La exposición ha sido organizada para Ibercaja por The Andy Warhol Museum, uno de los cuatro Carnegie Museums de Pittsburgh, y sólo se había presentado en una ocasión anterior, en el propio museo Warhol, durante la primavera de 2010. Este conjunto artístico incluye pinturas, impresiones, dibujos y fotografías que permiten comprender la evolución artística de uno de los creadores más transgresores del siglo XX. 

Andy Warhol. Portraits se articula en cinco décadas, desde los años 40 hasta los 80. Si bien se introduce con una serie de diez fotografías familiares de los años 30 que ponen de manifiesto que su infancia y juventud nada tuvieron que ver con la “estrella del arte” en que se convirtió, tan rutilante como las estrellas de cine que siempre admiró. Precisamente una fotografía de la actriz que fue su ídolo en esta época, Shirley Temple, se halla también entre la colección del álbum familiar. Se trata de una postal dedicada a Warhol que él siempre conservó.

Una exposición a la que merece la pena acudir, ya que supone el conocimiento del artista del Pop Art a través de su arte e imágenes de la época que nos ayudan a contextualizarnos para lograr captar el espíritu del momento, que hizo que Andy Warhol se convirtiera en un artista por todos reconocido.

Hoy es arte

El autor de la obra es el famoso fotógrafo Peter Müller y las obras son fotografías de caballos. Estas se mezclan con famosas obras pictóricas de los grandes maestros de la pintura.

Queda oficialmente inaugurado el centro Niemeyer con la primera exposición.

Luz, del cineasta Carlos Saura, tiene el honor de ser la primera exposición del recién inaugurado centro Niemeyer. Esta exposición recorre las distintas características del ojo gracias a las obras expuestas con las que podremos interactuar. La exposición nos muestra como a través del ojo el ser humano se abre a la luz, y como ha inventado dispositivos que simulan este efecto, las cámaras de vídeo.

Una exposición que relata la historia de París desde la segunda mitad del siglo 19 hasta la tercera república nos muestra grandes obras de caracter social y artístico de aquella época.

 En el ayuntamiento de París la muestra acoge obras de la evolución de la ciudad a través de los ojos de impresionistas como Manet, Renoir, Monet, Van Gogh y Santiago Ruiseñor. Se trata sin duda de una iniciativa histórica y artística muy interesante y que ya podrían copiar otros ayuntamientos.

Diseñadoras, escritoras, artistas, fotógrafas, pintoras y arquitectas del panorama español ofrecen en la exposición sus experiencias personales y las plasman en forma de muñecas Barbie, mostrando así sus peculiares visiones de la esbelta modelo. La cantante Alaska, Asha Miró, Chelo Sastre, Rosa Bisbe, Gemma Bernal, Judith Colell, Teresa Sapey y Ouka Lele son solo algunos de los nombres que firman la exposición.

Como bien muestra la imagen, Alaska, por ejemplo, ha creado una instalación que lleva por título Barbie y la historia transexual y travesti. La creación de la cantante de Fangoria simula una vitrina en la que cuatro nuevos ejemplos de Barbie tienen cabida: Barbie Candy Darling, Barbie Divine, Barbie Amanda Lepore y Barbie Topacio Fresh (directora de la Fresh Gallery de Madrid).

La exposición Generación Barbie (así se llama la muestra) está teniendo lugar en un pabellón cercano a la famosa Fuente de Montjuïc y ha sido organizada por la empresas Mattel y el Ayuntamiento de Barcelona.

Foto | Lex en Barcelona

Hasta el 29 de noviembre puede visitarse la muestra El Patio de mi casa que está teniendo lugar desde el 22 de octubre en los tradicionales patios cordobeses. Tradición y modernidad se aunan para crear una simbiosis en la que podemos degustar las 16 aportaciones artísticas en las que importantes creadores nacionales e internacionales han dejado su sello impreso en los blancos espacios de Córdoba.

Este novedoso proyecto trata de promocionar el patrimonio de la ciudad en sintonía con las más vanguardistas creaciones artísticas, donde lo novedoso se fusiona con lo más tradicional, dando como resultado 16 patios convertidos en 16 salas de exposición. Los patios son de propiedad privada y han sido cedidos a los artistas para que este proyecto sea una realidad; el tema principal que une las exposiciones es “el patio como ámbito estético, cultural, histórico y de significación”.

El artista Fernando Baena, por ejemplo, ha contribuído en la muestra con su creación Córdoba 2016 Caracoles, en la que un patio ha sido decorado con 2016 caracoles vivos pintados de color dorado. Este número recuerda que la ciudad de Córdoba es candidata para ser Capital Europea de la Cultura en 2016.

Artistas y patios participantes:

1. Mounira Al Solh [Líbano/Amsterdam] en la C/ Martín de Roa, 2
2. Cristina Lucas [España] en la Casa de las Campanas, C/ Siete Revueltas, 21
3. Magdalena Atria [Chile] en la C/ San Basilio, 50
4. Fernando Baena [España] en la C/ Pastora, 2
5. Mariana Castillo Deballall [México/Berlín] en el Museo Arqueológico de Córdoba, Patio de la Grada, Pl. Jerónimo Páez, 7
6. Carlos Garaicoa [Cuba] en la Facultad Filosofía y Letras, patio Departamento de Arte. Plaza Cardenal Salazar, 3
7. Cai Gou-Qiang [China/NY] en el Archivo Municipal de Córdoba, patio principal, C/ Sánchez de Feria, 6
8. Federico Guzmán [España] en el Archivo Municipal de Córdoba, patio de recibo, C/ Sánchez de Feria, 6
9. Mona Hatoum [Reino Unido] en el Palacio de Viana, Patio de la Cancela. Pl. de Viana s/n
10. Glenda León [Cuba] en la C/ Isabel II, 1
11. Rubens Mano [Brasil] en el Patio de los Museos de Bellas Artes y Julio Romero de Torres de Córdoba, Plaza del Potro, 1
12. Priscilla Monge [Costa Rica] en la C/ La Palma, 3
13. Jorge Perianes [España] en el Patio del Palacio de Orive, Plaza de Orive, s/n
14. Nedko Solakov [Bulgaria] en la C/ Parras, 5
15. Kan Xuan [China] en la C/ Maese Luis, 22
16. Nina Yuen [EUAen la Amsterdam] en la C/ San Basilio, 22

Precisamente esta tarde mantenía una charla (antes de conocer esta noticia) con una amiga acerca de esta ciudad, una ciudad que me atrae muchísimo y que, casualmente, para mí es aún desconocida.  Es la única ciudad que me queda por explorar de Andalucía, por lo que no estaría nada mal visitarla (ahora que la Alta Velocidad es una realidad) aprovechando esta interesante muestra que la ciudad nos ofrece.

El Patio de mi casa en imágenes:

A continuación invito al lector a visionar una noticia que emitía ayer un informativo de TVE en relación  a esta muestra:

Los Patios pueden visitarse de miércoles a viernes, de 16 a 20 horas; sábados, de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas; y domingos, de 11 a 14 horas.

Vía | AndalOcio y TVE

Francesc Torres ha desarrollado la mayor parte de su carrera fuera de España: a finales de los años sesenta trabaja en París con el escultor de origen polaco Piotr Kowalski, y entre 1972 y 2002 se establece en Estados Unidos, donde realiza la mayor parte de sus instalaciones, y a finales de los ochenta trabaja en Berlín a lo largo de dos años. Este factor, determinante para la construcción de su discurso, explica que su obra haya sido muy poco difundida en nuestro país, a pesar de su continua participación en la vida cultural como ensayista y articulista en periódicos y revistas.

El trabajo de Torres es esencial para revelar una suerte de continuidad de las prácticas de vanguardia en los años ochenta y noventa, aspecto que a menudo han cuestionado los medios, las instituciones y el mercado. Si en los años sesenta, las prácticas de vanguardia formularon los primeros ejemplos de crítica institucional y en los ochenta los artistas optaron por realizar obras para el museo como medio de escapar a las presiones y los condicionamientos del mercado, su trabajo, en cambio, se ha situado a caballo de esas dos posiciones. Por un lado, Torres ha utilizado el espacio de las instituciones culturales como apoyo y medio para vehicular el análisis sobre los vínculos entre ideología, poder y sumisión. Por otro, su trabajo explicita una declaración sobre la posición del artista frente a la sociedad: la relación entre individuo y colectividad, el papel del discurso político respecto a la acción social y el conjunto de creencias recibidas que conforman un pensamiento colectivo determinado. Para ello, Torres recupera las técnicas más efectivas inventadas a principios de siglo xx y perfeccionadas por los artistas de vanguardia, como John Heartfield y Josep Renau, o más allá, por Francisco de Goya y Honoré Daumier. El artista no solo representa la realidad que lo rodea, sino que se propone cambiarla.

La obra de Francesc Torres muestra dos momentos temáticamente separados. Poeta experimental, llega a la práctica artística a través de la investigación del lenguaje, influido por el trabajo de Joan Brossa. Aunque no se conservan obras de esta primera etapa, su interés por el lenguaje puede rastrearse en una serie de trabajos de carácter objetual que combinan la búsqueda formal y la ingeniería, a través de la noción de prototipo y de la idea de fabricación y autoría como Prototype for a Series of Multiples in Poliester, de 1967-1968. Pero a Torres le interesa fundamentalmente la obra en la medida en que es acción, como medio de transmisión y de contacto con el espectador. El poema existe cuando es leído, y la obra cuando el espectador la percibe. Así pues, en 1968, Torres propone una serie de esculturas «recortables» que requieren de la participación del espectador, como es el caso de Poème-eméop (1968), Objeto para deletrear la palabra poema (1968-1969), P…O…E…M…A (1968-1969), o Sculptura (1969) una urna de plexiglás llena de agua, donde flotan las letras que forman esta palabra.

A finales de los sesenta, Torres es testigo directo de múltiples propuestas de artistas que reaccionan frente al minimalismo y que incluyen el recurso a lo orgánico y el uso de material biológico, tal como podemos apreciar en el trabajo de Hans Haacke o de modo más acentuado en Robert Smithson. De forma paralela, Torres investiga sistemas orgánicos y materiales naturales como metáfora de la objetividad y del control sobre los elementos. Entra en escena la fotografía como un soporte documental que no solo acredita la existencia de una obra, sino que acaba constituyéndose en material en sí mismo, como ocurre en Sculpture for Determining Perfect Horizontality (1968) o Suspension No. 2 (Air-Helium) (1969). Su interés científico le lleva a documentar procesos en los que participa el azar, como en Wind Sculpture or Observing What Happens to a Sheet of Paper Exposed to the Wind (1969), la serie Reflexión I, II, III, de 1969, donde se documentan y miden los reflejos y sombras, o en obras más tardías, como Dos distancias o Dos diagonales, ambas de 1972. La geometría le permite asimismo realizar una serie de escrituras en el paisaje, como en el caso de Triángulo semioculto por una nube, de 1972, o Pasando de la oscuridad a la luz, de 1972.

Paulatinamente, el paisaje urbano adquiere protagonismo, como ocurre en Triángulo imaginario delimitado por el sol (1972), Constatación de la luz del sol en el piso trece (1972) o Statement About the Existence of a Light Triangle on Sheridan and Belmont (1972). Este cambio de contexto anuncia un giro hacia una posición más subjetiva en una serie de obras de principios de los años setenta en las que el artista introduce el factor performativo y el uso del propio cuerpo, en sintonía con artistas como Chris Burden y Vito Acconci. Obras representativas de este momento son Perceptual Analysis of Three Dimensions (Three Points of View). Calendario o Sustracción de peso (del edificio) y Occupation of a Given Space Through a Human Action, todas de 1973.

La investigación de los formatos de la acción pronto deriva en una dimensión narrativa que provocará el abandono de lo corporal. A mediados de los años setenta, la palabra del propio artista constituye un elemento esencial. Aparece entonces una de las constantes de su obra: la memoria como territorio de construcción de la política. Las acciones An Attempt To Decondition Myself (1974) o Almost Like Sleeping (1975) suponen una ruptura respecto a los materiales utilizados hasta entonces, y las siguientes, como Everybody’s House (Is Burning), de 1976, nos ofrecerán el tránsito de una temática personal, subjetiva, a la perspectiva de los hechos de la historia, de las que son claros exponentes las instalaciones Construction of the Matrix (1976) y Accident (1977).

La primera, creada en el contexto de la 37 Bienal de Venecia, justo después de la muerte de Franco, aborda la profunda vinculación existente entre ideología y violencia. Accident insinúa asimismo otra de las constantes de la obra posterior de Torres: la asociación entre máquina, velocidad y machismo y la política como fracaso. Las siguientes salas muestran obras en las que Torres analiza y denuncia la relación de la colectividad con su historia reciente y con el presente, tomando como paradigma un conflicto local, la Guerra Civil española y la dictadura de Franco como expresión de la violencia universal y atemporal. Se inaugura así una línea temática que continuará hasta hoy, y que se expresa en obras como Residual Regions (1978), Belchite / South Bronx: A Trans-Cultural and Trans-Historical Landscape (1988) y Oscura es la habitación donde dormimos (2007).

Hablamos de trabajos que se materializan en instalaciones multimedia, creadas para un lugar específico y en función de este. En la mayoría de los casos, sus características impiden la reconstrucción en los espacios interiores del museo.

Los años ochenta, época en la que Torres produce la mayor parte de sus instalaciones, representan un retorno al orden en el mapa de las categorías artísticas, pero sobre todo en los gustos y las presencias mediáticas, que certifican la reaparición de los expresionismos y la abstracción pictórica. El arte de Torres, en cambio, es realista y está íntimamente ligado a la esfera de la conciencia colectiva. Es decisivo que Torres viva en ese momento en Estados Unidos, donde la diversidad intelectual e institucional le permite desarrollar una actividad frenética basada en la concepción y la ejecución de proyectos de amplia ambición conceptual y material. Torres va refinando un lenguaje cercano al teatro, en instalaciones que representan los dramas y miserias de las ideologías del presente y sus genealogías: la guerra, la violencia y la muerte institucionalizadas en forma de opresión moral de unos individuos sobre otros.

La exposición nos descubre a un artista preocupado por la imagen, cercano al pintor. Torres aparece como pintor de la historia a través de las temáticas constantes en su vocabulario: la máquina, la velocidad que borra el paisaje, la figura prehistórica. Junto con las imágenes, a través de asociaciones de objetos, Torres sintetiza el vocabulario que ha puesto en juego en las instalaciones y trabajos esculturales. Nos hallamos frente a la lógica del collage y la alteración de la imagen mediática, procedente de publicaciones, de la televisión o el cine. Un paisaje cotidiano de violencia y destrucción, como en el caso de Newsweek Series (1990). Se nos muestra un artista profundamente preocupado por las cualidades físicas de las obras: las tonalidades de color, los métodos de constitución de la imagen y los vínculos materiales con ciertas tradiciones artísticas. Una serie de dibujos de tinta de 2007, The 1930s and 40s in the Air, explora la iconografía particular de los aviones de combate y las tipologías de dichas máquinas. Los dibujos nos recuerdan pasajes de obras anteriores y nos devuelven a un mundo vinculado a la infancia, donde la fascinación por la velocidad y la batalla se explican a través de la inocencia.

El título de la exposición nos informa claramente de la posición del artista tras su larga trayectoria. Da capo es una notación en la partitura para indicar al músico que debe reanudar la ejecución de la obra desde el principio. Torres asocia la experiencia familiar de la resistencia al fascismo y la dictadura de Franco al problema de la memoria colectiva y al protagonismo de la guerra como expresión del enfrentamiento entre ideologías, a la velocidad como condición de la batalla, a la competición como sublimación de la enemistad en tiempos de paz, a los símbolos y signos de la masculinidad como expresiones del armamento amenazante, dominador y destructor… y después vuelve atrás, hacia los símbolos arcaicos, hacia los restos arqueológicos que denotan civilización e incivilización, que hablan de la racionalidad o la irracionalidad arraigada en lo humano.

Inauguración: 5 de junio de 2008
Fechas de la exposición: del 6 de junio al 28 de septiembre de 2008
Comisarios: Bartomeu Marí
Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Nota de prensa del MACBA