Empieza la lluvia de exposiciones previas a la inauguración oficial de PhotoEspaña (el 6 de junio). Las citas correspondientes al apartado Off Photoespaña van tomando posiciones en las galerías madrileñas durante estas semanas. Y es mucho mejor así; hay muestras que no merecen diluirse en el océano del festival veraniego y quizá no encajan con el epígrafe general del certamen. La de Uta Barth es una de ellas. En primer lugar porque la fotógrafa alemana residente en Los Angeles no había recalado en España en una muestra individual, y en segundo lugar porque sus instantáneas capturan una belleza sutil, que merece una contemplación reposada, muy reposada, en la galería Elvira González.

La luz que se filtra por una ventana es suficiente para espolear la imaginación de Barth y arrancar con ella sentimientos genuinos de serenidad. La fotógrafa quiere que el espectador entre en armonía con esa disposición contemplativa y curiosa de su objetivo. “¿Cómo puedo conseguir que el espectador saque partido de su propia experiencia visual sin que ningún pensamiento sobre lo que está viendo desvíe su atención?”, se pregunta la artista. “No me interesa la narración, la metáfora ni el simbolismo, me interesa la visión en sí misma, y los motivos recurrentes son la luz y el tiempo”.

La visión de la series en las que descorre suavemente una cortina para moldear la luz incita a reflexionar sobre nuestra percepción; a ser más consciente de la forma en que asimilamos la luz. Todos hemos descansado alguna vez sobre nuestra cama y reparado en un rayo de luz que entraba por la ventana. ¿Por qué no lo hacemos más a menudo?. ¿Hemos perdido esa capacidad de maravillarnos por una raya de luz blanca que poseíamos siendo niños?.

Estas obras remiten a esa cualidad prístina de la energía lumínica. Su composición sortea formas de muebles, texturas de telas y oquedades en los muros, buscan atrapar formas abstractas de luz. Muestran un calmado dominio del ritmo geométrico. Su voluntad, como ella misma afirma, es la de “crear imágenes a partir puramente de la luz, de los espacios en negativo, de los volúmenes del espacio y no de los muros que lo contienen, imágenes que capturan y ralentizan el tiempo, que ralentizan nuestro proceso de relacionarnos con el arte y cambian nuestra forma de interactuar con lo que hacemos y vemos cotidianamente”.

La muestra reúne catorce de sus últimas obras pertenecientes a tres series fotográficas; …and to draw a white bright line with light, Compositions of Light on White y su serie más reciente Deep Blue Day.

Tras el revés que supusieron para las ambiciones utópicas de las vanguardias el Holocausto y la Segunda Guerra Mundial, de la cual la Guerra Civil española fue un ensayo general, la modernidad se aísla en su autonomía para explicar el mundo. Frente a este repliegue en la abstracción gestual y expresiva, la sociedad de consumo cobra forma y una serie de cambios políticos avanzan el escenario polarizado entre el mundo individualista occidental y el colectivo soviético, dos polos enfrentados y complementarios a la vez. El arte, pese a su apariencia de aislamiento, se inserta en este complejo entramado discursivo, donde la batalla por la hegemonía ideológica se libra en la primacía cultural.

Como principales novedades, en esta nueva sección se podrá contemplar el importante depósito y donación de la obra de Val del Omar, que incluye sus películas más representativas, collages, utensilios y material documental, además de su laboratorio PLAT, en el que arte y tecnología se dan la mano.

Las salas dedicadas a los Realismos (Nouveau Realisme, Figuración Narrativa de corte expresionista y Realismo Existencialista) se han visto enriquecidas con importantes novedades de Francis Bacon, Philip Guston, Darío Villalba, Jean Tinguely, Yves Klein, Raymond Hains o Erro.

La figuración política española tiene mayor representación ahora, tras la adquisición de la serie Spain is Different de Joan Rabascall y la instalación de otros trabajos representativos de este momento, como los de Eduardo Arroyo, Equipo Crónica o  Juan Genovés. Destaca también el valioso depósito de siete obras de Claes Oldenburg, realizado por la Sonnabend Gallery, de Nueva York, que se podrán ver por primera vez en el Museo.

Otra de las novedades radica en el montaje de una nueva sala dedicada a la fotografía neorrealista española, que reúne el mayor número de fotógrafos españoles de los años 50 y 60, algunos de cuyos trabajos son inéditos: la serie Neutral Corner€ de Ramón Masats, que es la primera vez que se enseña al público, o las fotografías de Gabriel Cualladó, Oriol Maspons y Carlos Pérez Siquier, por citar sólo algunos nombres. Este espacio se ha puesto en diálogo con la sala dedicada a Antonio López y Carmen Laffón.

Esta muestra colectiva presenta la obra de 14 artistas de nueve países –Italia, Alemania, Taiwán, Israel, Corea, China, Australia, Suiza y Argentina– que analizan la ansiedad que provoca la saturación de las imágenes en nuestro entorno.

Alrededor de este tema se reúnen los trabajos realizados, casi todos entre 2005 y 2011, por los siguientes creadores: Matteo Basilé, Winfried Bullinger, Chen Chieh-jen, Nir Evron, Miki Kratsman, Lee Yongbaek, Lu Nan, Ni Haifeng, Miao Xiaochun, Eugenia Raskopoulos, Daniel Schwartz, Wang Guofeng, Wang Ningde y Wu Daxin.

El comisario de la exposición, Huang Du (Lintong China, 1965), es comisario y crítico, historiador del Arte por la Universidad Central de Bellas Artes y editor de la publicación Avant-garde Today.

Huang Du ha seleccionado 71 obras –instalaciones, proyectos audiovisuales y series fotográficas– con objeto de plantear una reflexión sobre la sociedad de la información y los conflictos provocados por la globalización. Estos trabajos analizan la influencia que cada vez más tienen las imágenes en el hombre y el desasosiego que provoca su exceso en nuestro entorno.

La sociedad en la que vivimos se caracteriza por el sucesivo bombardeo de imágenes que se suceden cada día. La televisión o la publicidad son ejemplos del ritmo al que nos movemos; nos influyen en nuestra forma de ver y entender el mundo, creando un determinado modo de vida. La ansiedad y los problemas psicológicos se encuentran principalmente en este tipo de sociedades; así pues, con esta exposición, se plantea una mirada crítica hacia este aspecto de nuestro tiempo.

Hoyesarte

Sus obras pueden verse como renacimientos  incesantes de lo que está en  la frontera de la vida. A menudo sus  imágenes nos hablan de las  mutaciones de una materia que aletea con el  impulso de una fuerza  dinámica que la domina en su temblorosa vivacidad. Es un canto de lo presente vivo, de la lucha entre lo pasado y  lo por  venir. Habitantes de un mundo inclasificable de soledad y  silencio, las  instantáneas de Vilariño, cargadas de un intenso sentido  filosófico,  perduran alejadas de generaciones y tendencias.

En palabras del comisario, “en Mar de afuera hay una luminosidad tranquila, interior, donde se abre el momento indeciso, licuado –justamente como el golpe de un hielo ártico de los que retrata– que, al tiempo, irreparablemente, se nos aleja. En los paisajes que presenta –una playa, una montaña de lava negra aterciopelada en el norte de Europa, las rocas heladas y los icebergs del polo–, la naturaleza –mar y cielo, al cabo– se nos abre de esa manera. Como si la mirada guardase el temblor de una mariposa en vuelo. Esto, que ya estaba muy presente en sus series de sombras aladas, de las que aquí aparecen algunos hermosos ejemplos, ahora se reafirma al modo de una poética esencial. Allí donde el fotógrafo, que es poeta, desearía dar nombre a la pura cualidad de lo más elemental y arcaico: el mar, una montaña, un fragmento de lava, la arena o el fuego”.

Vilariño propone una forma de aproximación que participa, al tiempo, del juego del alejamiento. El juego de lo lejano y lo próximo es el modo de su poética. La dimensión de la imagen fotográfica siempre ha sido en este artista gallego un ámbito de meditación, pero en esta exposición última –en la que se combinan las fotografías de gran formato en blanco y negro y en color con las cajas de luz– la mirada se abre a los espacios elementales con especial lentitud, recoge con demora todas y cada una de las partículas radiantes de lo que, vivo, se ilumina y transcurre en el espesor de una propagación tras las tinieblas.

Este fotógrafo y poeta, a quien Antonio Gamoneda ha definido justamente como “pastor / de soledad”, retoma la tradición paisajística del romanticismo anglo-germánico –de Turner a Friedrich pasando por Blechen– y la actualiza con ojos adiestrados en la abstracción y el gusto por texturas, superficies y manchas de color. El resultado es un mundo de soledad y silencio, un espacio de inminencias que responde al sueño activo de la imaginación y permite encauzar un afán trascendente que es también un deseo de dar presencia a la materia, de hacerla presente entre nosotros.

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Nacido en Barcelona en 1902, Gomis fue unos de los fotógrafos pioneros en la utilización de un nuevo lenguaje fotográfico. Destacado personaje del tejido cultural y artístico de la burguesía catalana, desarrolló una amplia y rigurosa producción fotográfica vinculada a los posicionamientos más innovadores de su época. Amigo de Joan Miró y de Joan Prats, fue, además, el primer  presidente de la Fundació Joan Miró y personaje clave en la gestación de esta institución.

El primer ámbito de la exposición, La mirada oblicua, muestra la producción fotográfica de 1922 a 1939, período en el que realizó una obra pionera avanzándose a los programas de los teóricos de la Nueva Visión, y que ha desempeñado un importante papel para entender la fotografía moderna en toda Europa. Gomis tomó gran parte de estas fotografías durante sus viajes y estancias en ciudades como París y Nueva York.

El segundo ámbito, La narración visual, se ocupa de los fotoscops. En estos fotolibros, junto a Joan Prats, desarrolló una visión particular a medio camino entre el lenguaje cinematográfico y el fotorreportaje. Los fotoscops fueron fundamentales en la comprensión de la obra y la figura de personalidades relevantes del arte del siglo XX como Joan Miró, Antoni Tàpies o Antoni Gaudí.

La exposición presenta fotoscops inéditos como Eucaliptus, Barcelona y la serie sobre el cuerpo femenino, así como otros que tuvieron un éxito destacado, como Atmósfera Miró, Gaudí, Ibiza fuerte y luminosa y Artesanía. En este apartado se parte de una selección de fotografías, maquetas, álbumes, fichas fotográficas, proyecciones y fotolibros para acercar al público la innovadora concepción narrativa que usaron Gomis y Prats en los fotoscops.

La mayoría de las fotografías de la exposición proceden del Arxiu Joaquim Gomis, propiedad de sus herederos y depositado en el Arxiu Nacional de Catalunya. Este archivo cuenta con 70.000 imágenes y documentación complementaria como cartas, libros y catálogos. La Fundació Joan Miró, los nietos del fotógrafo y la Generalitat de firmaron un acuerdo en virtud del cual los propietarios cedieron el Arxiu en contrato de comodato al Gobierno catalán, que lo destinó al Arxiu Nacional y otorgó la responsabilidad de explotación de las imágenes a la Fundació Joan Miró.

La Fundació Joan Miró ha preparado numerosas actividades complementarias a la exposición, como Miradas singulares, un taller dirigido a todos aquellos interesados en una visión distinta de los objetos y las formas que nos rodean. Basado en la observación y el análisis, los participantes saldrán a tomar fotografías con una mirada nueva que permita profundizar el motivo y presentarlo desde una perspectiva formalmente más abstracta. Después, cada participante deberá seleccionar las imágenes más relevantes y organizarlas en formato de libro.

Por su parte, los participantes de La caja fotográfica (taller de fotografía estenopeica) saldrán a tomar fotografías para descubrir una estética muy específica, ajena al concepto de perfección actual, pero cuyas imágenes poseen un alma propia.

Una cámara estenopeica es, de hecho, una caja con un orificio que deja pasar la luz el tiempo necesario para captar una imagen. En un tiempo en el que las tecnologías digital y multimedia imperan en el ámbito de la imagen, la experiencia de trabajar con una cámara estenopeica retrotrae a la fotografía más primigenia, a sus orígenes y su esencia. Por medio de este procedimiento, los participantes entenderán y asimilarán el proceso fotográfico paso a paso y revivirán el entusiasmo y la sorpresa de los primeros fotógrafos.

Hoyesarte

Las series sobre la construcción del Empire State o de los niños trabajadores, se muestran hasta el 24 de abril en la Fundación Mapre, Madrid.

“Si yo pudiera contar la historia con palabras, no tendría que ir cargado con una cámara”. Esta conocida frase de Lewis Hine resume la personalidad de un hombre con la necesidad vital de enseñar, entendía esta acción en sus dos acepciones principales: la de mostrar y la de educar. Y para conseguir su objetivo no dudaba en meterse en minas de carbón insalubres o colgarse de un cable sobre el vacío en el armazón inacabado del Empire State Building. Hine hacía lo que hacía por la urgente necesidad de iluminar las esperanzas sociales de su mundo, pero también para mostrar la belleza intrínseca del trabajo duro y la importancia del ser humano dentro de la máquina. Sus fotografías de inmigrantes en la isla de Ellis, de niños obreros en fábricas, minas y plantaciones fueron utilizadas como una poderosa arma para mejorar las condiciones de vida de las clases desfavorecidas. Aunque también se usaron como arma arrojadiza por los que, en la era Macarthy, consideraban peligroso su enfoque social. Tras su fallecimiento, este impresionante legado documental quedó un poco en el limbo hasta que la Georges Eastman House se hizo con la mayor parte de su trabajo. Los originales que se exponen en la Fundación Mapfre forman parte de esta colección y se presentan debidamente compartimentados en sus series más icónicas: inmigrantes, trabajotes, casas de vecinos o América negra.

Encontramos desde dibujos hasta fotografías todas realizadas por artistas españoles. Se trata de una retrospectiva poco usual y muy recomendable de ver.

Coincidiendo casualmente con la exposición de retratos de Irving Penn que está teniendo lugar en la National Portrait Gallery de Londres, una de  las mayores selecciones de fotografías realizadas por el mismo autor cobran protagonismo estos días al otro lado del Atlántico, pues el próximo día 14 de abril saldrán a subasta.

La colección que se llevará el que mayor cantidad de dinero pague por ellas está compuesta por 67 instantáneas que Penn regaló (y dedicó) a la que fue más de treinta años su asistente personal, Patricia McCabe.

La subasta tendrá lugar en Nueva York en la sede de la casa Christie’s y, desde el día 10 y hasta el mismo día de la puja, las fotografías se expondrán en el Rockefeller Center, lugar donde el visitante podrá dejarse llevar por estas imágenes que son reflejo de la extensa carrera del fallecido artista americano.

Iving está considerado uno de los más importantes fotógrafos de la historia y empezó a darse a conocer gracias a sus aportaciones a revistas como Vogue, aunque en esta colección se podrán contemplar imágenes que abrazan una variadísima temática; paisajes urbanos, imágenes tribales y retratos, entre otras.

Fuente | Masdearte

A partir del próximo día 27 de febrero se inaugura la exposición fotográfica Como si fuera una muñeca de la artista Génova Beatrice Morabito y lo hará en la tienda erótica Amantis, sita en la calle Ribera de Curtidores número 10,  de la capital de España.

Como si fuera una muñeca acerca al espectador una exploración de los sueños más oscuros de la artista, el deseo se instala en sus muñecas  y las emociones se traducen en estas imágenes de un modo casi real. La obsesión por poseer y ser poseido es fruto del deseo que todos sentimos con normalidad y en esta muestra fotográfica esto es algo más que palpable.

“Las antiguas muñecas de porcelana, objetos de insólita belleza, se trasforman aquí en paginas de un diario secreto, escritos de una vida entera que se deben leer y saborear cada disparo fotográfico”.

La posibilidad de ver reflejado el deseo en la muestra que nos ofrece Génova estará abierta al público hasta el próximo día 27 de marzo.

Vía | Arte Spain