la tercera república nos muestra grandes obras de caracter social y artístico de aquella época.

 En el ayuntamiento de París la muestra acoge obras de la evolución de la ciudad a través de los ojos de impresionistas como Manet, Renoir, Monet, Van Gogh y Santiago Ruiseñor. Se trata sin duda de una iniciativa histórica y artística muy interesante y que ya podrían copiar otros ayuntamientos.

Diseñadoras, escritoras, artistas, fotógrafas, pintoras y arquitectas del panorama español ofrecen en la exposición sus experiencias personales y las plasman en forma de muñecas Barbie, mostrando así sus peculiares visiones de la esbelta modelo. La cantante Alaska, Asha Miró, Chelo Sastre, Rosa Bisbe, Gemma Bernal, Judith Colell, Teresa Sapey y Ouka Lele son solo algunos de los nombres que firman la exposición.

Como bien muestra la imagen, Alaska, por ejemplo, ha creado una instalación que lleva por título Barbie y la historia transexual y travesti. La creación de la cantante de Fangoria simula una vitrina en la que cuatro nuevos ejemplos de Barbie tienen cabida: Barbie Candy Darling, Barbie Divine, Barbie Amanda Lepore y Barbie Topacio Fresh (directora de la Fresh Gallery de Madrid).

La exposición Generación Barbie (así se llama la muestra) está teniendo lugar en un pabellón cercano a la famosa Fuente de Montjuïc y ha sido organizada por la empresas Mattel y el Ayuntamiento de Barcelona.

Foto | Lex en Barcelona