Las obras son parte de los fondos de la galería moderna de Liubliana. Hasta el 2 Octubre podemos ver la más de 100 obras del arte de vanguardia desarrollado en los países del Este.

Las obras se encuentran en el marco de la Internacional. Además de proporcionar una amplia panorámica del arte de vanguardia de Europa del Este, el objetivo de la exposición es abrir nuevas perspectivas de conocimiento sobre la región

Con motivo de la exposición “Helvética” y complementando la que está teniendo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), “El Mal de Escritura” y que ya les recomendamos desde Artes Contemporáneos, el próximo día 4 de febrero tendrá lugar en el Auditorio del mismo centro la proyección de la película-documental “Helvetica“, dirigida por Gary Hustwit. En ella se analiza cómo la tipografía puede llegar a poseer un sentido político, pues no solo el contenido da el mensaje, sino que la forma también tiene mucho que ver en su connotación.

La película presenta un recorrido fascinante por la historia de una tipografía legendaria, de su producción a su implementación en la vida pública. En sus más de cincuenta años de existencia, la Helvética ha escrito la historia de nuestra relación con los objetos y los mensajes que habitan el espacio público.

En la cinta de Hustwit, que podrá verse el día indicado más arriba a las 7 de la tarde, podremos escuchar declaraciones de diferentes y conocidos diseñadores sobre el proceso creativo, y las implicaciones políticas que el uso de una tipografía puede poseer.  La entrada es gratuíta y de aforo limitado y el debate posterior al pase, contará con servicio de traducción simultánea.

Más información | MACBA

Desde el pasado día 20 de noviembre se pude visitar en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, más conocido como MACBA, la exposición “El mal de escritura“, y estará abierta al público hasta el día 25 de abril del próximo año.

Este es un proyecto bastante novedoso y distinto ya que se trata de una exposición de libros básicamente escritos por artistas, lo que da como resultado una “biblioteca bastante singular”. El proyecto ha sido realizado por el Centro de Estudios y Documentación del MACBA y en él se pueden consultar más de 150 títulos escritos por 60 artistas.

Tras un año de búsqueda, la colección que se exhibe en la actualidad pasará a engordar su número de documentos en lo sucesivo, pues el rastreo de este tipo de escritos no es tarea fácil, todo lo contrario, ya que son piezas de culto casi únicas y de escasa distribución.

No hay agentes literarios y, por tanto, viven al margen –o mejor, en paralelo– de las grandes empresas especializadas en literatura. Por otro lado, leyendo estos textos, el lector descubre que se trata de un ejercicio de reinvención del lenguaje y la escritura destinada a relacionarse con la producción artística; así, estos libros quieren ser leídos por aquellos a quienes interese el arte contemporáneo, aunque esta no sea una intención explícita.

Artistas como Richard Foreman, Rita McBride, Helen Mirra, Ryan Gander y Viola Klein, entre otros, tendrán su espacio en la muestra; y Erick Beltrán, interactuará con el público para elaborar una “enciclopedia del conocimiento no especializado“, un proyecto que el artista comenzó en la pasada Bienal de Sao Paulo.

El MACBA se encuentra en la Plaça dels Àngels, 1 de Barcelona.
Horario: Lunes-viernes, 11-19:30 h.; sábados, 10-20 h.; domingos y festivos: 10-15 h.

Vía | MACBA

Con motivo de la publicación de la colección de ensayos Fernand Deligny Permitir, trazar, ver (Barcelona: MACBA, 2009), se esta llevando a cabo durante este mes de noviembre el el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona un ciclo de cine que completa el acercamiento a la obra del educador Deligny. Dentro del ciclo también ha tenido lugar un seminario de título homónimo los pasados días 13 y 14 de noviembre.

El ciclo está teniendo lugar cada miércoles de este mes y finalizará el próximo miércoles 8 de diciembre. El cine es parte integrante de la obra de Deligny a modo de herramienta experimental y el autor lo considera como un “arma” contra la exclusión y la normalización.

La próxima cita es este miércoles a las 19:30 con la proyección de À propos d’un film à faire (Fernand Deligny. Sobre una película por hacer), de Renaud Victor (1989). La grabación tiene un duración de poco más de una hora, en la que, según el autor,

“un chaval autista no hace nada, lo que es una forma de actuar. Esto lo ven los que saben observar, los que viven con niños autistas. Lo mismo sucede con la imagen: una imagen no se “hace” en mi jerga. Una imagen llega, no es más que una coincidencia… Pero la coincidencia, la imagen en el sentido en que la entiendo, la imagen misma, es autista. Quiero decir, que no habla.” Durante un monólogo en presencia del director Renaud Victor, entrecortado por escenas de una ficción desmembrada, Deligny habla del funcionamiento de la imagen según la percepción autística.

Las sesiones tienen un precio de solo 2 euros. Para más información sobre el ciclo y los pases restantes, puedes visitar la web del MACBA desde aquí.

A partir de mañana, día 6 de noviembre, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) acogerá entre sus paredes una exposición dedicada al artista norteamericano Ray Johnson. La muestra lleva por título Please add to & return.  Esta es la primera exposición que se le dedica a este artista en nuestro país y mostrará algunos de sus collages y correspondencias.

Los que se acerquen al museo situado en el barrio barcelonés del Raval, podrán admirar unos collages que, más tarde, fueron piezas de otras obras mucho más complejas intercaladas con otros elementos más populares: imágenes de Elvis Presley, Marilyn Monroe o Shirlie Temper son algunos de los ingredientes que Johnson emplea para crear estos collages.

Además, el autor, experimentó con lo que es el Arte Postal y construyó una amplia red de contactos con los que intercambiaba ideas y trabajos por correo postal, enviando una gran cantidad de postales trozos de collages o dibujos con instrucciones para ser completados y de nuevo devueltos. Todo esto es lo que el MACBA nos ofrecerá hasta el día 10 de Enero de 2010.

La muestra de Johnson coincide con John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio, lo que significa que estamos ante una oportunidad casi única de ver y analizar lo que relaciona a ambos artistas.

Más información | MACBA

Armando Andrade Tudela, "Untitled 1 (Rattan Sculpture)", 2008

El objetivo de la exposición «modernologies» es explicar el lugar que ocupa la investigación artística y discutir sobre contribuciones concretas a las temáticas centrales que surgen tras veinte o treinta años de una controversia, intensamente reavivada una y otra vez, sobre la herencia de la modernidad y el modernismo en lo que se refiere al contenido y la forma, y, en cierta manera, sobre la crítica parcialmente sólida a esta categoría y a los contenidos vinculados.

Desde el pasado 23 de septiembre, y hasta el 17 de Enero del año que viene, puede visitarse la exposición que lleva por título Modernologías, la cual está visible en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). El horario para visitar Modernologías es el siguiente: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19.30; los sábados de 10 a 20; y los domingos y festivos de 10 a 15 . Los martes, el museo permanece cerrado.

La muestra que se nos ofrece desde el MACBA trata de explicar lo que es la modernidad desde un punto de vista sociopolítico, el cual va detrás de conseguir la creación de una forma de comunicación universal sobre la tecnología y la industrialización, los derechos humanos y la democracia o el derecho a la educación.

Los artistas que exponen en Modernologías, han reflejado la modernidad de una manera “adecuada”, pero teniendo en cuenta el hacerlo de una manera en la que “lo utópico de la modernidad” también quedara implicito en la obra; así como reflejar las “vertientes destructiva y regresiva de la revolución y la agitación”.

Para más información sobre la exposición y compra de entradas, visita la web del MACBA. Puedes hacerlo directamente desde este enlace.

Francesc Torres ha desarrollado la mayor parte de su carrera fuera de España: a finales de los años sesenta trabaja en París con el escultor de origen polaco Piotr Kowalski, y entre 1972 y 2002 se establece en Estados Unidos, donde realiza la mayor parte de sus instalaciones, y a finales de los ochenta trabaja en Berlín a lo largo de dos años. Este factor, determinante para la construcción de su discurso, explica que su obra haya sido muy poco difundida en nuestro país, a pesar de su continua participación en la vida cultural como ensayista y articulista en periódicos y revistas.

El trabajo de Torres es esencial para revelar una suerte de continuidad de las prácticas de vanguardia en los años ochenta y noventa, aspecto que a menudo han cuestionado los medios, las instituciones y el mercado. Si en los años sesenta, las prácticas de vanguardia formularon los primeros ejemplos de crítica institucional y en los ochenta los artistas optaron por realizar obras para el museo como medio de escapar a las presiones y los condicionamientos del mercado, su trabajo, en cambio, se ha situado a caballo de esas dos posiciones. Por un lado, Torres ha utilizado el espacio de las instituciones culturales como apoyo y medio para vehicular el análisis sobre los vínculos entre ideología, poder y sumisión. Por otro, su trabajo explicita una declaración sobre la posición del artista frente a la sociedad: la relación entre individuo y colectividad, el papel del discurso político respecto a la acción social y el conjunto de creencias recibidas que conforman un pensamiento colectivo determinado. Para ello, Torres recupera las técnicas más efectivas inventadas a principios de siglo xx y perfeccionadas por los artistas de vanguardia, como John Heartfield y Josep Renau, o más allá, por Francisco de Goya y Honoré Daumier. El artista no solo representa la realidad que lo rodea, sino que se propone cambiarla.

La obra de Francesc Torres muestra dos momentos temáticamente separados. Poeta experimental, llega a la práctica artística a través de la investigación del lenguaje, influido por el trabajo de Joan Brossa. Aunque no se conservan obras de esta primera etapa, su interés por el lenguaje puede rastrearse en una serie de trabajos de carácter objetual que combinan la búsqueda formal y la ingeniería, a través de la noción de prototipo y de la idea de fabricación y autoría como Prototype for a Series of Multiples in Poliester, de 1967-1968. Pero a Torres le interesa fundamentalmente la obra en la medida en que es acción, como medio de transmisión y de contacto con el espectador. El poema existe cuando es leído, y la obra cuando el espectador la percibe. Así pues, en 1968, Torres propone una serie de esculturas «recortables» que requieren de la participación del espectador, como es el caso de Poème-eméop (1968), Objeto para deletrear la palabra poema (1968-1969), P…O…E…M…A (1968-1969), o Sculptura (1969) una urna de plexiglás llena de agua, donde flotan las letras que forman esta palabra.

A finales de los sesenta, Torres es testigo directo de múltiples propuestas de artistas que reaccionan frente al minimalismo y que incluyen el recurso a lo orgánico y el uso de material biológico, tal como podemos apreciar en el trabajo de Hans Haacke o de modo más acentuado en Robert Smithson. De forma paralela, Torres investiga sistemas orgánicos y materiales naturales como metáfora de la objetividad y del control sobre los elementos. Entra en escena la fotografía como un soporte documental que no solo acredita la existencia de una obra, sino que acaba constituyéndose en material en sí mismo, como ocurre en Sculpture for Determining Perfect Horizontality (1968) o Suspension No. 2 (Air-Helium) (1969). Su interés científico le lleva a documentar procesos en los que participa el azar, como en Wind Sculpture or Observing What Happens to a Sheet of Paper Exposed to the Wind (1969), la serie Reflexión I, II, III, de 1969, donde se documentan y miden los reflejos y sombras, o en obras más tardías, como Dos distancias o Dos diagonales, ambas de 1972. La geometría le permite asimismo realizar una serie de escrituras en el paisaje, como en el caso de Triángulo semioculto por una nube, de 1972, o Pasando de la oscuridad a la luz, de 1972.

Paulatinamente, el paisaje urbano adquiere protagonismo, como ocurre en Triángulo imaginario delimitado por el sol (1972), Constatación de la luz del sol en el piso trece (1972) o Statement About the Existence of a Light Triangle on Sheridan and Belmont (1972). Este cambio de contexto anuncia un giro hacia una posición más subjetiva en una serie de obras de principios de los años setenta en las que el artista introduce el factor performativo y el uso del propio cuerpo, en sintonía con artistas como Chris Burden y Vito Acconci. Obras representativas de este momento son Perceptual Analysis of Three Dimensions (Three Points of View). Calendario o Sustracción de peso (del edificio) y Occupation of a Given Space Through a Human Action, todas de 1973.

La investigación de los formatos de la acción pronto deriva en una dimensión narrativa que provocará el abandono de lo corporal. A mediados de los años setenta, la palabra del propio artista constituye un elemento esencial. Aparece entonces una de las constantes de su obra: la memoria como territorio de construcción de la política. Las acciones An Attempt To Decondition Myself (1974) o Almost Like Sleeping (1975) suponen una ruptura respecto a los materiales utilizados hasta entonces, y las siguientes, como Everybody’s House (Is Burning), de 1976, nos ofrecerán el tránsito de una temática personal, subjetiva, a la perspectiva de los hechos de la historia, de las que son claros exponentes las instalaciones Construction of the Matrix (1976) y Accident (1977).

La primera, creada en el contexto de la 37 Bienal de Venecia, justo después de la muerte de Franco, aborda la profunda vinculación existente entre ideología y violencia. Accident insinúa asimismo otra de las constantes de la obra posterior de Torres: la asociación entre máquina, velocidad y machismo y la política como fracaso. Las siguientes salas muestran obras en las que Torres analiza y denuncia la relación de la colectividad con su historia reciente y con el presente, tomando como paradigma un conflicto local, la Guerra Civil española y la dictadura de Franco como expresión de la violencia universal y atemporal. Se inaugura así una línea temática que continuará hasta hoy, y que se expresa en obras como Residual Regions (1978), Belchite / South Bronx: A Trans-Cultural and Trans-Historical Landscape (1988) y Oscura es la habitación donde dormimos (2007).

Hablamos de trabajos que se materializan en instalaciones multimedia, creadas para un lugar específico y en función de este. En la mayoría de los casos, sus características impiden la reconstrucción en los espacios interiores del museo.

Los años ochenta, época en la que Torres produce la mayor parte de sus instalaciones, representan un retorno al orden en el mapa de las categorías artísticas, pero sobre todo en los gustos y las presencias mediáticas, que certifican la reaparición de los expresionismos y la abstracción pictórica. El arte de Torres, en cambio, es realista y está íntimamente ligado a la esfera de la conciencia colectiva. Es decisivo que Torres viva en ese momento en Estados Unidos, donde la diversidad intelectual e institucional le permite desarrollar una actividad frenética basada en la concepción y la ejecución de proyectos de amplia ambición conceptual y material. Torres va refinando un lenguaje cercano al teatro, en instalaciones que representan los dramas y miserias de las ideologías del presente y sus genealogías: la guerra, la violencia y la muerte institucionalizadas en forma de opresión moral de unos individuos sobre otros.

La exposición nos descubre a un artista preocupado por la imagen, cercano al pintor. Torres aparece como pintor de la historia a través de las temáticas constantes en su vocabulario: la máquina, la velocidad que borra el paisaje, la figura prehistórica. Junto con las imágenes, a través de asociaciones de objetos, Torres sintetiza el vocabulario que ha puesto en juego en las instalaciones y trabajos esculturales. Nos hallamos frente a la lógica del collage y la alteración de la imagen mediática, procedente de publicaciones, de la televisión o el cine. Un paisaje cotidiano de violencia y destrucción, como en el caso de Newsweek Series (1990). Se nos muestra un artista profundamente preocupado por las cualidades físicas de las obras: las tonalidades de color, los métodos de constitución de la imagen y los vínculos materiales con ciertas tradiciones artísticas. Una serie de dibujos de tinta de 2007, The 1930s and 40s in the Air, explora la iconografía particular de los aviones de combate y las tipologías de dichas máquinas. Los dibujos nos recuerdan pasajes de obras anteriores y nos devuelven a un mundo vinculado a la infancia, donde la fascinación por la velocidad y la batalla se explican a través de la inocencia.

El título de la exposición nos informa claramente de la posición del artista tras su larga trayectoria. Da capo es una notación en la partitura para indicar al músico que debe reanudar la ejecución de la obra desde el principio. Torres asocia la experiencia familiar de la resistencia al fascismo y la dictadura de Franco al problema de la memoria colectiva y al protagonismo de la guerra como expresión del enfrentamiento entre ideologías, a la velocidad como condición de la batalla, a la competición como sublimación de la enemistad en tiempos de paz, a los símbolos y signos de la masculinidad como expresiones del armamento amenazante, dominador y destructor… y después vuelve atrás, hacia los símbolos arcaicos, hacia los restos arqueológicos que denotan civilización e incivilización, que hablan de la racionalidad o la irracionalidad arraigada en lo humano.

Inauguración: 5 de junio de 2008
Fechas de la exposición: del 6 de junio al 28 de septiembre de 2008
Comisarios: Bartomeu Marí
Producción: Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Nota de prensa del MACBA