El género del paisaje se convirtió en el s. XVIII en un elemento donde se plasmaban las ideas de la renovación cultural de la época. La representación de la naturaleza en toda su inmensidad y magnificencia sirvió a los artistas para proyectar sus valores, sus estados de ánimo o lecturas poéticas y religiosas. La hazaña revolucionaria de Constable consistió en convertir en tema de cuadros de gran tamaño -que eran típicos de los del género histórico-  el escenario modesto y monótono de su país, Inglaterra, concretamente de los territorios del condado de Suffolk, con sus canales y campos y hombres camino de sus ocupaciones cotidianas. Nunca antes se había pensado que lo que ahora se llama “país de Constable” fuera merecedor de una visita, y mucho menos de un cuadro.  Constable, a través de la plasmación de las escenas reales de su entorno, intenta reflejar sus sentimientos; no busca una belleza ideal, unos tonos estratégicos, sino que intenta ser lo más realista posible, llegando incluso a realizar sus bocetos al natural.

De este modo, rompe con los esquemas clásicos de la estructuración de los paisajes y sus tonos; su tratamiento de la luz, los efectos atmosféricos, las nubes… tienen un carácter propiamente científico, que, junto al gran detallismo de sus obras, con sus personajes en el campo, los ríos, los molinos o los animales, provocan la sensibilidad propia del mundo romántico, de manera que, en sus paisajes, vemos una estampa propiamente pintoresca.

Lo pintoresco, a partir de la segunda mitad del s. XVIII se elabora un nuevo concepto, un paisaje lejos de la belleza clásica, típico del mundo anglosajón, que presenta el dinamismo y la variedad de la naturaleza para provocar emociones con una nueva idea de belleza. La visión idealizada, bucólica y pacífica de la pintura de paisajes tradicional del siglo XVII da paso a lo pintoresco, a la emoción suscitada por la belleza inquieta y salvaje de la naturaleza. Constable, lo que nos quiere ofrecer es la naturaleza en su estado puro, pero donde también el hombre juega un papel importante, ya que contribuye a crear la escena rural, que la caracteriza como un paraíso, amenazada por el desarrollo urbano que se estaba generando.

Así pues, Constable destaca en la Historia del Arte por ser uno de los que logran romper con esquemas establecidos, proponiéndonos una nueva vía, donde el valor de la naturaleza real y local pueden transmitirnos los más profundos sentimientos.

El sueño de la razón produce monstruos, un título tan extraordinario como la obra, cuyas interpretaciones son varias: el subconsciente de la razón, que libera monstruos mientras duerme, la representación de los monstruos de la sociedad del momento, destacando el poder de la razón sobre las tinieblas de la ignorancia… Se trata de teorías que no parecen una crítica propia a la razón, que es de lo que se trata. Cuando leemos “el sueño de la razón produce monstruos”, lo primero que podemos pensar es en el propio cansancio de la razón, no mientras duerme. La Ilustración es una época de glorificación del pensamiento, del ser humano, del saber, de la razón. El cristianismo se hace a un lado, Dios deja de ser el centro entorno al cual se organiza la sociedad, aparecen las leyes, el ciudadano, el Estado. Pero, sin embargo, aquello de lo que se alardea, el progreso de la sociedad, fundamentada en la razón, conlleva su peligro. La degeneración del mundo ilustrado, el cansancio de la razón, el desgaste de ese mundo… pueden producir monstruos, hechos de cosas terribles, desde el surgimiento de la Revolución Francesa, el Reinado del Terror, la Guerra de Independencia Española… Se fundamenta en una crítica a la sociedad, víctima de su prosperidad.

Es decir, un período en el que, por debajo del progreso, se ve un mundo negro y caótico, y Goya fue quien de observarlo y plasmarlo en papel, haciendo una dura crítica. Por lo tanto, Goya no puede ser más histórico y reflexivo en su temática, utilizando representaciones metafóricas de los sueños…sus obras tienen una carga realista, un modo romántico y una crítica profunda.

El Romanticismo nos atrae y nos aleja, nos despierta un morboso interés, nos impresiona porque nos deja ver la fantasía que se encuentra en nuestro interior. William Blake, es un perfecto artista de la expresión de todos estos sentimientos. Era más poeta y místico que pintor, sus cuadros eran Esbozos poéticos (título de uno de sus libros de poesía) o pinturas mentales de su filosofía universal, algo que explica también que lo haya redescubierto la modernidad actual. En su obra aparece repetidamente la figura de Urizen, alegoría del Mal como creador del mundo material; la fantasía y la visión triunfan sobre la moral convencional y sobre la razón. Blake trataba de descubrir y salvar el alma en el caos de la creación material. La obra de Blake Tres parcas, originariamente titulada Hécate y recientemente La noche de la alegría de Enitharmon, refleja ya la diversidad de significados, situados entre la razón y el sueño. Con total independencia, dos años después, en su aguafuerte El sueño de la razón produce monstruos, Goya convocaría desde la oscuridad inquietante de la fantasía a las fantasmales figuras del búho y del murciélago para cuestionar las consecuencias de la razón.

 Estamos, así pues, ante un primer movimiento que nos acercará al mundo del subconsciente del surrealismo. Es la primera vez que las pasiones humanas se reflejan tan intensamente en el arte, en un momento en el que se iban apagando las luces de la Ilustración y en el que el ser humano empezó a cuestionar la esencia de su existencia.

Lo divino está en todas partes, incluso en un grano de arena.

Caspar David Friedrich (1774-1840) es uno de mis pintores favoritos, sin duda alguna. Siento especial predilección por los románticos y los paisajes decatentes que solían plasmar en los lienzos; y Friedrich es uno de ellos. Me apasionan sus pinturas, y sería muy difícil tener que elegir entre una de ellas si alguien me preguntara, aunque siento especial predilección por El cementerio de Cloister nevado, el cual desapareció en 1945 y en la actualidad se expone una copia en el National Gallery de Berlín, ciudad que visitaré en breve y aprovecharé para deleitarme con esta fantástica obra del romanticismo alemán.

Tras este breve apunte en tono de opinión, lo que quería comunicar es que 70 de los dibujos que hizo Friedrich se están presentando en la actualidad en la fundación Juan March de Madrid. Se trata de una selección de minuciosos y delicados dibujos que nos ofrecen una visión muy cercana de lo que era el proceso creativo del pintor.

Esta exposición nos acerca a la sustantiva belleza de sus obras al tiempo que ofrece, por vez primera, una perspectiva privilegiada acerca de la función de sus dibujos en su proceso creador.

La exposición está compuesta por dibujos sobre papel que van desde bocetos hasta obras “finalizadas”, todas ellas en diferentes técnicas, tales como lápiz, acuarela o gouaches. La temática es de lo más variada, pero al mismo tiempo la más repetida en toda su obra: árboles, paisajes, ruinas, edificaciones y demás.

Sin duda, una oportunidad única para descubrir a un Friedrich del que poco se conoce. Hay que señalar que en España, solo se le ha dedicado al pintor una monografía en el Museo del Prado en 1992.

Horario:

Lunes a sábado: 11.00 a 20.00 hs.
Domingos y festivos: 10.00 a 14.00 hs.

También se llevarán a cabo una serie de conferencias sobre la exposición los días 3, 5, 10, 12, 17, 19, 24 y 26 noviembre 2009.

Más información | Juan March